Мода 1900-х — характерные черты, фото

Мода 1900-х – «Золотая эпоха» для женской одежды. Период появления «новых богачей» значительно повлиял на гардероб всех представительниц прекрасной половины человечества.

Париж, являясь центром моды, диктует свои правила. В это время процветает кутюр, вручную создаются шикарные платья, которые затем демонстрируются на выставках.

Особенности эпохи

История моды 20 века начинается именно в Париже. Город, который и сегодня отличается своей специфической атмосферой, задаёт моду и вдохновляет на создание новых фасонов и стилевых направлений в одежде.

[adv]

Первое десятилетие прошлого века характеризует роскошная одежда в вечернем стиле, вещи, обильно украшенные кружевом, перьями, мехом, и разнообразие украшений, как драгоценных, так и в виде бижутерии. Женщины этого времени стремятся подчеркнуть богатство своим разнообразным гардеробом.

В 1900-е годы появляется всё больше модных журналов, пока ещё уступающим в популярности открыткам с изображением королевских особ и актрис, которым подражали многие девушки.

Женская одежда начала 20-го века

Мода 1900-х мало отличается от предыдущей эпохи. Значительное влияние 19-го века продолжалось почти десятилетие. От женщин требовалось придерживаться определенного дресс-кода, и надевать соответствующую одежду. В обязательном порядке девушки носили нижнюю рубашку из натуральной ткани, узкий корсет и длинное платье.

История моды и стиля того времени выделяет фасон в виде песочных часов. Платья и пальто характеризует подчёркивание талии с помощью корсетов и поясов. Но основной задачей дизайнеров считалось акцентирование внимания на дорогостоящих тканях и пышной отделке.

Вечерние вещи создавались из шифона, шелка, кружева, сатина. Зимний гардероб – из бархата, натуральной шерсти и меха. Для повседневной одежды использовали хлопок и лен темных или бледных расцветок.

Стиль модерн остаётся так же популярным, особенно это видно в модных платьях. Главной чертой является S-образный силуэт, который создавали на основе удлиненного корсета.

Но такой фасон был крайне неудобным, поэтому девушки стремились отказаться от подобного наряда.

[adv-2]

Это способствовало появлению мягких корсетов, а вскоре и полный отказ от данного элемента гардероба. Поль Пуаре стал первым дизайнером, разработавшим одежду, которая не требует корсета. Предложенные им модели отличались завышенной талией и акцентированием линии плеч.

Именно это новшество оказало наибольшее влияние на моду 1900-х и последующих годов. Искусственный силуэт, который ранее создавался корсетом, уступил место естественным женским формам. Новые платья исполнялись из легких, струящихся тканей, подчеркивающих изгибы тела.

Из стилевых направлений набирали популярность восточные костюмы. Эстетика далеких стран вдохновляла большинство дизайнеров и художников. Стиль нашел отражение в гардеробе модниц в виде пестрых аксессуаров, персидской вышивки, тюрбанов, широких брюк и зауженных юбок. Одежда также имела большое количество отделки и броские детали.

Характерная обувь и аксессуары

Любимой обувью девушек были туфли на низком каблуке, имеющим форму рюмки. Декорировали обувь бантами, пряжками или небольшими пуговицами. В дополнение туфлям носили чулки, которые различались по цвету и декору, для вечернего и дневного комплекта соответственно.

Важным аксессуаром стала женская сумочка. Если в начале столетия оставалась популярной непрактичная бархатная модель, небольших размеров, то уже через несколько лет сумочка увеличилась в размерах. Это сделало её неотъемлемой деталью образа.

[adv-3]

Основным аксессуаром эпохи специалисты считают шляпу. Она имела широкие поля, богато украшалась перьями, лентами и бисером. Каждая модница была обязана иметь такую шляпу.

Как создать образ в стиле 1900-х

В современной моде остаётся актуальным создание разнообразных образов в стилистике определённой эпохи. Такой облик позволяет подчеркнуть своё чувство стиля, индивидуальность, а также проявить фантазию.

При составлении вечернего комплекта отдайте предпочтение платьям длиной в пол, выполненных из броской ткани. Модели прямого или S-силуэта будут как нельзя кстати. Также подойдут варианты с небольшим шлейфом и зауженной юбкой.

Сделайте основной акцент на украшениях, декоре и аксессуарах. Это позволит максимально воссоздать образ 1900-х.

Обувь выбирайте удобную, на среднем или низком каблучке. Актуальными будут классические туфли, короткие сапоги или ботильоны.

Стилисты рекомендуют обратить внимание на цветовую гамму общего комплекта. Пастельные цвета, золотистые и серебристые оттенки приблизят вас к золотой эпохе прошлого века.

Мода и стиль в 1900-е годы – стиль модерн

Наступили 1900-е годы, начался ХХ-ый век. Ничто ещё не предвещало ужасов и катастроф нового века, трагедий двух мировых войн. С журналов и фотографий улыбались фарфоровые личики красавиц, среди которых можно было увидеть девушек Гибсона, рядом с ними появлялись и новые красавицы – законодательницы красоты и моды. К ним принадлежала Лина Кавальери – несравненная оперная певица, которой все модницы пытались подражать во всём, столичная публика рукоплескала французской танцовщице – Клео де Мерод, всё, казалось, будет вечным…

1900-е годы – продолжение стиля модерн, который существовал и в последнем десятилетии XIX –ого века, предлагая то рукав-бараний окорок, то S-образную форму фигуры с усталой кривой походкой, а под конец своего существования полностью подошёл к изгнанию корсетов. Стиль модерн во Франции именовался – «ар нуво», в Германии – «югенд стиль», в Италии – «либерти».

В начале 1900-х женские корсеты по-прежнему стягивали фигуру. Именно в эту яркую, хотя и короткую эпоху модерна, корсет занял основополагающее место в женском костюме. В конце XIX века S-образный изгиб тела был едва ощутим, а в 1900-е годы это было уже серьёзно. Корсет стиля модерн стал одним из самых совершенных образцов предметов прикладного искусства. Все его части не просто уникальны в смысле назначения, но и красивы сами по себе.

Корсет – создание 1900-х заслуживает особого внимания и исследования каждого из элементов, их функциональности, расположения и сочетания друг с другом. Время расцвета модерн стало последним периодом существования корсета, который удерживал верхнюю часть фигуры выгнутой вперёд, а нижнюю – назад. Грудь выглядела пышной и объёмной, несколько смещённой книзу, объём талии – минимальный.

Корсет утягивал живот и удлинял переднюю часть торса так, что линия талии спереди располагалась ниже, а сзади – выше естественной линии. Поэтому S-образная форма была ещё более выразительна. Тем, кто обладал рубенсовскими формами, было проще, другим же приходилось идти на хитрость и выдумки, чтобы утяжелить на своей фигуре два «холма» – спереди и сзади. Иногда эти «холмы» были настолько возвышенные, что их обладательницам грозила потеря равновесия.

В это время в журналах не раз появлялась реклама об искусственных бюстах, которые могли увеличиваться в объёме по вашему желанию. Для придания пышности бёдрам использовались специальные подушечки, крепившиеся к корсету. Вообще вся конструкция корсета того времени заслуживает восхищения.

Удлиняя торс, получается возможным расположить на лифе множество накладных элементов: пышные жабо, драпировки лифа, кружевные кокетки, оборки, рюши и т.п. Юбка плотно облегая бёдра, расходилась вниз веером по подолу. Высокие воротники-стойки удерживались целлулоидными пластинками или выполнялись в виде многочисленных оборок.

В вечерних платьях был глубокий вырез – декольте, и носили такие платье обычно с украшением – «ошейник», например, это могли быть жемчужные бусы в несколько рядов. Воротники-стойки и форма шейных украшений подчёркивали длинную «лебединую» шею, на которой покоилась голова с пышной причёской, иногда и не из собственных волос, а с подкладными валиками.

Чтобы удержать все эти сооружения на голове, требовались всевозможные гребни, заколки и шпильки. Эти украшения для волос изготовлялись из панциря черепахи, перламутра, из ажурного плющеного рога, а многие ограничивались целлулоидными гребнями, имитирующими панцирь черепахи.

Непременными аксессуарами были шёлковые чулки, о которых можно было только догадываться и узкие перчатки, которые не оставляли даже тонкой полоски обнажённой руки. Дама в стиле модерн была так тщательно зашнурована и задрапирована, что небольшая часть обнажённой руки или шеи вызывала у мужчин восхищение и провоцировала на разгадку тайны данной особы.

Вся дама в полном собрании своего наряда представляла собой нечто невероятное, состоящее из тонких струящихся тканей, с бисерными узорами, каскадами кружев и страусовых перьев, драгоценных мехов и шёлка с мерцающими нитями. S-образную форму фигуры приходилось уравновешивать большими шляпами, которые украшались перьями, лентами, бантами. Такие шляпы продержались почти до конца 1900-х. А страусовые перья были самой дорогой отделкой и даже символом высокого положения в обществе.

В зимних нарядах были меховые шапки и шляпы, в России носили «боярские» шапки. Огромные шляпы, боа, муфты, аромат духов, рюши, кружева, веера, воздушное нарядное бельё – всё это обладало притягательной силой и вызывало восхищённые взгляды, ведь на рубеже веков они были средствами обольщения. К слову сказать, бельё, которое могли видеть лишь избранные, требовало к себе в тот период особенно повышенного внимания. Этому посодействовали многочисленные журналы, выходившие в Париже и освещавшие моду на эту тему.

Во второй половине 1900-х в дамский гардероб начинает проникать Восток – появились халаты и утренние накидки в стиле кимоно, кофточки с запахом, зонтики-парасоли из китайского шёлка, причёски в стиле гейш. Но ещё не было сочных и чётких красок Востока, преобладала пастельная гамма. Ведь именно с того момента, когда появился в Париже «Русский балет», когда с сенсационным успехом прошли его первые гастроли, для модниц открылся Восток с его великолепием ярких красок и узоров.

Постепенно пышные формы начали уступать изящным и тонким. В этот период в журналах много писалось о реформе одежды, которая должна быть удобной и просторной, не стеснявшей движений и дыхания, а корсеты должны быть полностью изгнаны из женского гардероба.

Появились простые платья, которые так и назывались – платья «реформы». Они ниспадали от плеча, были достаточно просторные, с едва намеченной завышенной талией. Такие платья некоторые дамы сначала позволяли себе носить дома, и принимали в них лишь только близких знакомых и родственников.

Другим примером дамского наряда из «реформ» была белая «американская» блуза с воротничком – стойкой, поверх которого повязан галстучек, и юбкой, расширенной книзу и зауженной в области талии и живота. Это был дневной наряд – «двойка». Был и наряд «тройка», в котором «двойка» дополнялась приталенным жакетом. Рукава были присборены у плеча, но это были остатки былого величия рукава – окорока, чуть выше локтя до кисти рукав был заужен и заканчивался у самых пальцев, ведь благопристойная дама должна быть задрапирована от ушей до пят.

Костюм – тройка назывался троттер. В дополнение к нему был зонтик-трость, с которым многие дамы не расставались. Такие костюмы любили носить весной и осенью. В зимний сезон носили пальто-сэки, манто, ротонды с мехом, шубы, а также бархатные пальто.

В моде были накидки-пелерины, расшитые вышивкой. Накидки, как правило, надевали в сочетании с широкополой шляпой.

Туфли чаще имели «французский каблук», их делали из мягчайшей кожи шевро – шкуры ягнёнка особо тонкой выработки. Все модели обуви имели удлинённые носы, декорировались пряжками или имели закрытый подъём – «язык», в моде были полусапожки и ботиночки со шнуровкой. На «французский каблук» прикреплялась металлическая накладка – «помпадур» из гравированной стали.

Но в это же десятилетие, когда дамы выглядели зашнурованными до ушей, близилась эпоха раскрепощения, эпоха новой женщины, под лёгким платьем которой скрывалась стройная фигура вместо великолепного корсета, пусть даже и шедевра конструкторской мысли.

Русская мода ХХ века: 1900-1930 годы

1. Русская мода ХХ века: 1900-1930 годы

РУССКАЯ МОДА ХХ
ВЕКА: 1900-1930
ГОДЫ
Подготовила Самал Айтбай
Группа И-42
С эпохи Петра I русская мода развивается в стиле
европейских тенденций. В 1900-х гг. русская
женская мода ориентировалась на два модных
европейских города
Вена
Париж
 а мужская — на
Лондон
Женская мода этого периода являлась воплощением стиля
«прекрасной эпохи» и стиля модерн. Основная идея женского
образа той поры — невесомость, воздушность и эфемерность.
Модный силуэт, создающий такой образ, состоял из
непомерно утянутой корсетом «осиной» талии; широких бедер;
расклешенной колоколообразной, похожей на цветок юбки,
которая заканчивалась треном (шлейфом)
Талия
утягивалась
до
нечеловеческих объемов в 42 — 45
см, таким образом, чтобы женщины
могли сравнивать объемы своих
талий с объемами шей своих
поклонников.
Крой
платья
благодаря
форме рукавов и корсажей, и
форма шляп этой поры
говорили всегда о природе, а
не о геометрии. Мода этого
периода не любила прямых
линий,
углов,
прямых
окончаний. Актуальны были
формы,
напоминающие
цветок или крылья насекомых
— они прослеживаются и в
форме рукава, и в формах
головных уборов, и т.д.
Женский силуэт удлинялся
треном, поэтому женщина,
несмотря на свой небольшой
рост, выглядела выше, чем
она была на самом деле,
особенно
сзади;
а
подчеркнуто
узкая
талия
создавала
элегантный,
невесомый силуэт
Только в Петербурге в 1900-е гг. действовало более 120-ти
модных домов и ателье. В постреволюционные годы в
Петербурге работало 2 дома моды — №1 и №2. Самым
знаменитым модным домом в Петербурге был Дом Бризак, в
котором работало 60 портних.
Санкт-Петербург,
около
1903
г. Знаменитая певица
Анастасия Вяльцева в
роскошном
концертном
платье
Дома
Бризак
из
шелка.
Платье
отделано шитьем, по
которому
апплицированы

черные ласточки; на
плечах — боа из
страусовых перьев.
Русская мода 1900-х гг. тяготела
к использованию отечественных
материалов. В первую очередь, это
касалось кружева.
Ювелирное искусство в России той поры было очень развито.
Выпускались как относительно недорогие серийные вещи
массового производства, так и очень дорогие украшения
индивидуальной работы из золота, платины, а для более скромных
потребителей — из серебра. Серебряные украшения считались
совсем
непритязательными,
золото
было
нескольких
отличающихся по составу сортов, наиболее
популярным из которых было червонное золото розоватого
оттенка. Украшения этого периода фигуративны, т.е. представляют
собой конкретную ветку, цветок, бабочку, жука, паучка, и т.п.
Брошь в виде
пчелы. Серебро,
золото, алмазы,
бриллианты,
рубины, жемчуг,
эмаль. Фирма
Болина. Россия,
Москва, 19081917.
Шляпа была главным аксессуаром русской модницы
Конец
1900-х
гг. Девушка в зимнем
туалете, с собольей
муфтой и в широкой
фетровой
шляпе,
отделанной шелком и
крыльями птицы, на
плечах — горжетка из
гагачьего пера.

11. Аксессуары

АКСЕССУАРЫ
лорнет
веер
Зонт от солнца

12. Очень большое влияние на мировую и отечественную моду оказал транспорт

ОЧЕНЬ БОЛЬШОЕ ВЛИЯНИЕ НА
МИРОВУЮ И ОТЕЧЕСТВЕННУЮ МОДУ
ОКАЗАЛ ТРАНСПОРТ
В частности, бурное развитие железных дорог, появление и развитие
автомобилей и первых самолетов заставило женщин по-новому
взглянуть на свой гардероб и выявило непрактичность одежды 1900х гг. — длину и ширину платьев, узость корсета, излишний декор.
Первые автомобили, как и первые самолеты, не имели крыш, они
были открытыми, поэтому огромные широкополые шляпы
стремились улететь, как только автомобиль набирал скорость. Это
обусловило появление тенденции к переходу на более компактные
головные уборы, прочнее державшиеся на голове. В моду стали
входить шарфы, которыми можно было привязать головной убор.
Появляются коллекции дорожных костюмов, костюмы для
путешествий и первые английские костюмы. Такие костюмы
состояли из юбки с жакетом и блузки, что было более практично и
давало женщинам большую свободу движения и удобство.
Появляются коллекции пальто и пыльников, которые назывались
словом сак, что значит мешок. Таким образом, к 1910-му г
становится очевидной тенденция к большему практицизму в одежде.
Французский модельер Поль Пуаре уже в 1905 г. предлагал
модели без корсета. Эти модели не имели большого успеха, но
тем не менее, к 1910-му г. отчетливо проявилась тенденция к
поднятию
талии,
освобождавшая
от
принятого
ранее
максимально сильного утягивания.
Одной из главных модных тенденций конца 1900-х гг. был покрой
блузок с напуском на талии, который назывался «голубиная
грудка». Эта форма позволяла женщинам шнуроваться немного
меньше и слегка маскировала талию.
Революция 1905 г. в России стала началом женской эмансипации.
Женщина начинает критически оценивать отведенное ей в
обществе место. На волне этих настроений хорошо
воспринимается идущая из Европы тенденция к упрощению кроя
и отделок, и в моду начинает вторгаться прямая линия.
Подкреплялась эта тенденция и повсеместным распространением
швейных машинок, которые в ту пору были только
прямострочными. Мода становится как более практичной, так и
более
демократичной.
Однако ручная работа не утрачивает своей популярности и в этот
период. Мастерские при многих монастырях специализируются
на уникальной отделке белья и верхней одежды.

14. Парфюмерия

ПАРФЮМЕРИЯ
Букет императрицы
Красная Москва

15. Мужская мода

МУЖСКАЯ МОДА
Вечерний мужской костюм
всегда состоял из черного
фрака, белого крахмального
жилета, белой крахмальной
сорочки и белой бабочки. Для
менее торжественных случаев
жилетка могла быть и черной,
но бабочка всегда бывала
белой. В 1910-е гг. в России
входят в обиход пришедшие из
Англии
смокинги,
носить
которые полагалось с черной
бабочкой.
Самой же распространенной мужской одеждой этого времени была визитка черный жакет со скошенными полами и брюки серые в черную полоску. Кроме того,
носили костюмы-тройки — шерстяные, летом — льняные, а в очень жаркую погоду — из
шелка-чесучи. Шерстяные костюмы могли быть коричневыми, черными или серыми,
а
летние
бежевыми,
белыми
или
светло-серыми. 
Все рубашки в Росси и в Европе имели крахмальные воротник и манжеты, которые
были отдельными от собственно рубашки, пристегивались к ней и отдельно
стирались и крахмалились.
Отличительной
чертой
русского
мужского
стиля
была
мода
на
косоворотки,
которые
носили
свободомысляще настроенные мещане и
разночинцы.
Косоворотки
были
льняными,
ситцевыми и шелковыми.
Летним головным убором была шляпаканотье, зимой носили «боярские» шапки
и т.н. «пирожки» из каракуля или бобра.
Мужчины носили меховые шубы крытые
сукном, с бобровым или каракулевым
воротником.
В послереволюционные годы в России женщины практически не носили
длинных волос – короткая стрижка стала символом новой России. Вопервых, это было обусловлено бытовыми трудностями времени, а, вовторых, соответствовало общей модной тенденции — после окончания
Первой мировой войны короткая стрижка навсегда утвердилась как
полноправный элемент женского образа.
Фотография С.Кузнецова,
Москва, 1927 г. Модница
эпохи нэпа Галина
Ростовцева в коротком
летнем платье нового
прямого силуэта
Главным признаком моды послереволюционных лет и отличием ее от моды
царского времени является ее «самодельность». Если дореволюционная мода
изготавливалась из хороших материалов, профессиональными портными, с
использованием дорогой отделки; то «новая мода» вынуждена была обходиться
подручными,
порой
самыми
невероятными,
материалами
и
непрофессиональным изготовлением.
Например, в воспоминаниях известной писательницы того времени Надежды
Тэффи можно прочесть о том, из чего женщины шили себе одежду — в ход шли
портьеры и занавески, простыни и другое постельное и столовое белье,
скатерти и покрывала. Очень популярен был полосатый матрасный тик, как
впрочем, и любые другие ткани, использовавшиеся в домашнем обиходе.
Шляпки были подвергнуты остракизму, как явный признак буржуазности, и
полностью вытеснены «пролетарскими» косынками; но после 1924 г., с приходом
НЭПа, они вернулись, вновь обрели популярность и продержались в моде до
1928 г. Их изготовлением занимались шляпницы-профессионалки и
полупрофессионалки, часто перешивая сохранившиеся головные уборы, покупая
подручный фетр и используя всевозможные подручные материалы. Многие
изготавливали вязаные или вышитые головные уборы, подражая западным
модам.
Главной тенденцией головных уборов того времени была высокая тулья,
облегающая голову; маленькие поля или их отсутствие. Шляпы напоминают
каску или колокол, они так и назывались — шляпа-клош, что значит колокол пофранцузски. В элементах декора головных уборов находили отклик темы
индустриализации и конструктивистские мотивы — например, шляпка могла быть
украшена крылом, намекающим на авиацию, и т.п. Такие конструктивистские
мотивы были характерны и для западной моды этого периода.
Фотография
Кадысона, 1916
г. Молодая дама в
темном шерстяном
пальто с матросским
воротником из шитья.
Шляпа-каска из
соломки и шелка
украшена аппликацией
и вышивкой.
Парадокс времени заключается в том, что, пока в России мода
целенаправленно искоренялась и была лишена всяких возможностей
развития, весь мир в 1920-е гг. переживал бум русского стиля. Русский
стиль бурно развивался, но шел не из России, а, наоборот, с Запада. В
первую очередь это связано с массовой русской эмиграцией, которая
принесла на Запад свои традиции, элементы костюма и мастерство их
изготовления.
Фото, Стамбул,
середина 30-х годов.
Реклама русского
шляпного ателье
«Мод Ольга» из
турецкого журнала
«Мода».
Эмигранты первой волны, для того чтобы
заинтересовать общество своими изделиями,
стали проводить выставки кустарного творчества.
Женщины-эмигрантки
делали
всевозможные
изделия — вышитые скатерти, рубахи, деревянные
бусы, портсигары и многое другое, и продавали
на таких выставках. Поскольку это были изделия
высокого качества и отмеченные тонким вкусом,
люди в Европе стали интересоваться русским
стилем и изделиями русской работы.
Русские дамы, поселившиеся за границей,
выбрали для себя сарафан, душегрею и
кокошник в качестве парадной одежды для
праздников и выходов, что, несомненно, также
способствовало популяризации русского стиля.
Фото. Вена, 1924 г. Русские
танцовщики-эмигранты в
«Русской пляске» в костюмах
работы Г. Пожедоева.
Фото. Париж, 1922 г. Зимние
пальто в русском стиле домов
«Уорт», «Шанель», «Женни».
Рисунок из французского
журнала «Искусство и мода».
Фото. Париж, 1925 г. «Прелестные вышивки Китмира».
Рисунок из журнала «Жардан де мод»
«Царевна-лебедь» была очень актуальной.
Под влиянием НЭПа стали вновь открываться
модные ателье. Наиболее распространенным
видом их изделий были платья в стиле
«чарльстон» с заниженной талией, отделанные
вышивкой
или
аппликацией;
возродилось
множество шляпных мастерских.
Основной потребительницей моды того времени
была нэпманша — обеспеченная женщина, не
отягощенная излишним культурным багажом, но
зачастую отягощенная лишним весом. И
соответствующие
черты
не
замедлили
проявиться в самой моде — из нее исчезла
грация. Все модели 1920-х гг. выглядят
бесформенно и мешковато; низкая талия
подчеркивает живот. Обращает на себя
внимание простота обуви и причесок, отсутствие
или минимальное количество аксессуаров.
Фото. Москва, 1926 г. Советские актрисы в ролях нэпманш в нарядных
костюмах.

27. Мужская мода в СССР

МУЖСКАЯ МОДА В СССР
Одежда Ленина на фото и
портретах представляет собой
классическую
мужскую
одежду 1910-х гг. с одной
только
разницей
«буржуазный»
котелок
сменила
«пролетарская»
кепка. Интересно, что кепка
сама по себе не была
«пролетарским» изобретением
она
пришла
из
американского
городского
костюма.
Сталинская эпоха опустила над СССР непроницаемый железный занавес.
Все контакты с Западом были окончательно прерваны, в страну
перестали поступать модные журналы и какая бы то ни было
информация о модных тенденциях и новинках.
Определяющим в образе советской женщины стал стандарт — главное
было ничем не выделяться, быть как все и выглядеть почти
униформенно. Ни о какой индивидуальности не могло быть и речи.
Шляпы в очередной раз были подвергнуты остракизму, их место в
женском гардеробе занял берет — черный, синий, или считавшийся особо
шикарным белый. Толпа стала совершенно однородной и безликой.
Мех в очередной раз стал признаком буржуазности и большим
дефицитом, поэтому основной зимней одеждой стали стеганые на вате
пальто. С обувью стало совсем плохо, ее донашивали до полного
рассыпания, зимой очень выручали валенки.
Безусловно буржуазным и преследуемым элементом были объявлены
все украшения и бижутерия. Духи и косметика также практически были
исключены из обихода. Самым популярным цветом становится белый,
символизирующий радость, счастье и душевный подъем, которые якобы
постоянно испытывают советские граждане. В русле той же символики
лежала и популярность спортивной темы как в жизни, так и в одежде.

29. Мужская мода 1930-х гг. в СССР

МУЖСКАЯ МОДА 1930-Х ГГ. В СССР
Мужская мода 1930-х гг. в СССР выглядела не менее убого.
Сталин, подражая своему заклятому врагу и конкуренту
Троцкому, носил хорошо знакомый всем по фотографиям
военизированный френч. С галстуком велась борьба, как с
признаком буржуазности. Летняя одежда стала белой,
типичный летний мужской костюм состоял из белых
полотняных штанов и косоворотки навыпуск. Зимний костюм
состоял из того же самого набора предметов, но темного
цвета. Все это, как правило, имело вид слегка несвежий и явно
помятый.
Все виды головных уборов окончательно вытеснила кепка.
Исключением и особым шиком была разве что тюбетейка,
символизировавшая братскую дружбу с народами Средней
Азии. Трикотаж широко использовался в мужском гардеробе свитера, шарфы и т.п. В то время невозможно было
представить даже сам разговор о мужской моде — это было
полное табу.

30. Спасибо за внимание!

СПАСИБО ЗА ВНИМАНИЕ!

Персональный сайт — 1900-1910

Первое десятилетие XX века все еще тесно связано с модой ушедшего столетия. С одной стороны, этот период получил название «бель эпок», воплощение идей стиля модерн. В России это время именовали Серебряным веком —  расцветом живописи, архитектуры и поэзии. И мода начала XX века являлась отражением идеалов «прекрасной эпохи». Основу силуэта задавал образ женщины — цветка, которой чужды земные тревоги, заботы и вообще физическая работа. Художники изображали женщину в образе русалки, нимфы, дриады, но, ни в коем случае  не как обычного человека. Женщины того периода не должны были просто ходить по земле, они должны были парить, быть загадочными и таинственными, эфемерными и недостижимыми. Модный силуэт, создающий такой образ, состоял из непомерно утянутой «осиной талии», расклешенной колоколообразной юбки, напоминающей бутон лилии, и трена (шлейфа), создающего иллюзию морской пены.

  

 1900–е были временем небольших женщин. В моде были женщины ростом 1,55 – 1,60 м, с пышными формами. Поэтому одежда должна была создавать иллюзию пышной груди при помощи корсета. Бюст в платье располагался единым фронтом (разделение появилось лишь с созданием бюстгальтеров), и драпировали его, используя всевозможные рюши, банты и подкладные ватные подушечки. Женщина должна была быть «манкой», иметь покатые плечи и ни в коем случае не должна была быть худой. Сохранился дневник английской школьницы начала 20 века. Девочка писала о том, как по выходным в пансион приезжали мамы, одетые в модные шифоновые платья. И под тонкой тканью было видно, как на бедрах, на груди и в других неожиданных местах из корсета «выпирали килограммы тела». Парадоксально, именно тогда были распространены корсеты с гротескно подчеркнутой талией. По сохранившимся платьям этого периода мы знаем, что талия утягивалась до нечеловеческих объемов в 42 — 45 см, таким образом, чтобы женщины могли сравнивать объемы своих талий с объемами шей своих поклонников.

Не смотря на то, что солнечные ванны и отдых на пляже получали все большую популярность, белая кожа по-прежнему оставалась отличительной чертой высшего света. В соответствии с французскими модными канонами женщины использовали рисовой пудрой, добиваясь эффекта болезненно-бледной кожи.

Это было время преклонения перед роскошными длинными волосами. В моде были золотисто-рыжеватые шатенки, словно сошедшие с полотен Альфонса Мухи. Волосы всегда причесывались, распущенные волосы допускались только на сцене. Прическа той поры представляла собой очень объемный валик, который поддерживался специальной конструкцией из конского волоса. Она крепилась под собственные волосы, а сверху делался начес. Такая прическа напоминала прически гейш и была придумана на волне увлечения японизмом. Для украшения использовались всевозможные гребни и заколки, роговые или черепаховые, часто украшенные камнями или стразами. Волосы не принято было мыть слишком часто, в воспоминаниях современников можно встретить упоминания о перхоти на плечах дам той поры.

 

В макияже дозволялось использовать светлые румяна, пудру и блеск для губ. Помада, тени и подводка применялись только актрисами. Женщина в гриме выглядела подозрительно. Ногти полировались, достигая блеска и естественного бледно-розового цвета.

Модница 1900-х годов могла переодеваться до шести раз за день – начинался день с пеньюара, затем шел черед домашнего платья, прогулочного платья, после чайного, визитного, обеденного и, наконец, бального или театрального. Фактически все время светской женщины было посвящено смене туалетов.

И крой платья благодаря воздушным рукавам и форме корсажа, и форма шляп этой поры говорили о природе, а не геометрии. Мода не любила прямых линий, острых углов, резких окончаний. Актуальны были формы, напоминающие цветок или крылья насекомого – это прослеживалось как в крое платья, так в деталях и украшениях. Женский силуэт удлинялся треном, поэтому женщина, несмотря на невысокий рост казалась выше, а подчеркнутая талия создавала невесомый силуэт.

  

1902. Dress, Evening. Jean-Philippe Worth. 

Крой платья S-образного силуэта был самым популярным в 1900-е годы. Легкие, полупрозрачные материи, такие как шифон и шелковый шармез, ложились мягкими складками, подчеркивая текучую плавность силуэта.

Одним из самых эффектных элементов того времени было кружево. Шитое и вязанное, шелковое и хлопчатобумажное, белоснежное брюссельское и черное шантильи. Но в начале XX века особую популярность завоевало ирландское кружево «крюше», которое вязали вручную. Считается, что образцом для крюше стали сложные итальянские кружева XVII века. Ирландия была признанным производителем кружева этого типа, причем чаще всего эго изготавливали монахини в обителях, расположенных на юге страны. Такое кружево часто было украшено вязанными декоративными насекомыми и растениями, что и объясняет особую любовь дам, увлеченных модерном.

 

1908г. 

Мода на кружева не обошла стороной и Россию. А так как 1900-е – эпоха большого увлечения псевдорусским стилем в живописи, архитектуре и естественно моде, вологодское, елецкое, михайловское и другие льняные кружева народной работы были очень востребованы.

Вообще яркой отличительной чертой русского стиля является любовь к декору. Поэтому большинство работ русских модельеров того времени были богато украшены вышивкой (как крестиком, как и гладью), лентами, аппликациями и т.д. Кроме отечественного кружева Россия активно потребляла и европейские кружева, в частности брюссельское и фламандское. Благодаря сохранившимся таможенным ежегодникам, мы можем узнать, что в период 1900-х годов в Россию было ввезено около 500 тонн страусового пера. Этот факт служит наглядным доказательством любви русских женщин к богатому роскошному декору.

Русские женщины всегда были большими любительницами украшений. И мода эпохи модерн, тяготеющая к яркому и замысловатому декору только способствовала этому увлечению. Ювелирные заводы того времени выпускали как вещи массового производства, так и уникальные и очень дорогие украшения индивидуальной работы. Серебряные украшения считались совсем непритязательным товаром. Наиболее популярным материалом было черненое золото розоватых оттенков. Все украшения того времени были очень замысловаты и представляли собой веточки растений, цветы, причудливых насекомых, птиц в полете… Излюбленным мотивом была летучая мышь. Именно в ювелирных украшениях особенно ярко проявилось увлечение модерном. Цветовая гамма драгоценностей, подражая картинам арт-деко, тяготела к зеленовато-голубым и припылено-серебристым оттенкам. Для тех, кто не мог себе позволить настоящие драгоценные камни, выпускались различные имитации. Особой популярность пользовался жемчуг из воска, покрытого эмалью, и стразы, т.е. имитация бриллиантов. В России, несмотря на мировое увлечение приглушенными пастельными оттенками, цвело буйство красок. Это касалось и ярких тканей для платьев(мода «бель эпок» переживала всплеск интереса к «роковым» бордово-красным тонам), и ярких уральских самоцветов.

Именно Россия дала миру знаменитого ювелира Карда Фаберже. Основана фирма Фаберже была в Петербурге в середине XIX века, но пользоваться успехом и популярностью их изделия стали несколько позже, после того, как фирма стала изготавливать подарочные пасхальные яйца для императорской семьи. Творчество Фаберже уникально тем, что они разрабатывали русскую тему, используя для этого как отечественные самоцветы, так и привозные камни. Тема яйца была впервые использована в ювелирном искусстве именно Фаберже.

В то время женщина не могла позволить себе выйти на улицу без шляпки. Поэтому шляпу можно считать главным аксессуаром любой модницы. Любимым декором были перья, поэтому они и импортировались в таком огромном количестве. Главным требованием к шляпе была ее иллюзорная невесомость и воздушность, чтобы было совершенно незаметно, как она держится на женской головке. При этом год от года головные уборы становились все больше и больше. Для удержания формы такой шляпки даже использовался проволочный каркас. К концу 1900-х шляпа напоминала огромную бельевую корзину, наполненную перьями, что стало объектом насмешек карикатуристов. Иногда на шляпках размещали целые чучела небольших экзотических птиц. Такой декор угрожал нанести непоправимый ущерб видам птиц, отличающихся красивым оперением. В США даже был принят закон, запрещающий отлов и продажу диких птиц.

  

Особо ценили перья страуса, цапли и райской птицы, но такую дорогую шляпку могла себе позволить не каждая, поэтому в ход шли местные пернатые: чайки, орлы, куропатки и даже петухи и куры.

Образ модницы включал в себя и множество других аксессуаром. Например, лорнет – очки в то время считались принадлежностью «синих чулок» и эмансипе. Или зонтик – необходимый аксессуар, предохраняющий белоснежную кожу владелицы от губительных солнечных лучей. Наиболее ценные экземпляры представляли собой шедевры декоративно-прикладного искусства. Купол зонта отделывался драгоценной вышивкой, лентами и кружевом, а ручка изготавливалась из ценных пород дерева, металлов, кости, и украшалась самоцветами.

  

Все дамы той эпохи пользовались веерами. Это было обусловлено вполне прозаической причиной. Для освещения использовались свечи или масляные лампы в огромных количествах. И чем ярче было освещено помещение, тем жарче в нем становилось. С переходом на электрическое освещение необходимость в веере отпала, и он навсегда ушел из повседневного обихода. Веера украшались в соответствии со стилистикой модерна – яркие, расписанные крупными цветами экраны, богатая растительная вышивка блестками, золочение и инкрустации и, естественно, перья. После Русско-Японской войны в моду вошло все японское, и соответственно, веера начали декорировать наподобие японских.

 

Для дизайна обуви того периода характерны французский каблук или каблук-рюмочка и заостренный носок. Как во всех остальных деталях туалета, отличительной чертой русской обуви была богатая отделка бисером, жемчугом, стеклярусом и шитьем. Самой трудоемкой была вышивка золотом по коже, которую выполняли исключительно мужчины.

 

Сотрудники Института Костюма Киото полагают, что именно белье служит одним из средств выражения истории костюма. Поэтому истории изменения нижнего белья стоит уделить особо пристальное внимание.

Белье и чулки должны были быть белого, черного или розового цвета. Цветное белье носили только публичные женщины. Синие чулки носили женщины-ученые, благодаря чему и появилось известное идиоматическое выражение. Все чулки были длиной до колена, и носились на подвязках, пристегиваемых к корсету или крепившихся под коленом. Сверху носили закрывающие колено панталоны, пышные и отделанные шитьем. Панталоны делились на закрытые и открытые, т.е. не сшитые по центральному шву, что позволяло отправлять естественные потребности. Поверх панталон носили нижние юбки – хлопчатобумажные или из тафты, придающие платью характерное шуршание «фру-фру».
Нижние юбки обязательно должны были быть белыми, потому что их было видно из-под подола.
Корсет всегда занимал особое место в изучении истории костюма, так как именно он формировал соответствующий эпохе силуэт. В начале XX века корсет был особенно беспощаден к естественным формам женского тела. Женщинам приходилось максимально утягиваться, чтобы подчеркнуть модный S-образный силуэт наряда. Талия становилась неправдоподобно тонкой, акцент переносился на линию бедер и груди. Корсеты изготавливались с использованием длинной прямой стальной планшетки спереди и пластин китового уса: живот казался плоским, а бедра – более пышными.

  Мужская мода не отличалась разнообразием и подчинялась строгому регламенту. Вечерний мужской костюм всегда состоял из черного фрака, белого накрахмаленного жилета, белой накрахмаленной сорочки и белой бабочки. Для менее торжественных случаев жилет менялся на черный, но бабочка всегда оставалась белой. Самой распространенной одеждой мужчины была визитка – черный жакет со скошенными полами и брюки в черную полоску. Также носили костюмы-тройки – шерстяные, льняные или из чесучи. Шерстяные костюмы могли быть коричневыми, черными или серыми, а летние белыми, бежевыми или светло-серыми. Все рубашки тщательно крахмалились, а воротник и манжеты пристегивались отдельно. Летним головным убором была шляпа-канотье, зимним – шляпа «пирожок» из каракуля или бобра. Отличительным русским элементом костюма была косоворотка, которую носили свободомыслящие разночинцы. Косоворотки были льняные, ситцевые и шелковые.

На модной сцене того времени все еще правили бал такие выдающиеся дизайнеры одежды, как Чарлз Фредерик Ворт, Жак Дусе и Жанн Пакен. Именно они стояли в предыдущем веке у истоков формирования домов haute couture  и по-прежнему оставались приверженцами чувственной эстетики модерна. Они стремились найти идеал красоты, сочетая роскошь с элегантностью.

Россия тех лет тоже могла похвастаться обилием выдающихся дизайнеров и модных домов. Только в Петербурге в 1900-х действовало более 120-ти модных домов и ателье. Самым знаменитым домом столицы был Дом Бризак, в котором работало 60 портних.  Дома от кутюр в России всегда отличались элитарностью. Так, например, Дом Бризак работал исключительно для нужд императрицы и ее семьи, а так же для фрейлин двора. И лишь по высочайшему повелению императрицы этот модный дом мог обслуживать двух клиенток, не принадлежащих ко двору — любимых публикой артисток Анну Павлову и Анастасию Вяльцеву. Еще одним модным домом того времени был Дом Гиндус. Третьим крупным домом был  Дом Ольги Бульденковой, которая тоже была поставщицей двора, то есть делала придворные платья. Кроме крупных домов моды существовало огромное количество более мелких ателье, которые выполняли как индивидуальные заказы, так и выпускали серийные коллекции. 

  Мастерская Августа Бризака

И все же самой знаменитой создательницей моды была Надежда Петровна Ламанова. Она происходила из дворянского рода Нижегородской губернии, портновскому мастерству обучалась в Париже, и уже 1880 г. открыла свое производство в Москве. Она получила звание  Поставщицы Двора Ее Императорского Величества. В частности, именно она выполняла костюмы для знаменитого Русского бала в 1903 году. Так же она много работала с Художественным театром по приглашению Станиславского. Работать Ламанова предпочитала по технике наколки, когда ткань не выкраивается, а накалывается на манекен булавками. Муляжным метод считается вершиной портновского мастерства, и все костюмы от-кутюр выполняются именно таким способом.

 Платье вечернее изи желтого бархата и шифона. Принадлежало императрице Александре Федоровне

И все же прогресс уже нельзя было остановить. Еще во второй половине XIX века верховая езда, когда-то считавшаяся привилегией аристократии, стала распространенным видом спорта, доступным для обычных граждан. Однако женщинам по-прежнему не позволялось садиться на лошадь по-мужски. Для удобства портные изобрели юбки, присборенные над одним коленом. Но в реальности, в целях безопасности, слабый пол стал все чаще обращаться к брюкам и мужским ботинкам. Тем не менее, хорошим тоном считалось надевать поверх них юбку, чтобы прикрыть ноги. Поэтому классическая амазонка начала XX века представляло собой причудливое смешение мужских (приталенный жакет и брюки-галифе) и женских (длинная присборенная тяжелая юбка) элементов.

Другим средством, передвижения, изменившим женский костюм стал велосипед. Множество карикатур того времени изображают насколько трудно было женщине в длинном тяжелом платье управляться с «железным конем» и как часто это приводило к авариям. Еще в начале 1850-х годов мисс Амелия Дженкс Блумер, активистка движения за эмансипацию женщин, порекомендовала дамам просторные, напоминающие мешок «турецкие брюки». В то время сама идея, что женщина может появиться где-то в брюках, казалась немыслимой, и брюки-блумерсы подверглись резкой критике. Но к началу XX века женщины стали активно заниматься спортом, хотя специализированная одежда для велосипедных прогулок не была придумана. Именно в это время блумерсы стали вновь популярны. Эта мода пришла из Англии, благодаря увлечению спортом Принца Уэльского, будущего короля Эдуарда VII.

 

И третьим транспортным средством, оказавшим огромное влияние на историю в целом, и историю костюма в частности, был автомобиль. Он оставался предметом роскоши, и новая мода была доступна лишь представителям высшего света. Так как машины в те времен отличались открытым верхом, на пассажиров обрушивался и дождь, и ветер, и дорожная пыль. Для защиты от холода женщины надевали длинное пальто, а чтобы предохранить одежду и лицо от грязи, нередко использовали не слишком элегантный капюшон. Это обусловило переход на более компактные головные уборы и шарфы, которыми можно было этот головной убор привязать. Так же стали появляться дорожные костюмы, «тайер-троттер», состоящие из юбки с жакетом и блузки.

 Костюм для поездок на автомобиле. 1910-1915 гг. FIDM Museum.

Других важным социальным явлением того времени стало увлечение здоровым образом жизни. В 1890-х годах немецкий ученый Рентген изобрел хорошо знакомый нам аппарат, который позволял просвечивать человеческое тело. И одним из первых снимков был снимок женщины в корсете, который позволили врачам увидеть, насколько сильно сжимает и деформирует внутренние органы жесткий корсет. Под влиянием этих исследований стали появляться предложения о реформе женского костюма, и создании платьев, которые бы не стягивали тело в талии. Заключением врачей немедленно воспользовались феминистки – платье реформ, неприталенное и без корсета, стало символом эмансипации наравне с брюками.

Однако большинство попыток феминисток публично появляться в таких костюмах часто заканчивалось в полицейском участке, куда «эмансипантки» помещались «за оскорбление общественной нравственности» (а иногда их силой заставляли надеть корсет). В начале XX в. нередки были и демонстрации мужчин, протестовавших против женских брюк. Реальной альтернативой вычурным модным туалетам были готовые юбки, жакеты и блузки, которые носили работающие женщины.

Примерно с середины XIX  века некоторые прогрессивно настроенные врачи стали рекомендовать своим пациентам оздоровительные купания в соленой воде. Морские курорты стали модным местом отдыха привилегированных слоев общества. Лишь аристократия и буржуазия располагали необходимыми средствами и временем, позволяющим наслаждаться летним отдыхом на море. Но к концу XIX века, когда распространившийся железнодорожный транспорт стал доступен многим, отдых на курортах стал более массовым. Отныне и дамам разрешалось принимать морские ванны. Однако женщинам предписывалось надевать совершенно непрактичные костюмы, декорированные огромным количеством оборок, которые должны были скрыть их фигуру.

 

И вот, на волне нарастающих противоречий, появился модельер, ставший великим реформатором, и, как считают историки, создателем моды XX века. Поль Пуаре первым разработал платье, не требующее использование корсета. Его просторное «пальто Конфуция», прямого покроя, было представлено публике в 1903 году на открытии салона.

Затем, в 1906 году, Пуаре разработал новый «эллинистический стиль» одежды, свободный от корсета: художник вернулся когда-то  модной завышенной талии. Со времен Возрождения женский европейский наряд не мыслился без утягивающего корсета, ведь именно он формировал определенный силует. Несколько раз портные пытались отказаться от столь неудобного элемента одежды, но каждый раз корсет возвращался. Пуаре исключил корсет из женского туалета, сместив акцент наряда с талии на плечи. Как сам кутюрье отметил в автобиографии, он отнюдь не стремился освободить женщин от многовековой тирании корсета, но страстно надеялся разработать новые каноны прекрасного. Тем не менее именно его разработки смогли свершить то, что не сумели в конце XIX века ни активистки феминистического движения, ни прогрессивные врачи: женщины избавились от корсетов. Отныне искусственный силуэт платья, рождавшийся благодаря корсету, уступил место естественной форме наряда, оттеняющей линии и изгибы женского тела.

 

Авторские работы Пуаре выделялись роскошными экзотическими украшениями и смелой, насыщенной цветовой палитрой. В 1907 году он поразил публику, предложив платья очень ярких цветов, с завышенной талией – «платья Директории».

 В 1909 году в Париже начинаются гастроли балетной труппы С.Дягилева «Русские сезоны», которые привели к революции в массовой моде. В 1910 году весь Париж был взбудоражен премьерой балета «Шехерезада» — со сцены на зрителей обрушился взрыв ярких красок декораций и костюмов, созданных по эскизам Л. Бакста. Публика была покорена ароматами востока, костюмами из прозрачных тканей, расшитых драгоценными нитями, тюрбанами с разноцветными перьями. Находясь под впечатлением, Пуаре создал свою восточную коллекцию и представил ее в 1911 году на костюмированном балу «Тысяча вторая ночь». Он создал широкие брюки в гаремном стиле, а так же юбку зауженным низом, метко прозванную критиками «хромой». Отдавая дань восточной культуре, дизайнер ввел в моду тюрбаны. Его костюмы навевали мечты о дальних странах. Завораживающие и загадочные, они манили, вдохновляя многих художников.

 

Пуаре стал первым настоящим диктатором моды, навязывающим свои представления о красоте женщины. Для него гораздо важнее было создать конкретный образ, чем просто сшить платье для конкретной клиентки. Именно он придумал устраивать театрализированные показы мод, первым стал ездить в заграничные турне, для привлечения клиентов. Он открыл для парижской моды огромный американский рынок.

Он черпал вдохновение в чувственной красоте востока. Он восторгался редкими узорами и яркой окраской тканей, его привлекали такие необычные для Запада наряды, как просторное  японское кимоно. Именно плоский покрой кимоно помог сформировать совсем новый подход к одежде. Влияние японской национальной одежды особенно сказалось на линии воротника, а так же в прямом покрое рукавов. Округлый переход от разреза спереди к шлейфу-трену сзади напоминает о красоте длинных японских кимоно.

Поиск новых стилевых направлений шел не только с столице мировой моды – Париже, но и в других городах и странах Европы. Уроженец Испании Мариано Фортуни, вдохновленный формами и образами Древней Греции, создал классическое плиссированное платье и назвал его «дельфос». Это одеяние считалось новаторским, поскольку его дизайн сочетал функциональность с декоративностью. Мелкие складки мягко облегали тело, и особый эффект достигался благодаря движению, поскольку любое изменение положения теля изменяло сияние и оттенок ткани. Покрой «дельфос» исключал корсет, это платье было задумано для того, чтобы подчеркнуть естественную красоту человеческого тела. Оно оказалось новым, излишне смелым, а потому в первое время его носили в качестве домашнего наряда.

 

Новаторы начала XX века, возможно, немного опередили свое время, но они понимали главное – гигантские изменения только начинаются.

История моды ХХ века: 1900-1910-е гг.

Сегодняшним постом я открываю цикл статей о моде насыщенного событиями непростого XX века: века, унесшем миллионы жизней в двух мировых войнах; века начала атомной эры; века, реализовавшим давнюю мечту о полете человека в космос; века, совершившим прорыв в развитии информационных и коммуникационных технологий, и, безусловно, века, в течение которого представления о женской красоте неоднократно и кардинально менялись.

Надеюсь, вам будет так же интересно читать этот обзор, как мне было интересно его писать.

К началу 20 века электричество, кино и автомобиль уже стали практической реальностью, а в 1903 г. успешные полеты братьев Райт продемонстрировали возможность воздушных сообщений. В продолжающейся борьбе за изменение социальных отношений женщины были готовы пойти в тюрьму за свои требования избирательного права; лидеры и сторонники рабочих движений участвовали в мятежах и забастовках.

Но для немногочисленных привилегированных слоев общества это было время мотовства и показной роскоши, расточительных приемов на загородных виллах, балов, обедов, встреч на бегах и вечеринок на яхтах.

Получив большую свободу и право зарабатывать собственные деньги, женщины все чаще совершали городские прогулки, занимались различными видами спорта и ходили по магазинам. Несмотря на то, что большинство магазинов были открыты еще в викторианскую эпоху, лишь после обретения большей социальный независимости женщинами шопинг стал способом проведения досуга.

Париж все еще олицетворял собой в глазах женщин моду Европы, в этом городе они покупали одежду (если могли себе это позволить) или читали о последних модных тенденциях в таких журналах как «Harper’s Bazaar» или «Vogue».

Хотя создание женской моды было сосредоточено в руках парижских кутюрье, влияние на нее оказывали и другие страны, в том числе США, где большее значение придавалось богатству, а не элегантности, и молодое поколение готово было подхватить и реализовать любую сумасшедшую идею.

Женская мода была в то время благосклонна к зрелым женщинам с затянутой в корсет талией, полной грудью, обширными бедрами.

Популярная в начале века бельгийско-американская актриса Камилл Клиффорд

Своеобразным эталоном красоты рубежа 19-20 веков стала не реальная женщина, а плод воображения и художественного мастерства американского иллюстратора и художника Чарльза Дана Гибсона. Этот персонаж получил впоследствии имя «девушки Гибсона».

Чарльз Дана Гибсон

«Девушка Гибсона» обладала изысканной красотой в духе предпочтений того времени. Моделями для ее написания часто становились реальные женщины, в том числе довольно известные.

«Девушки Гибсона» были настолько популярны, что их помещали на блюдца, пепельницы, скатерти, наволочки, накидушки, сувенирные ложки, ширмы, веера, стойки для зонтиков и продавали в розничных магазинах. Феномен сохранял актуальность вплоть до начала Первой мировой войны, когда практичность пришла на смену изяществу и «девушки Гибсона» попросту вышли из моды.

С 1910 года на умы начинает влиять развивающаяся киноиндустрия. Немые фильмы привлекали до 5 млн зрителей в день в Америке и Европе, и вскоре звезды кино начали обретать армию поклонников. Воображение мужчин также будоражили известные актрисы театра, танцовщицы, балерины, натурщицы, куртизанки и др.

Костюм и аксессуары

В первое десятилетие 20 века не было заметно особых изменений в женской одежде по сравнению с концом предыдущего. Костюм был одним из основных знаков социального статуса. В моде социальная дифференциация проявлялась особенно отчетливо. Высшие слои общества одевались у французских кутюрье, средние слои шили одежду на заказ, а низшие носили готовую одежду. Роскошные туалеты «от кутюр» как нельзя лучше соответствовали образу жизни высшего общества, которое проводило время в праздных занятиях — балы, приёмы, охота, скачки и т.д. Модные портные предлагали чрезвычайно обширный гардероб — для каждого случая предполагался особый наряд. Модная женщина должна была переодеваться несколько раз на дню: в домашнее платье, костюм для прогулок, обеденное, чайное, бальное платья, платья для приемов и др.

Работы итальянского портретиста Джованни Больдини

Стиль начала века создавался Домами высокой моды («Ворт», «Пакен», «Дусе», «Калло» и др.), предлагавшими изысканный S-образный силуэт на основе корсета и сложного покроя, чрезвычайно сложные в исполнении отделки и утонченные аксессуары.

Одним из самых известных и престижных Домов мод первой трети 20 века был Дом моды «Paquin» («Пакен»), созданный французской художницей-модельером Жанной Пакен совместно со своим мужем Исидором Пакеном.

В 1900 году мадам Пакен возглавляла отдел моды Всемирной выставки в Париже, отбирая модели для «Павильона элегантности», в котором были представлены образцы творчества парижских кутюрье. Она придумала вывозить своих манекенщиц в новых туалетах в места скопления модной парижской публики: весной — на открытие Вернисажа, осенью — на скачки в Лондоне в день розыгрыша Гран-при, на оперные премьеры. В 1914 году мадам Пакен организовала первый показ моделей под музыку.

Мадам Пакен

В начале 20 века активизировалось движение эмансипации. Символом подчиненности положения женщин в обществе был модный костюм: неудобный, со многими метрами ткани в длинных юбках, с корсетом и турнюром. Он был полной противоположностью удобному и рациональному мужскому костюму, который в полной мере соответствовал активному образу жизни.

Первые предложения по реформированию женского костюма выдвинули американские феминистки А.Блумер и М.Джонс: они попытались соединить женское платье с длинными панталонами, а первой носить мужской костюм еще в 19 веке стала французская писательница Жорж Санд.

Другое направление реформы шло в русле протеста против корсетов. Корсеты начала 20 века были особенно вычурны, они должны были придавать фигуре модный изгиб, что приводило в ужас врачей того времени.

Более удобными считались конструкции с нагрузкой на плечевой пояс. Они послужили основой платьев-«реформ» — неприталенных, расширенных книзу платьев, которые стали таким же символом эмансипации как и брюки. 

Модели платьев-«реформ»

Однако попытки феминисток публично носить такие костюмы часто заканчивались в полицейском участке, куда их препровожали «за оскорбление общественной нравственности».

Вместо корсета предлагали первые бюстгальтеры или упрощенные варианты корсета с применением резины. В 1903 году врач Гош Саро разделила корсет на две части: бюстгальтер и пояс для чулок, которые пропагандировались как более здоровый вид нижнего белья. Как ночная одежда все большее распространение получает пижама, появившаяся еще в 1880 г. для путешествий в спальных вагонах по железной дороге.

В прошлом посте я уже упоминала о появлении специальных костюмов для разных видов активного отдыха. В 1913 году К.Шанель открыла свой первый салон, который предлагал клиенткам удобную спортивную одежду из трикотажа.

Особую группу составляла одежда для езды в автомобиле. Так как первые автомобили не имели отопления и были открытыми, то костюм должен был защищать от холода и пыли. Первые автомобилистки использовали шляпы с вуалями и широкими шарфами и пыльники (легкие пальто)

В 1908 году с постановки «Борис Годунов» в Париже начались гастроли труппы С. П. Дягилева — знаменитые «Русские сезоны», вызвавшие фурор среди парижской публики. Первый балетный сезон стал настоящей сенсацией — пресса писала об открытии «неведомого мира».

Афиша к «Русским сезонам» в Париже

О декорациях и костюмах Л.Бакста, А.Головина, А.Бенуа, Н.Рериха говорили не меньше, чем о самой хореографии. Эффект от «экзотических» балетов дягилевской труппы привел к возникновению новых стилей в массовой моде: увлечение Востоком и славянской культурой.

На публику произвели впечатление свободное обращение русских художников с разнообразными эпохами и культурами как творческими источниками, раскованность цветовых решений и безупречная фантазия в изображении деталей.

Особое влияние на моду 1910-х оказали театральные костюмы Леона Бакста, которые стали образцами для иллюстраторов мод.

Леон Бакст

В 1910 г. весь Париж был взбудоражен премьерой балета «Шехерезада», в котором балерины танцевали в костюмах без корсетов и с полуобнаженной грудью.

Ида Рубинштейн в образе Зобеиды. 1910 год

В 1910 г. под влиянием «Шехерезады» в моду вошли прозрачные ткани, большие декольте и открытые руки, что получило название «нагая мода». Арабские шаровары, тюрбаны, греческие хитоны, рукава кимоно, сандалии, яркий насыщенный цвет открыли для Европы очарование античности и Востока.

В моду входят богатая вышивка и прозрачно-дымчатые муслины. Женщины становятся похожи на одалисок из гарема. Начинается активный процесс «освобождения» женского тела от тисков корсета. Немалую роль в этом сыграла и знаменитая Айседора Дункан, которая еще в 1903 г. танцевала в прозрачной рубашке античного покроя, «украшенной» одной только шалью.

Айседора Дункан

Идеи Л.Бакста оказали огромное влияние на парижскую моду, особенно на творчество известного модельера и одного из самых влиятельных людей мира моды того времени Поля Пуаре. Пуаре было суждено сыграть роль великого реформатора моды и, как считают историки, создателя моды 20 века.

Поль Пуаре

Он был первым «диктатором», навязывающим обществу свои представления о женской красоте. До Пуаре кутюрье были по сути первоклассными портными, создававшими одежду по заказу клиента. Для Поля Пуаре более важным было создание полноценного образа идеальной женщины.

Модели в платьях из коллекции Поля Пуаре

В 1907 году Пуаре поразил публику, предложив на смену преимущественно блеклой цветовой гамме платья ярких цветов с завышенной линией талии. Это были первые модели в стиле «неогрек», одного из популярных стилей 1910-х гг.

Свои впечатления от балета «Шехерезада» Пуаре воплотил в «восточном стиле», который мгновенно стал популярным. И позднее кутюрье не раз заимствовал идеи Бакста, посещая все премьеры Русских сезонов.

Пуаре ввел в моду яркие цвета театральных костюмов Бакста: ярко-синий в сочетании с желтым, оранжевый — с изумрудно-зеленым, розовый — с желтым, которые так отличались от изысканных бледных тонов эпохи модерна. Вместо орнамента из прихотливо изогнутых линий Пуаре ввел в моду контрастный декор упрощенных геометрических форм. Многие модели Пуаре напоминают восточные халаты с широкими рукавами. Благодаря ему вошли в моду покрой рукава кимоно, ассиметричные драпированные верхние юбки и пальто овального силуэта.

К некоторым идеям знаменитого кутюрье публика однако была не готова. Когда в 1909 году Пуаре привез на скачки трех своих манекенщиц, одетых в узкие платья с разрезами до колен, в которым были видны ноги в цветных чулках (вместо чёрных, которые доминировали в начале 20 века), разразился скандал. Полиция заставила увезти манекенщиц обратно.

Поль Пуаре с манекенщицами

Поль Пуаре отказался от жесткого корсета, иногда заменяя его «щадящим» корсетом из мягкой резины. Сделал он это, правда, из эстетических личных предпочтений, а не из соображений комфорта и здоровья женщин. Были в его коллекциях и совершенно прямые платья вообще без акцентированной талии.

При этом Пуаре был одним из популяризаторов крайне неудобной «узкой» моды, расцвет которой пришелся на 1914 г. Для нее были характерны прямые и тесные юбки, прозванные «хромающими», в которых модницы могли передвигаться лишь мелкими шажками. Сами юбки значительно укоротились и открыли ступню и щиколотку. Как следствие, в моду входят эффектные ботинки на шнуровке.

«Хромающая» юбка

Поль Пуаре был самым влиятельным модельером первой половины 1910-х гг. и его коллеги были вынуждены следовать созданным им стилям.

Увлечение античностью в 1910-х гг. способствовало популярности платьев испанского художника Мариано Фортуни.

Мариано Фортуни

Подход Фортуни к созданию женского костюма существенно отличался от концепции моды Пуаре. Второй стремился поражать новыми стилями и образами, для Фортуни же образцами служили произведения высокого искусства.

В 1900-е гг. он увлекся античным искусством, интерес к которому тогда вспыхнул с новой силой благодаря раскопкам А.Эванса на Крите. В 1906 г. Фортуни создал первые модели плиссированных платьев-туник из шелка, напоминавших ионические хитоны и пеплосы.

10 июня 1909 г. Фортуни запатентовал технологию получения плиссировки шелковых тканей с помощью пара, а 4 ноября 1909 г. — платье из плиссированного шёлка «дельфос». Эти платья украшали набивным орнаментом, дополняли накидками и туниками.

Эти гениальные в своей простоте платья, повторяющие подобно переливающейся чешуе естественные линии тела, и до сих пор выглядят современно и воспринимаются как настоящие произведения искусства. 

Клиентками Фортуни стали многие дамы высшего света и знаменитые актрисы. Айседора Дункан не только носила платье — «дельфос», но и танцевала в нем на сцене. Эти платья стали знаком высокого статуса и интеллектуального подхода к моде.

Принципиальные перемены в массовой моде произошли в результате Первой мировой войны (1914-1918 гг.). Именно во время Первой мировой в основных чертах сложилась одежда, которую будут носить в 20 веке: укоротились юбки, упростился крой, появились функциональные застежки, заимствованные из форменной одежды.

Однако, хотя война оказала значительное воздействие на поведение и внешний вид мужчин и женщин, перемены в моде начались еще до 1914 года, и война лишь ускорила и развила их. 

Война пошатнула чопорные викторианские представления о приличии; многие мужчины не вернулись с фронта, и женщинам пришлось взять на себя новые обязанности и в тылу заменить мужчин. Они пошли работать сестрами милосердия в госпитали, на фабрики и военные заводы, служить кондукторами и почтальонами. Дамы из высшего света активно занялись благотворительностью.

Активная жизнь, часто полная лишений, требовала более удобной одежды. Многие даже переделывали военную форму — издавались специальные брошюры с советами, как сшить из шинели модное платье или пальто.

Самой распространенной женской одеждой времен Первой мировой войны были костюм и «универсальное платье» из практичной ткани (черного, серого, коричневого или синего цвета) с белым отложным воротником. Его носили целый день, не переодеваясь несколько раз, как это было принято до войны. В связи с тем, что многие женщины были лишены возможности получить помощь со стороны при переодевании, застежки на одежде стали делать только спереди.

В моду входит «обвислость». Женщины как бы «вешали» на себя платья в виде широких просторных рубах. Женская фигура полностью терялась среди мягких тканей, создающих расплывчатые формы. Очень популярны во время войны и костюмы с жакетами и широкими юбками.

В моду вошел трикотаж ручной работы: жакеты, шарфы, кардиганы, джемперы и т.д. Распространение получили и многие мужские элементы костюма: гетры, фетровые шляпы, кашне. Большинство женщин шьют себе одежду сами.

Упрощению подверглось и нижнее белье. В 1913 г. Мэри Фэлпс Джекобс выпустила в США простейшую конструкцию мягкого бюстгальтера без спинки, который могла сшить самостоятельно любая женщина.

Все больше женщин отказываются от ношения корсета, который окончательно выйдет из моды в послевоенные годы. Металл, используемый в корсетном производстве, реквизируется для военных нужд. По словам члена американской Комиссии военной промышленности, «Отказ американских женщин от жестких корсетов во время войны высвободил 28 тысяч тонн стали — достаточно для постройки двух линкоров». Продажи жестких корсетов также начали падать в 1917 году, хотя до того держались на довольно ровном уровне — около 70 миллионов долларов.

Высокая мода переживает кризис и вынуждена подстраиваться к условиям военного времени. Многие дома закрылись, но часть эвакуировалась в Соединенные Штаты. Также в Америку переехали издательства модных журналов. Поль Пуаре работает на военную индустрию, а дома Ворт и Пакен создают повседневные костюмы с элементами военного стиля.На время войны приходятся первые успехи Коко Шанель как создательницы модной одежды.

Во время Первой мировой войны в Европе и в США начал складываться так называемый «русский стиль», о котором подробно пойдет речь в следующем обзоре. В модном женском костюме появляются первые головные уборы в виде кокошника и мотивы народной вышивки.

Прически и головные уборы

Приблизительно до 1910 г. женские прически были широкими, с узлом или пучком волос на голове: как и прежде, часто использовались накладные волосы или подбивка.

После этого года прически стали более простыми, пучок или узел опустился ниже, а волосы на висках взбивались над ушами.

Коротко стриженные волосы, обрезанные приблизительно до уровня уха, лежащие волнами или завитками, вошли в моду в конце Первой мировой войны.

В начале 20 века модистки демонстрировали удивительное разнообразие, мастерство и опыт в создании головных уборов — от шляп без полей до шляп с большими прямыми полями из соломки, бархата с конским волосом, кружев, тюля или шифона, отделанных газовыми вуалями, лентами, розами, перьями страуса.

Приблизительно до 1905 г. шляпы с полями среднего размера носили сдвинутыми вперёд, тогда как токи (шляпы без полей) носили сдвинутыми на затылок. К концу десятилетия те, кто слепо следовал моде, носили огромные шляпы, иногда находящиеся в забавной диспропорции с телом.

Шляпы, надетые прямо, набекрень или сдвинутые назад требовали для поддержания объемной прически и длинных шляпных булавок для фиксации в определенном положении.

Задрапированные тюрбаны Пуаре привели к маленьким «головкам», и приблизительно с 1913 года размер головных уборов уменьшается.

Косметика

В начале 20 века в моде по-прежнему оставалась аристократическая бледность. Представительницы знатных сословий старались тщательно ухаживать за кожей и избегать прямых солнечных лучей.

Загар считался признаком низших слоев общества и ассоциировался с работой на земле.

В уходе по-прежнему востребованы кремы для лица, в качестве тоника популярностью пользуется лимонный сок.

Тяготение к естественному макияжу, характерное для 19 века, не теряет своей актуальности и в начале 20-го. Считалось, что макияж приличной женщины должен быть незаметен на лице. Для лица в основном ограничивались пудрой и румянами. Глаза подчеркивали пастой преимущественно серого, коричневого и лимонного оттенков, которую наносили очень тонким едва заметным слоем на веки.

Губная помада до Первой мировой войны выпускалась в маленьких тюбиках или в форме палочек, замотанных в бумагу. Единственный ее оттенок — карминный, получали из кошенили, особого вида насекомых. Вскоре торговые марки Max Factor, Helena Rubinstein, Elizabeth Arden и Coty запустили свои варианты помад, внеся существенное разнообразие в их цветовую гамму путем добавления различных держащихся в строжайшей тайне ингредиентов. Однако все же до 1920-х гг. губная помада не была широко востребована.

Чрезмерно яркий «раскрас» считался дурным тоном и уделом актрис или женщин легкого поведения.

Легко понять, насколько отличались представления о нравственности и приличии того времени и современности, можно из истории одного из самых громких косметических скандалов того времени. Он был связан с рекламой нового мыла для лица «Woodbury Soap», вызвавшей огромный резонанс в обществе в 1911 году. Она вышла с запоминающимся слоганом «The Skin You Love to Touch» («Кожа, к которой ты любишь прикасаться») и представляла собой изображение молодого мужчины, нежно обнимающего девушку и склонившегося к её ушку. И всё бы ничего, но плечи девушки были неприкрыты, а подобная откровенность считалась в то время слишком вызывающей. Однако это не помешало продажам мыла «Woodbury Soap» за следующие 8 лет взлететь на 1000%.

Скандальная» реклама «Woodbury Soap»

С появлением голливудских фильмов отношение к макияжу существенно меняется. Женщины пытаются подражать кинодивам, в том числе и в макияже. В частности именно благодаря Голливуду получил признание основатель бренда Max Factor польский еврей Максимилиан Абрамович Факторович.

Макс Фактор

В 1917 году он выступает визажистом киноактрисы Теды Бары на съемках фильма «Клеопатра». Яркий макияж героини с густо подведенными черным кайалом глазами был чем-то новым и очень притягательным для публики.

Актриса Теда Бара в роли Клеопатры

Однако путь к славе Факторовича начался задолго до этого. В 1895 году он открывает свою первую косметическую лавку в Рязани и получает широкую известность благодаря тому, что не просто продаёт косметические продукты, но и даёт клиентам подробные консультации по технике макияжа: как подчеркнуть достоинства и скрыть недостатки. Однако вскоре жизненные обстоятельства вынуждают талантливого визажиста покинуть Российскую империю и переехать в Лос-Анжелес, где он получает новое имя — Макс Фактор и открывает свой собственный магазин театрального грима. Предложив искушенной голливудской публике инновационный продукт — жидкий тон вместо тяжелого, сковывавшего мимику грима, он получает доступ на «фабрику грёз»

В 1914 году Max Factor презентует свои первые эксклюзивные тени из экстрактов хны, а с 1916 года начинает продавать свою косметику не только в актерских кругах, но и широкой аудитории, тем самым, безусловно, способствовав еще большей популяризации бренда.

Конкуренты тоже не отстают, и примерно в это же время другой косметический бренд Maybelline выпускает первую брусковую тушь для ресниц.

Предыстория появления этого косметического продукта относит нас к молодому фармацевту Томасу Уильямсу, однажды ставшего свидетелем того, как его сестра Мейбл смешивала угольную пыль с вазелином и наносила на ресницы для придания выразительности взгляду. Предприимчивый Томас попробовал перенести эксперимент в лабораторные условия, итогом чего стал продукт «Lash-Brow-Ine». Позже Уильямсом было придумано более удачное название Maybelline, ставшего ничем иным как комбинацией слова «вазелин» и имени находчивой сестры.

В 1917 году Томас придумал уложить тушь в компактную упаковку и снабдить её маленькой щеточкой для равномерного нанесения. Такое средство стоило всего 10 центов, а потому его могла себе позволить любая женщина (на чем и акцентировалось внимание в рекламе).

Еще одним брендом, история которого началась в первые десятилетия 20 века, является всем ныне известная компания L’Oréal. После того как супруга молодого химика Эжена Шуэллера неудачно сходила в парикмахерскую, получив вместо белокурой копны пучок соломы, ученому пришлось взять все в свои руки. Он изготавливает синтетическую краску L`Aureale, которая приходится по вкусу не только жене Шуэллера, но многим другим представительницам прекрасного пола.

В итоге компания «Безопасные краски для волос», зарегистрированная в 1907 году и располагающаяся прямо в квартире молодой четы, к 1920-м годам превращается в небольшой завод со штатом 100 человек и новым именем «L`Oreal» (гибрид из французских слов l’or (золото) и aureole (ореол)).

Позже, в 1934 году компания запустила первый в истории жидкий шампунь (раньше для мытья головы использовали мыльную стружку или обычное мыло).

Начало 20 века было ознаменовано активным развитием индустрии салонов красоты. Настоящим первопроходцем в этой области стала полячка Елена Рубинштейн. В 1902 году в Мельбурне она открывает свой первый салон красоты. Елена очень много времени лично уделяет консультациям своих клиенток, а параллельно изучает в ведущих европейских университетах дерматологию, диетологию и другие премудрости для сохранения красоты и молодости. В своей работе она руководствовалась принципом «знать и понимать в коже все, чтобы исправить ее недостатки» и одной из первых стала использовать классификацию типов кожи,, адаптируя к ним свои товары.

Елена Рубинштейн

Такой подход полностью оправдывает себя, и уже к 1915 году салоны HELENA RUBINSTEIN открываются в Лондоне, Нью-Йорке и Париже. Для своих салонов Елена всегда выбирает самые престижные районы, и это было вполне обоснованно. По сути в то время заведения Елены Рубинштейн были практически единственными, где специалистов специально предварительно обучали и клиентам предлагали научно-обоснованные процедуры по уходу за лицом и телом. День, проведенный в Helena Rubinstein обходился в 100-150 $. По тем временам это были большие деньги, и позволить их потратить таким образом могли только женщины из высших слоев общества.

Бренд Elizabeth Arden — еще одно знаковое имя в индустрии красоты того времени. Флоренс Найтингейл Грэхем, владелица марки, в 1912 году уезжает в Париж изучать косметологию и техники массажа лица. Вернувшись с богатым опытом (а также с собственными разработками румян и пудры), она к 1915 году уже открывает свои салоны на международном уровне, где клиенткам предоставляется возможность получить комплексные программы по уходу за лицом. И также, как и салоны Helena Rubinstein, заведения Elizabeth Arden могли регулярно посещать только состоятельные дамы из-за высокой стоимости предлагаемых услуг.

Таким образом, в начале 20 века косметологические процедуры недоступны широкой аудитории и остаются прерогативой элиты.

Список использованной литературы :
Patricia A. Johnston / Real Fantasies: Edward Steichen’s Advertising Photography
История домов моды / Ермилова Д.Ю.
История костюма 1200-2000 / Джоан Нанн
Корсет / Валери Стил
Мода: всемирная история / Марни Фогг
Мода и модельеры / М.Шинкарук, Т.Евсеева, О.Леспяк
www.glamourdaze.com

Всех благодарю за внимание!

Женская мода начала ХХ века. 1908-1914. Закат «Прекрасной эпохи».

Женская мода заката «Прекрасной эпохи» (1908-1914) отличалась от предшествующего периода новым силуэтом с завышенной талией и прямой юбкой. Жанна Пакен в 1905 году создала коллекцию, в которой были представлены платья с завышенной талией, в 1906 году — появляется её коллекция в японском стиле. В 1907 году Поль Пуаре выпустил коллекцию, названную «Платья 1811» или «Платья Директории»… Платья «неогрек» прочно вошли в моду.


В предвоенные годы одежда расцвела новыми красками, чему сильно способствовала выставка фовистов в 1905 году и «Русские сезоны» С. Дягилева в Париже. Выступления, восторженно принятые французской публикой, впечатляли не только балетом, но и удивительными декорациями и костюмами танцовщиков, над которыми работали художники Леон Бакст, Александр Бенуа и Николай Рерих. Поль Пуаре как главный модельер десятилетия первым откликнулся на новое увлечение публики.

Ориентализм с его живыми красками и богатым декором становится новым модным течением начала 1910-х годов.
Вдохновленный восточной тематикой, Поль Пуаре создавал платья-халаты и расшитые туники, которые женщины носили с созданными им же длинными широкими брюками-шароварами. При работе Пуаре использовал эскизы Леона Бакста. Так в моду вошли отороченные мехом платья, пальто, меховые шапки и муфты.

К первому десятилетию XX века относится еще одно «изобретение» Поля Пуаре – знаменитая «хромающая» юбка. Созданная в 1910 году, она получила свое прозвище из-за очень узкого силуэта, заставлявшего женщин передвигаться мелкими шажками. Стянутая манжетой, юбка была неудобна. В моду такая непрактичная модель вошла благодаря актрисе Цецилии Сорель. «Хромающую» юбку Поль Пуаре придумал именно по ее просьбе, а светские дамы, пристально следившие за столичными знаменитостями, не захотели упускать новинку.

В 1913 году в Европе начались выступления эмансипанток, которые протестовали против сковывающей движения одежды, настаивая на появлении простых по крою и удобных моделей. В это же время наблюдалось пока незначительное, но ощутимое влияние спорта на повседневную моду. Начали исчезать обильные нашивки и украшения, сложные аппликации и детали, украшавшие одежду. Женщины позволили себе обнажить руки и ноги. В целом, крой одежды стал гораздо более свободным, в моду вошли рубахи и рубашки-платья.
Все эти тенденции были характерны для повседневной одежды, в то время как нарядные модели все еще были выдержаны в стиле 1910-х годов. В свете по-прежнему были популярны платья с завышенной талией с элементами восточного стиля, модели с узким лифом и широкой юбкой с оборками. В моду вошла юбка-панье, название которой переводится с французского, как «корзина». Модель отличалась бочкообразным силуэтом – бедра были широкими, но спереди и сзади юбка была плоской. Словом, наряды для выхода отличались большей элегантностью и консерватизмом, а некоторые модельеры стремились сохранить тенденции, наблюдавшиеся в моде 1900-х годов.

Мода на танго, пришедшая из Южной Америки, привела к созданию юбок «танго» с разрезом спереди и туфель «танго» со шнуровкой. В 1910-е годы на моду начинает влиять кино-индустрия, появляются звёзды немого кино и их многочисленные поклонники и подражатели.

—————————————-————————
Нижнее бельё.
В начале ХХ столетия был популярен «s» -образный силуэт женской фигуры, который достигался при помощи специального корсета. Платья в стиле «неогрек» с завышенной талией и прямой юбкой, вошедшие в моду после 1907 года требовали другой фигуры, прямой и стройной. Для достижения нового идеала был создан новый корсет, эластичный, но очень длинный, а иногда — даже тесный в бёдрах, такой, что сидеть в нём было затруднительно. В 1911 году появляются первые пояса из эластичной ткани.

—————————————-——————————
Платья повседневные и вечерние.
После 1907 года большую популярность завоёвывают цельнокроенные платья. Вырезы на вечерних нардах были глубокими; квадратные, круглые или v-образные, иногда они смягчались воротниками «берта» или фишю. К 1910 году юбки стали прямыми и узкими, стала появляться линия туники.

—————————————-———————————
Костюмы и верхняя одежда.
Английские костюмы, состоящие из пиджака или жакета и юбки стали важным элементом в гардеробе каждой женщины. С появлением прямых юбок пиджаки стали длиннее, они могли быть однобортными или двубортными, часто в моделях присутствовала асимметрия, как и в верхней одежде.

—————————————-————————————
Свадебная мода.

—————————————-—————————————
Траур.

—————————————-————————————-
Одежда для спорта и активного отдыха.

—————————————-———————————-
Головные уборы.

—————————————-—————————————-—
Обувь.

Аксессуары.

Гребни для волос.

Сумочки.

Зонтики.

Дж. Нанн. История костюма 1200-2000.
http://news.mail.ru/culture/8505239/
http://www.wmj.ru/moda/istoriya-mody/istoriya-mody-xx-veka-1910-e-gody
http://weekend.ria.ru/lifestyle/20120407/606584454.html

История моды 1900-х годов. | Романыч

Вряд ли какая-либо другая область подвержена таким большим и быстрым изменениям, как мода. То, что находится в магазине сегодня, отправится завтра или самое позднее послезавтра в самый дальний угол шкафа, по крайней мере, до следующей маленькой волны ретро. Среди прочего, эти быстрые и чрезвычайно захватывающие события имеют историческое происхождение, о чем свидетельствует довольно неустойчивый 19-й век. История моды 1900-х, то есть примерно с 1900 по 1909 год, расставила новые акценты с элегантностью и экстравагантностью, следы которых простираются до наших дней.

Прибытие в стиле модерн.

После того, как в конце 19 века в стиле модерн начался его искусный триумф, особенно в области мебели и дизайна интерьера, в 1900-х годах он также сделал модные акценты. Мода должна привлекать внимание и подчеркивать сказочное. Соответственно была разработана цветовая схема и рисунок. Значительно более яркие ткани, крупные точки и привлекательные узоры встречали сравнительно простые советы. Широкие украшения, особенно из золота и серебра, выровняли все аксессуары. Они выразили экстравагантность этого десятилетия — в основном проваленные и разные.

Женская мода в 1900-х годах.

Легкая уличная одежда должна была выделяться — зеленый, фиолетовый и синий во всех оттенках были новыми красками, сопровождаемыми мощным атласным поясом вокруг талии. Говоря о талии: на рубеже веков развернулась оживленная дискуссия вокруг талии песочных часов. Реформа одежды должна устранить узкие корсеты, которые делают нижнее белье легче и равномерно распределяют вес от плеч до бедер.

Хотя эта дискуссия бурно развивалась в течение нескольких лет, в частности, мир аксессуаров претерпел значительные изменения. Начиная с двух перчаток разного цвета — предположительно из-за неудачи русской принцессы — аксессуары стали намного необычнее с головы до пят. Нежные желтые итальянские соломенные шляпы часто исчезали под экстравагантными двухэтажными зонтиками. Трость для вас должна была быть такой же красивой. Драгоценно украшенные ручки с золотом, серебром, бриллиантами, изумрудами и кристаллами были идеальными для фрау фон Вельт. На лодыжке драгоценные золотые полосы сделаны для приманки для глаз.

Модные потрясения у мужчин.

Мужская мода, однако, увидела сравнительно мало изменений. Экстравагантность столкнулась, прежде всего, с элегантностью, стилевое сознание рассматривалось как А и О. Новые цвета шляп, предоставляемые среди прочего для бастгельбе, а также войлочные белые цилиндры — немного разнообразны, особенно для холостяков. Тем не менее, самая важная часть каждого снаряжения 1900-х годов — это жилет. Сине-зеленая земля и кружево положили начало богато украшенным жакетам. Особенно в закусочных или в театре, жилет был зашит драгоценными камнями. Те, кто не мог позволить себе настоящие камни, полагались на подражания.

Экстравагантность 1900-х годов по-прежнему является важным компонентом меняющихся модных тенденций.

Русская мода ХХ века: 1900-1910 годы

Со времен Петра I русская мода развивалась в европейских стилевых направлениях. В 1900-х гг. Российская женская мода ориентирована на два модных европейских города — Вену и Париж, а мужская — на Лондон. Представители высших классов, как основные потребители моды, стремились полностью соответствовать европейскому стилю и модным идеям, накопленным в этих столицах моды.

Женская мода периода была воплощением стиля «Belle Epoque» и модерна.В основе женского силуэта лежал безупречный образ женщины той эпохи — женщины, чуждой земной тревоге повседневной жизни и заботам при всяком физическом труде. Женщина той эпохи, когда она еще не была раскрепощена, т.е. не работала и не имела такой потребности, больше походила на красивый цветок, экзотических насекомых, таких как бабочки, птицы … художники той эпохи изображали в образе женщина-русалка или ундина, живущая в водных нимфах в облаках, дриада, живущая в лесу, но ни в коем случае не в образе живого человека, идущего по улице.Женщины в то время не ходили по земле, они парили! Поэтому основная идея женского образа того времени — невесомость, воздушность и эфемерность. Модный силуэт, создающий образ, состоял из чрезмерно натянутого корсета «осиной» талии, широких бедер, расклешенной юбки-цветка в виде колокольчика, заканчивавшейся трением (шлейфом), чтобы создать иллюзию «пенящихся волн», из которых исходит эта прекрасная неземная существо.

По сохранившимся платьям этого периода мы знаем, что талия подтянута до нечеловеческих размеров 42 — 45 см, так что женщины могут сравнить размер своей талии с объемами шеи своих поклонников.

Фотография Б. Чехова. Одесса.
19 июля 1906 года, дама средних лет
в упражнении из легкой полушерсти
из легкой шерсти.
Платье оторочено оборкой, шелковой бейкой и вставками
из строгого кружева.
Кружевные перчатки без пальцев и эффектный леггорн
, украшенный бархатом и
английских роз, шелковый зонтик
с ручкой в ​​виде цапли.

Эпоха 1900-х годов. была эпоха маленьких женщин. В моде женщины ростом 1,55 — 1,60 м, но очень грудастые.Поэтому в эти годы одежда стремилась создать иллюзию великолепного бюста. Корсет для груди в хорошем состоянии. Россия 1900г. Пленила всевозможные рецепты увеличения бюста с помощью массажей, снадобий, припарок и т. Д.

Одежда имеет одинарный бюст с пышной передней частью (разделенная грудь появилась только с появлением бюстгальтеров) и задрапирована с помощью всевозможных оборок и постельных подушечек, благодаря чему грудь выглядела пышной и вызывающе красивой.

Женщина этой эпохи должна была быть «манной», то есть ухаживать за мужчиной своими объемами, иметь узкие покатые плечи, но не должна была быть худой.Первоочередной ролью женщины в то время было материнство. В крестьянской общине было нормально иметь 10 — 12 детей, а в городе — 6 — 8. Таким образом, численность населения России была высокой и составляла 1917 г., 150 млн человек, что больше, чем сегодня, к 2007-м году. Русские женщины того времени никогда не загорали, загар считался признаком простолюдинок, крестьян, работающих в поле.

По канонам французских модниц яркая пудра рисовая пудра пыталась придать болезненно-бледный вид, но оставалась с пикантными формами.Это была эпоха длинных волос. В моде были рыжеватые шатенки с длинными блестящими волосами, которые вписывались в сложные японообразные прически.

А крой платьев из-за формы рукавов и корсажей, шляп и формы этого периода мы всегда говорим о природе, а не о геометрии. Мода того периода не любила прямых линий, углов, прямых концовок. Были актуальны формы, напоминающие крылья цветка или насекомого — их можно было увидеть и в виде рук, и в виде шляп и т. Д.

Женский силуэт удлинялся от трения, поэтому женщина, несмотря на свой небольшой рост, выглядела выше, чем была на самом деле, особенно сзади; и подчеркнули узкую талию, чтобы создать элегантный, невесомый силуэт, подчеркнувший грудь, бедра и воздушность женщины в целом.

Санкт-Петербург, около 1903 года известная певица Анастасия Вяльцева в концертном наряде в роскошных домах из шелка Brizak.Платье отделано вышивкой, в которой апплицированы черные ласточки, на плечах — боа из страусовых перьев.

На сегодняшний день в России осталось не более пяти отечественных продуктов Бризак.Одно из платьев Brizak House находится в коллекции Музея истории и реконструкции Москвы. В России нет музея моды. Отдельная коллекция костюмов имеется в Эрмитаже, Историческом музее, Музеях Царского Села, Музее истории и реконструкции Москвы и некоторых других коллекциях. В большинстве случаев эти коллекции непостоянны и недоступны для изучения. Ни один из вышеперечисленных музеев не ведет закупок, коллекция костюма пополняется только подарками.

Дом высокой моды в России проявил свою элитарность. Например, петербургский дом Бризак является поставщиком Двора и работал исключительно для нужд двора, то есть клиентами этого дома были императрица, ее дочери — великие княжны, великая княгиня — сестры и жены. великих князей и придворных дам. По высшему разряду Императрицы Дом Бризак мог обслуживать двух клиентов, не принадлежащих ко двору, — любимых публикой актрис Анны Павловой и Анастасии Вяльцевой.Еще один крупный дом моды Санкт-Петербург 1900 года. Домом стал Гиндус, разделивший судьбу революции эпохи Бризак Хаус и ушедший в небытие.

Третьим крупным домом моды был Дом Ольги Булденковой, которая также была Провизионером, то есть делала придворную одежду. Это были платья особой формы, которые не подчинялись модным тенденциям и регламентировались Уставом Суда, утвержденным специальным императорским указом еще в 1830 году. Помимо крупных домов моды было более сотни небольших домов моды и студий, которые предоставляют услуги как индивидуальным, так и массовым коллекциям.Таким образом, русская мода 1900г. Имела как индивидуальный, так и массовый рынок, но показа ни один из русских домов не проводила. Первый показ мод прошел в Санкт-Петербурге в 1916 году, однако в 1911 году в Санкт-Петербург привез свою коллекцию Поль Пуаре. Разница между двумя событиями состоит в том, что в 1916 году появились русские модели на русских моделях, а в 1911 году он показал французские манекены на французских манекенах. Следующий показ мод в советское время был только в 1959 году, когда Советский Союз пришел в Дом Christian Dior.Самой известной московской создательницей моды была Надежда Ламанова. Она происходила из дворянской семьи Нижегородской области, портняжное мастерство обучалась в Париже, а в 1880 году открыла свою деятельность в Москве. Ее работа быстро завоевала признание, и она была названа Временным судом Ее Императорского Величества. Императрица, поэтому одевайтесь в Ворт в Париже, в Бризаке в Петербурге и в Ламановой в Москве. Ламанова прославилась, в частности, своими костюмами, сшитыми в 1903 году для «Русского бала» в Зимнем дворце.Также она много работала с Художественным театром по приглашению Станиславского, создавала костюмы для Книппер-Чеховой, Германовой Андреевой и многих спектаклей Художественного театра. Предпочитала работать ламанова в технике татуировок или дерьмовым способом, когда ткань прикалывалась на манекены без использования развертки. Метод татуажа считается высшим портновским мастерством и всеми моделями моды и сейчас выполняется именно в этой технике. Судьба Ламанова после революции была печальной. Она была единственной русской модницей, не эмигранткой — мало того, что к моменту революции ей было уже 60 лет.Ее муж, видный российский бизнесмен и меценат Хижины, был арестован большевиками в числе первых Ламанова и надеялась, что удастся добиться его освобождения. Эти надежды не оправдались, хижина была разрушена, а сама Ламанова была арестована в 1918 году и заключена в Бутырскую за то, что шила платья для императрицы. Через несколько месяцев ее отпустили по заявлению Горького и Станиславского, а приказом Луначарского назначили руководить предприятием по пошиву «новой советской одежды».
В 1925 году модель Ламанова в народном стиле из рушников и полотенец (ведь таких тканей в этот период в России не было) выиграла Гран-при советского павильона на Всемирной выставке Экспо. Надежда Ламанова умерла в 1941 году от сердечного приступа. нападение на скамейку перед театром. Ламанова — основоположница советского дизайна и строительства, как единственный профессиональный модельер, оставшаяся в стране после революции. Русская мода 1900г. Тяготела к использованию отечественных материалов. В первую очередь это касалось кружева.1900-е гг.
— Эпоха большого интереса к псевдорусскому стилю в архитектуре, мебели, живописи и, конечно же, одежде. Поэтому очень популярными и востребованными пользовались вологодские, елецкие, Михайловские и чужие льняные кружева. Кружево, изобретенное в конце XV — XVI вв. Итальянцы пришли в Россию из Западной Европы в XVII — XVIII веках. Однако формы кружева, которые остались у нас, считаются национальными. Яркая черта национального вкуса — любовь к декору.Вот почему все русское работает многословнее и насыщеннее, чем то, что делалось на Западе. Большинство вещей русской работы 1900г. Богато украшено вышивкой (как крестиком, так и атласом), лентами, аппликациями и т. Д.

Н.Ламановой работы.
Строгое выездное платье бежевого цвета — самая ранняя работа
Ламанова, хранящаяся в Эрмитаже.

Помимо внутреннего, Россия была крупным потребителем европейского, в частности, брюссельского и фламандского кружева, которые закупались в Европе. Благодаря сохранившимся таможенным ежегодникам, которые содержали информацию обо всех ввозимых и вывозимых через границу товарах, мы знаем, например, что в 1900-х годах.Россия импортировала около 500 тонн страусиных перьев для украшения туалетов. Этот факт наглядно демонстрирует, что русскому вкусу всегда было свойственно привлекательность богатства убранства. Детали, аксессуары и украшения всегда играли для русских женщин огромную роль. Брошь в виде пчелы. Серебро, золото, бриллианты, рубины, жемчуг и эмаль. Фирма Болин. Россия, Москва, 1908-1917 гг.
Русские женщины всегда были любительницами украшений и больше потребителей — как настоящий жемчуг, бриллианты и драгоценные камни, так и украшения, имитирующие их.В России, таким образом, поддерживается ряд ювелиров, пользующихся спросом за рубежом и импортными ювелирными изделиями. Очень большое количество предметов ввозят за западные границы империи — Варшаву, Ригу, Хельсинки. Декоративное искусство России того времени было развито очень хорошо. Выпускаются как относительно недорогие серийные изделия массового производства, так и очень дорогие ювелирные изделия индивидуальной работы из золота, платины, а для более скромных потребителей — из серебра. Серебряные украшения считались довольно неприхотливыми, золото было несколько иного состава разновидностей, наиболее популярным из которых было чистое золото розоватого оттенка.Фигуративное украшение этого периода, то есть изображает ту или иную ветку, цветок, бабочку, жука, паука и т. Д.
Микалоюс Константинас Чюрленис, 1909. «Сказка о царе». Излюбленным мотивом украшений была летучая мышь, тема которой, вообще, была очень популярна в ту эпоху на Руси. Например, в 1910-е гг. В Москве открылось знаменитое кабаре Никиты Балеева «Летучая мышь». Именно в украшениях очень полно воплощен царивший в период модерн.
Видным представителем модерна был литовский художник и композитор Чюрленис.Цветовая гамма живописи в стиле модерн склонна к зеленовато-сине-серым тонам, что отразилось на ювелирных изделиях. Россия традиционно любила и красила камни — например, в ту эпоху были популярны уральские самоцветы. К 1910 году му-образные орнаменты постепенно стали более геометрическими, появились броши без сюжета с аквамарином, аметистом, александритом и др. Фирма Карла Фаберже. Подарок пасхального яйца. Именно Россия подарила миру знаменитого ювелира Карла Фаберже.
Расцвет стиля Фаберже приходится именно на эпоху 1900-х годов.Компания Faberge была основана в Санкт-Петербурге в середине XIX в., Но добиться успеха и популярность их продукция стала несколько позже, после того, как компания начала производить подарочные пасхальные яйца для царской семьи. Творчество Фаберже уникально тем, что они разработали русскую тематику, используя как отечественные самоцветы, так и камни импортного производства. Тема яиц впервые была использована в ювелирном деле именно у Фаберже. В отличие от Европы, я предпочитаю бледные, приглушенные цвета в одежде, в России были популярны насыщенные, глубокие тона малинового, лилового, всех оттенков красного… Эта особенность русского вкуса продиктована, прежде всего, климатом и географией страны. На фоне долгой темной зимы и сдержанной русской природы мы всегда будем любить яркие краски и богатый декор, восполняющий отсутствие солнца и ярких красок мира.
Именно поэтому на национальной почве плохо прижились идеи минимализма — не только в одежде, но и в архитектуре и других видах изобразительного искусства. Одевались «богато» в России как в столицах, так и в провинциальных городах.Провинциальные центры моды превращаются в крупные промышленные центры — знаменитые дамы Киева, Харькова, Одессы, Риги, Вильнюса, Казани, Самары … В этих городах было не только множество модных ателье, но шляпницы и обувные производства, ювелиры …
Россия в эти годы была крупнейшим поставщиком текстиля в страны Азии — русский ситец продавался в Османскую империю (Турция), Иран и Китай. Всемирно известные ткани Трехгорной мануфактуры, Прохоровской фабрики, фабрики Циндель и многих других.Набивные ткани этих производителей предназначались как для экспорта, так и для внутреннего рынка. В период 1900г. Набивная ткань использовалась в доминирующих тогда мотивах стиля модерн — ирисы, маки, анютины глазки, роза.

Русский отличает изделия, которые по времени загружены и много ручной работы. Швейные машинки были доставлены в Россию в 1855 году фирмой Зингер и широко использовались даже в деревнях, но ручной декор непременно сопровождал создание каждого предмета одежды.
В то время женщине было невозможно выйти без шляпы.Шляпа была главным аксессуаром русских дам того времени, да и Европы. Любимые головные уборы были украшены перьями — поэтому их завозили в таком большом количестве, о чем говорилось выше. Главным требованием к чепчику того времени было, чтобы она почти не касалась волос, и это было совершенно незаметно, так как она прикреплена. Декор также стремился добиться эффекта невесомости — птичка на кепке должна была выглядеть так, будто она готова через минуту взлететь и улететь.

Самые ценные страусиные перья, цапли и райские птицы.Шляпа с декором из этих перьев стоила довольно дорого, что немногие могли себе позволить, поэтому в ход были перья домашних птиц — чайки, орла, куропатки, дерева и даже домашней птицы.

Еще один способ получить дешевую шляпу — это ее покупка на блошином рынке. Покупал там вещи — не только головные уборы, но и платья — перешивал, красил и отделывал под свою новую хозяйку. Одним из самых популярных блошин Москвы был Сухаревский, куда привозили хлам из богатых домов. Размер шляпы был в 1900-х годах.очень сильная тенденция к увеличению, а силуэт шляпы представлял собой очень широкие асимметрично изогнутые поля. Для сохранения такой формы в шляпе был помещен проволочный каркас. К концу 1900г. Шляпы стали настолько огромными, что стали мишенью для художников-карикатуристов, и они выглядели как огромные корзины для белья, наполненные перьями.

Шляпные магазины того времени работали по принципу ремесленного училища — хозяйка такого магазина проходила обучение с проживанием для девочек из малообеспеченных городских и сельских семей.Постепенно они освоили все производственные операции и секреты ремесла, начиная конечно с самого простого. В результате, шляпницами стали самые талантливые и одаренные мастера, а все остальные, особенных способностей не было, зато квалифицированные специалисты, владевшие своим ремеслом профессионально. Количество шляпных студий в столице и провинциальных городах просто неисчислимо — их было великое множество. Некоторые из них были очень именитыми и известными на всю Россию, например, шляпное ателье «Вандраг», которое находилось в Москве, на Петровке.

Еще одним характерным аксессуаром для дам того времени были ее бокалы — очки тогда считались аксессуаром «синего чулка» и тому подобным эмансипе. Зонтик — как незаменимый аксессуар модницы того времени, он защищает владелицу от солнца, ведь, как уже отмечалось выше, существенным требованием к внешнему виду времени была «аристократическая бледность». Наиболее выдающиеся экземпляры таких зонтов были настоящим произведением декоративно-прикладного искусства, отделаны вышивкой и кружевом, имели драгоценные ручки. Лучшие зонтики для покупок были на Невском проспекте в Санкт-Петербурге.-Петербург и на Кузнецком мосту в Москве. Все дамы 1900-х годов. использовать вентиляторы. Это было связано с совершенно прозаическими причинами — освещение было свечным или масляным, соответственно, чем ярче было освещено помещение, тем было жарче. С массовым переходом к электрическому освещению вентилятор отпал, и в 1910-х он всегда выходил из моды. Декор веера выполнен в стиле модерн, характерными для их черт были неровные края и излюбленные цветочные мотивы современности — маки, ирисы и т. Д.После русско-японской войны 1905 года в большую моду в России вошло все японское, соответственно и веера часто украшались в японском стиле. Большой популярностью пользовались перьевые вееры — от самых дешевых петушиных, которые были у служанок, до роскошных, из страусиных. Страусиные вееры были выполнены на драгоценном каркасе из черепахового панциря и отделаны алмазным шифром с монограммой владельца. Все дворянские роды на Руси имели герб и корону, которые часто использовали в украшении аксессуаров — сумочек, кошельков, вееров, перстней и перстней.Лина Кавальери Российские магазины на этот раз были в основном отечественными.
Крупнейшими обувными центрами были Москва, Санкт-Петербург и Казань. Для обувного дизайна этого периода были характерны французский каблук или пятка с коротким вырезом и острый нос. Как и все остальные составляющие модного гардероба, отличительной чертой русской обуви было богато украшенное бисером, вышивкой, жемчугом и т. Д. Вышивка золотом на коже была очень трудоемкой, требовала значительных физических усилий, поэтому выполнялась мужчины.В 1900-х гг. в России обычным был почтовый перевод, чем с удовольствием пользовались жители столичных городов. Отправляя денежный перевод и описания покупок, они заказывали и получали по почте корсеты, зонтики, головные уборы, обувь и многие другие важные модные предметы. Таким образом столицы моды практически сразу достигают Дальнего Востока империи — Дальнего Востока, Сибири, Средней Азии и т. Д.

Быстрому распространению модных тенденций и нововведений способствовало то, что в России 1900 год.были опубликованы более десятка национальных модных журналов — «Женский мир», «Парижская мода для русских читателей», «Современная женщина» и др. В этих журналах содержались не только последние модные тенденции, но и советы по приобретению модных аксессуаров, выкройки и т. д. узоры и вышивки и др. В 1910-е гг. появились первые цветные журналы, а в 1900 году все они были черно-белыми. Помимо отечественных, в России продаются и все зарубежные модные журналы.

Fashionista 1900. могла меняться до шести раз в день — начинала день с пеньюара, затем наступала очередь домашнего платья, затем прогулки, затем бизнес, чай, ужин и, наконец, бальный зал или театр — в зависимости от о планах на вечер.Практически все время светские женщины меняли туалеты и украшали себя. Конечно, для этого необходимо не только использование услуг модисток, шляпниц и т. Д., Но и наличие в штате прислуги, в том числе уборщиц и гладильщиц. В каждом доме не только богатый, но даже средний класс, всегда была хотя бы одна прачка, которая стирала и крахмала все — от одежды до повседневных платьев, а также детей и мужчин, и еще одна, которая все гладила. По кухне заботился повар, по остальному дому — горничная.Воспитание детей доверили сначала няне, гувернантке, а затем домашним учителям

В 1900-х гг. Россия долго оплакивала. По смерти близкого родственника — супруга, родителя, брата — траур носили в течение года. Поэтому была определенная мода на черный цвет, траурные детали, аксессуары, платья. Траур подразделялся на полный, глубокий траур, который носили год полутраур, соблюдают шесть месяцев, и четвертичный траур, во время которого разрешалось носить черный вместо серого и пурпурного.Четвертичный траур, наблюдаемый не очень близким родственником, например двоюродным братом или племянником. А вот вдова по правилам приличия была отнесена к черным в течение года без перерывов. Украшения также делятся на обычные и траурные. Бриллианты во время траура не полагалось носить, черные траурные украшения из угля и очень популярные в то время плетеные украшения для волос. Богатая Россия 1900 года, находящаяся на этапе экономического подъема, была очень привлекательной для самых разных иностранных звезд, желающих приехать сюда с гастролями.Блестящие европейские красавицы, актрисы и певицы, которые принесли с собой европейские модные тенденции, западные представления о красоте и стиле жизни. Одной из таких блестящих дам, утверждавших в 1900-х гг., Была итальянская певица, сопрано Лина Кавальери. Он часто и охотно приезжал с гастролями в Петербург, где пользовался большим успехом и получал ценные подарки. Его роскошные туалеты и украшения всегда были предметом обсуждения в прессе.

Еще одна известная красавица того времени, которая тоже любит ездить с выступлениями в Россию, бельгийская танцовщица Клео де Мероде.Она оставила книгу воспоминаний, в которой, в частности, отмечает, что, путешествуя по миру с гастролями, она никогда не видела такой пышной публики, как в Петербурге. Зрительный зал сверкает бриллиантами, мехами и золотыми погонами, и ни одна страна в мире не оказалась для нее богаче России. Другой всегда желанной и очень популярной в России иностранной красавицей была испанская танцовщица Каролина Отеро. В 2006 году вышла ее биография на русском языке — книга Кармен Посадас «Прекрасное Отеро». В те времена очень распространенной формой концертов были бенефисы — то есть такие постановки, когда вся коллекция получала бенефициантка зала, а зрители — поднос с ее подарками.Эти подарки могут быть сделаны как частные лица, так и от имени каких-либо ассоциаций или организаций, таких как Торговое собрание, промышленники и т. Д. Под подарком тогда понимались исключительно ювелирные изделия, то есть бриллианты.

источник

Российская мужская одежда 1900-х годов

Мужская одежда в России претерпела ряд радикальных изменений в 1900-х годах, от традиционных русских народных костюмов конца царской эпохи до принятия европейской одежды эпохи Эдварда, развития новые и красочные стили в 1920-х годах, а также отказ от цвета и индивидуального выражения из-за коммунистической ортодоксальности.

1

Традиционная мужская одежда

Традиционный народный костюм для русских мужчин состоял из рубашки с застежками на бок, сделанной из хлопка, шерсти или шелка и известной как косоворотка. Его носили с парой узких брюк и ботинками или лаптями. С конца XIX века также носили кепку с козырьком.

2

Фотографии Прокудина-Горского

Незадолго до Первой мировой войны и коммунистической революции фотограф Сергей Михайлович Прокудин-Горский запечатлел жизнь царской России в серии фотографий.На этих фотографиях можно увидеть одежду и обычаи многих различных этнических групп и социальных слоев. Например, на фотографии «Три поколения» 1910 года Прокудин-Горский запечатлел традиционный народный костюм русского человека и более современную европейскую моду его сына и внучки. На других фотографиях изображен стиль одежды туркменского погонщика верблюдов и среднеазиатского торговца дынями.

• Незадолго до Первой мировой войны и коммунистической революции фотограф Сергей Михайлович Прокудин-Горский запечатлел жизнь царской России в серии фотографий.
  
• Например, на фотографии «Три поколения» 1910 года Прокудин-Горский запечатлел традиционный народный костюм русского человека и более современную европейскую моду его сына и внучки.

3

Конструктивисты

В первые годы русской революции дизайнеры новой одежды, такие как В. Степанова и Александр Родченко, создавали мужские спортивные костюмы, отличавшиеся как от традиционных костюмов, так и от европейских стилей.Эти новые дизайнеры назвали себя конструктивистами, и их одежда была основана на геометрических формах и ярких цветах, предназначенных для использования различными спортивными командами. Конструктивисты старались делать одежду удобной, полезной и красочной.

4

Советское соответствие

С конца 1920-х годов советская культура все больше подчеркивала соответствие и наказывала проявление индивидуального самовыражения. Тех, кто носил яркие цвета, называли «стилягами» или «буржуазными выродками».«Для дизайнера это могло привести к отчислению из Текстильного института, который был единственным источником образования в области дизайна одежды. Результатом этого стал мрачный конформистский вид русской одежды 20-го века. Мужчины носили одежду современного дизайна. но чрезвычайно простые, исключительно в темных или приглушенных тонах.

• С конца 1920-х годов советская культура все больше подчеркивала конформность и наказывала проявление индивидуального самовыражения.
  
• Для дизайнера это могло привести к исключению из Текстильного института, который был единственным источником образования в области дизайна одежды.

Русские семьи 1900-х годов

** Русские семьи 1900-х годов

---

Рисунок 1. Здесь мы видим русскую семью на прогулке, мы думаем, в 1901 году, но запись на карте может быть интерпретирована как 1909 год. Мы не уверены, кем был отец. Означает ли военная фуражка, что он был военным в штатском. Девочки в белых платьях, одна с огромной шляпой.Мальчик довольно неформально одет в блузку и штаны до колена. Все дети носят длинные чулки. Карточка кабинета не указывает, где они жили, кроме города.

1900-е годы были последним полным десятилетием царского правления. Мы по-прежнему видим официальную одежду среди царской элиты и городского среднего класса. Однако мы начинаем видеть больше изображений за пределами узких рамок фотостудии, когда мы можем увидеть русские семьи, одетые в течение обычного дня, а не только тогда, когда они одевались для официального портрета.Мы видим те самые популярные стили, которые мы видим в Западной Европе. Мы видим много мальчиков в матросских костюмах, которые стали популярными благодаря королевской семье. Царевич обычно в матросских костюмах, за исключением особых случаев. Мальчики постарше носили костюмы. Однобортные костюмы были обычным явлением. Некоторые костюмы были выполнены в норфолкском стиле. Мы видим какие-то итонские ошейники. Штаны до колен были обычным явлением. Некоторые мальчики одевались просто. Отметим, что оба длинных чулка были обычными. Мы замечаем девушек в больших шляпах. В основном они носили платья, но мы также видим блузки и юбки для менее формальных случаев.Длинные чулки были обычным явлением как для мальчиков, так и для девочек. Основная масса населения по-прежнему проживала в сельской местности и состояла из почти землевладельцев. Мальчики носили русские кофточки разной длины с широкими широкими штанами и ходили босиком. Девочки были одеты в красочные длинные платья с косынками.

Городская семья на прогулке (1901)

Здесь мы видим русскую семью на прогулке, как мы думаем, в 1901 году (рисунок 1). Однако надпись на карте можно интерпретировать как 1909 год.Мы не уверены, кем был отец. Означает ли военная фуражка, что он был военным в штатском. Девочки в белых платьях, одна с огромной шляпой. Мальчик довольно неформально одет в блузку и штаны до колена. Все дети носят длинные чулки. Карточка кабинета не указывает, где они жили, кроме города.

Здесь мы видим незарегистрированную русскую семью в начале 20-го века до Первой мировой войны. Похоже, это молодая семья ратров с шестью детьми в возрасте от 1/2 до 11 лет.Мальчики носят туники и длинные брюки. Мать и одна девочка носят платки. Мы не уверены в полезности этой одежды, но они обычно носили в Восточной Европе. Русские блузки и туники были очень модными в Америке в туме. Эта семья нам кажется, что они живут в лесу, а не в сельском хозяйстве. Несмотря на освобождение в 1861 г., бывшие крепостные не достигли больших экономических успехов. Семья — хороший пример.

Семья Платт состояла из трех братьев и сестры.У нас есть семейный портрет 1909 года, который мы изначально считали британским. Все трое мальчиков носят итонские ошейники, младшие мальчики носят костюмы в норфолкском стиле. Старший мальчик, которого, как мы полагаем, звали Артур, носит свой итонский воротник с галстуком на шее и стандартный однобортный пиджак. У младших мальчиков галстуки-бабочки. Мы не могли сказать, откуда они. Но у нас есть второй снимок Артура, сделанный в Одессе. Опять же, если бы мы не признали, что портрет был Россией, мы бы предположили, что Артур был англичанином.Артур, конечно же, англичанин. Мы менее уверены в Платте. Интересно, была ли это иностранная семья, живущая в Одессе. Поскольку все, что нам нужно сделать на данный момент, это идентификация карточки кабинета одесской студии, мы храним ее в русскоязычном разделе. Однако мы совершенно не уверены, что это русская семья.

Николай Рерих стал одним из самых известных художников Императорской России. На самом деле у него были самые разные интересы. Его называют русским археологом, художником, философом и теософом.Большая часть его художественных работ посвящена истории России. Он родился в Санкт-Петербурге в семье зажиточного нотариуса. Николай жил по всему миру, проведя много лет в Индии до своей смерти в Пенджабе. Его отец заставил его изучать право, но разрешил ему также изучать искусство. Его интересы были очень широкими, но сильно ориентировались на искусство. Он покинул Россию со своей семьей после революции, но пережил серию антисоветских и просоветских преобразований. Учитывая его противоречивую ориентацию, хорошо, что он не вернулся в Россию в сталинские времена.Матерью Святослава была Елена Шапошникова. Елена была родственницей русского композитора Мусоргского. Со своим мужем она познакомилась в 1899 году. Было двое сыновей. Георгий старший родился в 1902 году. Как и Юрий Рерих, он стал известным тибетологом. Их младший сын Святослав родился в Санкт-Петербурге (1904 г.). Николай и Елена Рерих основали Общество Агни Йоги.

---

Навигация по сайту исторической одежды мальчиков:
[Вернуться на главную страницу русской семьи ХХ века]
[Вернуться на главную страницу русской семьи]
[О нас]
[Введение] [Деятельность ] [Биографии] [Хронология] [Стили одежды] [Страны] [Девочки] [Темы]
[Библиографии] [Материалы] [Часто задаваемые вопросы] [Глоссарии] [Изображения] [Ссылки] [Регистрация] [Инструменты]
[Одежда для мальчиков Домой]

Навигация по исторической одежде для мальчиков Русские страницы:
[Балет] [Детская литература] [Хоры] [Журналы мод] [Фильмы] [Роялти] [Школьная форма] [Молодежные группы]

Навигация веб-сайт исторической одежды мальчиков:
[Вернуться на главную страницу на русском языке]
[Вернуться на главную страницу страны]
[Австралия] [Канада] [Англия] [Франция] [Германия] [Ирландия] [Италия] [Мексика] ] [Новая Зеландия] [Польша] [Шотландия] [Соединенные Штаты]

Создано: 16:13 05.07.2019
Последнее обновление от: 18:13, 05.07.2019

Традиционное платье

Крестьянское платье (Понева и рубашка), конец XIX — начало XX века.Воронежская область, Россия. Частная коллекция Сьюзан Джонсон. См. Подробности в описании товара.

Платье крестьянки (сарафан и рубашка), начало середины XIX века. Вологодская область, Россия; Рубашка: Бассейн реки Северная Двина, Сарафан: Тарнога. Частная коллекция Сьюзан Джонсон. См. Подробности в описании товара.

Традиционная русская одежда начала развиваться как особая форма в IX веке. До начала 18 века крестьяне и бояре (дворяне) носили традиционные костюмы.В 1700 году царь Петр Великий, восхищаясь всем западноевропейским, запретил носить традиционную одежду в городах. Именно русское крестьянство сохранило богатство и красоту традиционной русской одежды.

Существует два основных типа русской этнической одежды: сарафан и понева. Сарафан — это длинное платье-джемпер свободного кроя, которое надевается поверх длинной льняной рубашки с ремнем. Пояс, необходимый элемент традиционной русской одежды, часто надевали под сарафан.Сарафаны изготавливались из домотканого льна или недорогого набивного хлопка, производимого на крупных текстильных фабриках Московской, Ивановской и Владимирской областей. Для особых случаев они могли быть сделаны из парчи и шелка и вышиты золотой и серебряной нитью.

Сарафаны были широко распространены в северных провинциях Российской империи, таких как Вологда, Архангельск, Псков и Новгород. Костюм с юбкой-поневой обычно носили в южных провинциях Москвы, таких как Тула, Воронеж и Тамбов.Костюм понева считается более древним из двух. Он состоял из клетчатой ​​или полосатой юбки-понева, собранной на завязке или обернутой вокруг бедер, длинной свободной рубашки с вышитыми рукавами и фартука, сильно украшенного кружевом и яркой отделкой. Платок или традиционный головной убор был обязательным элементом крестьянского наряда. На выставке представлены наряды из разных регионов северной, южной и центральной России.

Традиционная русская мужская одежда

Традиционная русская мужская одежда была практически одинаковой во всей средневековой России.Базовая экипировка состояла из штанов, рубашки, шляпы и ремня.

Если женщины могли украшать даже самую простую повседневную одежду, то традиционная мужская одежда отличалась аскетичностью. Только молодые люди, которые еще не поженились, могли носить яркую и красивую одежду, включая ленты на шляпах, шарфы на шее, украшения и другие предметы. Например, в деревнях под Курском богачи носили серебряные браслеты, чтобы показать свое семейное богатство.

Взрослые мужчины, даже те, у кого есть деньги, скромно одевались.Даже одежда для особых случаев мало чем отличалась от обычных повседневных нарядов. Основным изменением стал тип ткани, так как в праздничных нарядах использовались изделия фабричного производства.

Традиционная русская мужская одежда простого покроя. Рубашка, которую носили мужчины, имела форму туники и была сделана из основного полотна, сложенного по утку. В центре куска ткани было отверстие и небольшой вырез. Чтобы одежда была больше, портные добавляли боковые швы и треугольные клинья.В некоторых местах портные также добавляли прорезь справа или в центре.

Воротник рубашки был невысоким и не превышал 2 см (0,75 дюйма). На воротник застегивались пуговицы.

Традиционная русская одежда не только защищала от жары и холода, но и передавала информацию о человеке, который ее носил. Например, одинокие мужчины и мальчики носили длинные рубашки выше колен. Пожилые и женатые мужчины носили рубашки до колен.В некоторых регионах молодые люди носили рубашки так долго, что им даже не приходилось носить брюки, хотя это было скорее исключением, чем правилом. Нередко первую пару брюк дарили мальчику старше 6 лет.

Традиционные штаны делались из двух довольно тонких штанин, каждая из которых была вырезана из двух кусков ткани. Подъем был выполнен с ромбовидными вставками, скорее напоминающими современные косынки. Поскольку резинки не было, штаны удерживались специальной веревкой, называемой «гашником». К гашнику можно было прикрепить небольшой карман для расчесок, кошельков и ключей.

У крестьян традиционная русская одежда шилась из самодельной ткани, такой как конопля, хлопок или лен. В 19 веке домашние ткани были заменены более дешевыми тканями промышленного производства. Самодельная одежда использовалась только для специальной одежды и ритуалов, таких как погребальная одежда.

Ремни

Мужчины всегда носили рубашки расстегнутыми, прикрывая штаны. Традиционное русское платье требовало пояса с узлом на левой стороне.Неудивительно, что в русском языке есть поговорка, означающая «развязать себя», что означает грубо действовать или нарушать правила.

Ремни были тканевые, трикотажные или сотканные из ниток, шнуров или кусочков кожи. К началу 20 века обычные кожаные ремни уже заменили традиционные ремни в русской одежде. Традиционные пояса были наполнены смыслом с языческих времен и были оберегами и талисманами, которые давали на свадьбах или других церемониях.После свадьбы невеста дарила всем гостям ремни в качестве подарков (даже если это означало раздачу более 100 ремней). Жениху подарили пояс, который, как гласит легенда, обладал дополнительными защитными свойствами. Некоторые люди вплетали в пояса имена, молитвы или отрывки из священных книг, а для крестин детей одевали в пояса.

Но погребальная одежда, также важная часть традиционной одежды русских, не имела пояса. В погребальной одежде не было галстуков, застежек или пуговиц.

Свадебная одежда для мужчин была похожа на стандартную одежду и включала пару брюк и рубашку. Рубашка должна была иметь длинные рукава. Перед рубашки, а также подол на рукавах богато украшали вышивкой и вставками. Пояс был широким и длинным, также был украшен. Часто эти украшения включали в себя тексты, символы и талисманы, вплетенные в пояс.

Краткий справочник по традиционному русскому платью

Константин Маковский, «Наряд русской невесты», 1884 | © WikiCommons

Русские традиции костюма имеют долгую историю, и даже несмотря на то, что многие элементы были забыты с годами или обозначены как «старые» и «непривлекательные», некоторым удалось вернуться к жизни.Несколько лет назад Dolce & Gabbana напомнили миру о византийских корнях моды и показали, что это действительно может быть сексуально. Следуя примеру известного модного магната, мы рассмотрим традиционную русскую одежду, уходящую корнями в византийский стиль. Мы посмотрим, сможем ли мы найти привлекательные элементы, способные вдохновить нас на образы двадцать первого века.

Точной даты рождения традиционного русского костюма нет, хотя логично предположить, что его рождение совпало с той же эпохой, когда была основана страна, примерно в X и XII веках.Есть записи, свидетельствующие о том, что северная и южная мода довольно сильно отличались по стилю и убранству, хотя основная одежда оставалась довольно похожей. Все русские стили одежды существовали в вариантах «на каждый день» и «для особых случаев», различались материалами, цветами и украшениями. Общим элементом было несколько слоев ткани.

Традиционный русский костюм был частью истории страны вплоть до начала восемнадцатого века, когда Петр Великий объявил русскую одежду «крестьянской и непрогрессивной».Он ввел закон, который штрафует всех, кто въезжает в город в традиционной национальной одежде, а также всех с бородой. Горожане, аристократия, купцы и другие влиятельные члены общества перешли на европейскую одежду, в то время как традиционная русская одежда была полузабыта и носилась только в деревне и среди членов религиозных организаций.

В наши дни традиционную русскую одежду носят только церковные чиновники и во время некоторых национальных праздников. Многие элементы сейчас утеряны, хотя есть еще несколько элементов, которые стали знаковыми для русской традиционной одежды.

Основным элементом любого традиционного русского гардероба была рубаха, которую могли носить как мужчины, так и женщины. По сути, это вариант современной рубашки в старинном стиле. Рубахи носили как уличную одежду среди бедных и как домашнюю одежду среди богатых. Общий вид был то, что сейчас называется «негабаритный», поскольку у него не было какого-либо конкретного силуэта. В зависимости от материального положения для изготовления и пошива рубахи использовались разные материалы, от дешевого льна или хлопка до дорогого импортного шелка.

Мужская рубаха, начало ХХ века | © Исторический музей Шебекина / WikiCommons

Основной частью женского гардероба был сарафан. Длинное платье, которое часто надевали поверх рубахи, составляло «повседневную» одежду и одежду «для особых случаев». Самыми распространенными цветами сарафанов были красный, голубой или темно-синий, винный и белый. Платья-сарафаны часто украшались замысловатой вышивкой.

Молодые русские крестьянки перед традиционным деревянным домом. | © Собрание Прокудина-Горского Сергея Михайловича / WikiCommons

Украшения для головы и волос также были частью общего гардероба.В случае с женщинами способ укладки волос мог многое рассказать о гражданском статусе: молодые женщины могли хвастаться своими волосами, заплетенными в единую косу, украшенную цветами и другими элементами. Замужним женщинам не разрешалось обнажать волосы на публике, поэтому они покрывали голову разными украшениями. Одним из самых знаковых и замысловато украшенных примеров этого был кокошник.

Картина Константина Маковского «Девушка в кокошнике» | © WikiCommons

Это, наверное, единственный элемент русского традиционного костюма, который сохранился на протяжении веков и до сих пор пользуется популярностью в стране — причиной тому суровые климатические условия.Шуба, русское слово, обозначающее шубу, была неотъемлемой частью как мужского, так и женского гардероба. В свое время техника сборки шуб была другой: мех оставляли на внутренней стороне пальто, а снаружи украшали ярким разноцветным текстилем. В наши дни дизайн шубы эволюционировал, чтобы соответствовать современной моде, но он по-прежнему служит своей основной цели: согревать россиян в долгие и холодные зимы.

Андрей Рябушкин, Москва Девушка XVII века, 1903 г. | © Андрей Рябушкин / WikiCommons

Слово «кафтан» пришло в Россию с Ближнего Востока, но этот элемент одежды стал настолько неотъемлемой частью русского гардероба, что воспринимался как местный.Кафтаны, обычно сделанные из дорогих тканей с множеством вышивок и украшений, были аналогами современных пальто и носились поверх другой одежды.

Великий князь Алексей Александрович в русском кафтане на бал 1903 года | © WikiCommons

Российский модный блог Конструктивизм в России в 1920-е годы

Рожденный как художественное движение около 1919 года, русский конструктивизм предложил идеологию «производственного искусства», то есть искусства, имеющего социальное значение и практическую цель.Основанный на серии дебатов и сотрудничества в INHUK и Вхутемасе *, он причислил самопровозглашенных «художников-инженеров» Владимира Татлина, Александра Родченко, Варвару Степанову и Любовь Попову к своим самым горячим сторонникам. Их обширная работа была направлена ​​на полную реорганизацию жизни и новую форму художественного выражения, доступную массам, и, что неудивительно, затрагивала различные творческие области, включая моду.

* ИНХУК — Институт художественной культуры; Вхутемас — Высшие художественно-технические мастерские

Русские конструктивисты рассматривали человеческое тело как мобильное судно, для которого требовалась практичная, простая и гигиеничная одежда, которая увеличивала, а не препятствовала эффективности работы и жизни владельца.Отойдя от симметрии, роскоши и удобства дореволюционной одежды, конструктивисты отдавали предпочтение простым геометрическим формам и дополняли, хотя и яркие, цвета в своем авангардном дизайне. Художники Варвара Степанова и Любовь Попова работали на текстильной фабрике «Циндель», создавая ткани и выкройки для платьев для публикации в журнале LEF («Левый фронт искусства»). Попова продолжила разработку своей собственной версии платья с клапаном, в то время как Степанова в сотрудничестве с Александром Родченко разработала дизайн простого линейного комбинезона.Работая с материалами в абстрактной манере, они стремились создавать одежду, которая в равной степени отражала бы их художественное видение и практические цели того времени.

Эскизы платьев Любови Поповой, 1923-24

Текстильный дизайн Варвары Степановой

Степанова и Татлин также ввели понятие «прозодежда» («производственная одежда») и «спецодежда» («специализированная одежда»), которые были разработаны с учетом анонимности, простоты и эффективности, и отказались от декоративных элементов в пользу открытых стежков. и застегивание.

Предназначенная для фабричных рабочих и специалистов избранных профессий, одежда не учитывала индивидуальных эстетических предпочтений или социальных различий, вместо этого подчеркивая практическую роль владельца в обществе. Интересно, что половые различия в одежде также отсутствовали или подавлялись, что указывало на нейтралитет и утилитаризм как на предпочтительный образ действий. Однако, как и большинство дизайнов одежды, они никогда не производились и, таким образом, оставались свидетельством экспериментальных мечтаний русских конструктивистов.

Слева — дизайн спортивной одежды от Варвары Степановой, справа — дизайн спецодежды Александра Родченко

Огромное влияние русского конструктивизма на моду проявляется в коллекциях более поздних десятилетий. Фактически, это были работы русских конструктивистов, которые представили идеи моды и массового производства и определили более раннюю концепцию современной спортивной одежды. Бумажные платья Spaceage, разработанные Пьером Карденом в 1960-х годах, были поддержаны некоторыми в начале 1920-х и рассматривались как революционная одежда для утопического общества будущего.С тех пор следы конструктивистского мышления проявились в многочисленных коллекциях влиятельных брендов, включая Dries Van Noten, Chanel и Miu Miu.

1, 3 — Dries Van Noten Fall 2011, 2 — BCBG Max Azria Fall 2009

1, 3 — Etro Fall 2007, 2 — Miu Miu Spring 2007

Евгения Дорофеева — фотограф, модный обозреватель и заядлый путешественник из Лондона. Ее любовь к моде проистекает из детства, проведенного в ателье у бабушки, а писательство — это хобби, которое обязательно превратится в постоянное занятие.Мечта Евгении — создать достойную домашнюю коллекцию вечерних платьев — самостоятельных сказочников, исполнительниц и крестных фей.

Теги: Александр Родченко, конструктивизм, Евгения Дорофеева, Любовь Попова, 20-е, Варвара Степанова
Опубликовано в истории | Нет комментариев »

.