Выставка караваджо в москве 2018: Выставка Караваджо и последователи. Картины из собраний фонда Лонги во Флоренции и ГМИИ им. Пушкина

Содержание

Выставка Караваджо и последователи. Картины из собраний фонда Лонги во Флоренции и ГМИИ им. Пушкина

Сегодня я посетила музей имени Пушкина и,только что открывшуюся 15 сентября выставку:»Караваджо и последователи. Картины из собраний Фонда Роберто Лонги во Флоренции и ГМИИ им А.С. Пушкина» .
Конечно в центре всего картины Микеланджело Меризи да Караваджо, ему даже отвели отдельную стену, точнее картине » Мальчик, укушенный ящерицей» 1594, звучит громко, на самом деле картин Караваджо как таковых на выставке две, выше упомянутая и еще одна «Мальчик, очищающий фрукт» 1571, созданы они приблизительно в одно время. В прошлый раз, в 2012 году проходила выставка так же с участием 11 картин Караваджо. Не умоляя таланта великого художника, мне все же особенно запомнились картины его «реалистичных», по выражению Лонги, последователей, одна картина итальянского живописца эпохи Рококо Витторе Гисланди » Портрет юного художника в красном берете» 1730 и вторая «Концерт»1630 Маттиа Прети, но обо всем по порядку.
Публики было много и это в будний день, в основном все конечно толпились около самого яркого творения Караваджо, но у меня на это счет свой, возможно дилетантский взгляд: большинство людей привлекает то, о чем говорят и уж потом другие шедевры. Меня как раз привлекают другие , может быть, менее раскрученные или другими словами распиареные картины. Вначале я увидела «портрет», который поразил меня цветом, недаром этот художник выбрал название для картины по самому яркому атрибуту костюма » берету». Цвет розового рубина или ярко малиновый, такой яркий, как будто, это химическая флуорисцентная краска, а не масло XVIII века. Наверное, ни одна фотография не может передать красоту этого цвета, он кажется красным, оранжевым, но только не тем, который он есть на самом деле. Картина привезена из Италии и при возможности, если вы когда-нибудь будете в тех краях, например, сейчас нет возможности попасть на эту выставку, то обязательно взгляните на это чудо цвета, кажется что цвет прямо брызжит с картины, затмевая любой другой и даже падающий на него свет. Картина написана уже зрелым художником и относится к периоду 1730-е -1740-е наивысшего расцвета его творчества. В центре внимания молодой юноша с красками или, другими словами, юный художник написанный кистью зрелого Гисланди, это и понятно в эпоху Просвещения герои картин люди совершенно конкретных профессий со своим инструментом. В чем Гисланди является последователем Караваджо, конечно в передаче света и тени, в том, что портретный жанр, в котором преуспел Гисланди, лишен мифологической и религиозной основы, а в центре данной картины простой ремесленник еще очень юный, но уже совершенно необычный, какой-то особенный и именно посредством берета — цветовой эпицентр, художник, наверное, как мне кажется, хотел дать понять об исключительности этого юноши, о его одаренности, что самое главное для него цвет, цвет во всем.
Вторая картина «Концерт» 1630 года Маттиа Прети, художника неаполитанской школы. Картина сразу же бросается в глаза, своей непохожестью на другие, все вокруг такое цветное, но прежде чем говорить о цвете, надо сказать о царящей атмосфере в залах, где выставлены картины: приглушенный свет, шепот завороженных почитателей искусства, темно-бордовые бархатные стены и яркие пятна света выделяющие каждый шедевр. Так вот, в этой картине как-будто кто-то похитил цвет, только слегка цветовые приглушенные акценты говорят о том, что все реально и люди одеты в цветные яркие одежды, но сверху будто черно-белый фильтр. Потрясающе! Наверное, по задумке автора — это может быть лунный свет и концерт именно при лунном сиянии придает еще больше романтичного смысла этой жанровой сценке. Луна и музыка, что может быть прекраснее! Кстати, к слову сказать, такой нехарактерный для XVII века монохром не единственный в творчестве Прети, но все же, в этой обстановке он просто наделен каким-то магическим флером. Каждая представленная картина достойна самых высших похвал, я лишь выбрала две капли из огромного моря искусства, но ярких и оставляющих сильное впечатление от увиденного.

Караваджисты, все как один | The Art Newspaper Russia — новости искусства

Вход на выставку Караваджо и караваджисты в миланском палаццо Реале. Апрель — июнь 1951 г.

Выставка Караваджо и последователи открывается спустя четыре года после показа в 2011–2012 годах 11 полотен Караваджо из собраний Италии и Ватикана в тех же стенах. Успех был оглушительным: впервые в России и за пределами Италии в одном выставочном пространстве удалось собрать такое число шедевров этого мастера. Казалось, что прошел не такой уж небольшой по музейным меркам срок для возвращения к одному и тому же художнику, даже если это Караваджо. Однако Виктория Маркова, главный научный сотрудник, хранитель итальянской живописи Государственного музея изобразительных искусств имени А.С.Пушкина, сочла иначе: «Четыре года — правильная дистанция, которая позволяет публике еще не забыть Караваджо, успех, впечатление от той выставки и тем не менее перейти к какому-то другому ракурсу».

Первоначально предполагалось показать 30 работ Караваджо и его последователей только из Фонда Роберто Лонги. Коллекцию выдающегося историка искусства, которую он собирал с 1916 года и которая охватывает итальянское и европейское искусство XIV–ХХ веков, часто и с большим успехом показывают в Италии и крупных музеях по всему миру. Однако в ходе подготовки будущей московской экспозиции ее куратор Виктория Маркова решила пойти по другому пути — соединить картины караваджистов из фонда с картинами из собрания ГМИИ. «Это даст зрителю редкую возможность сопоставлять работы, например, одного и того же мастера из двух собраний, созданные в разные периоды, либо в один и тот же период, но разные по подходу», — считает Маркова. Всего на выставке будет около 50 произведений, 30 — из Фонда Роберто Лонги. Экспозиция будет выстроена следующим образом. Единственная на выставке работа самого Караваджо — его ранний шедевр Мальчик, укушенный яще

рицей (середина 1590-х) из фонда станет как бы энергетическим центром, «местом силы» экспозиции. Работы из коллекци Лонги будут представлены отдельно, чтобы можно было оценить ее как самостоятельное явление. Отдельно же будут сгруппированы работы из собрания музея. Некоторые из них специально отреставрированы к выставке и впервые выйдут на публику. Например, картина неаполитанского караваджиста Джованни Баттисты Караччоло, долгое время считавшаяся работой неизвестного мастера, или раннее полотно Хусепе Риберы Апостол Иаков Старший. Кстати, из Фонда Роберто Лонги приедут сразу пять Апостолов великого испанца XVII века, тоже ис- пытавшего влияние Караваджо.

Что же касается имен, включенных в выставку, то здесь представлен почти весь круг мастеров, которых сегодня принято считать караваджистами. Это прямые последователи Караваджо — Орацио Борджанни, Карло Сарачени

, Анджело Карозелли — и далее художники-академисты, опосредованно испытавшие его влияние, как Гвидо Рени или Джованни Ланфранко. «У Караваджо не было мастерской, не было прямых учеников, он не стремился к тому, чтобы собрать вокруг себя какой-то круг художников. Караваджизм — это спонтанно возникшее явление, в котором не было однородности, художники приезжали из разных областей Италии и других стран, и каждый уже учился в рамках каких-то традиций. То есть они приезжали в Рим, и дальше на эти традиции наслаивалось влияние Караваджо. Караваджизм — это искусство интернациональное. Впервые в истории искусства сложилась ситуация, когда какая-то страна становилась образцом для всей Европы», — говорит Маркова. «Иностранцы» тоже будут представлены на выставке такими именами, как Дирк ван Бабюрен, Маттиас Стомер, Валантен де Булонь, Герард ван Хонтхорст

и другие. «Италия помогла каждой национальной школе обрести свой новый язык. Живопись Караваджо была стимулом, а дальше каждый художник шел своим путем», — продолжает Маркова.

Еще одна особенность московской выставки — включение в экспозицию художников XVIII века фра Гальгарио, Гаспаре Траверси, Витторе Гисланди, Джакомо Черути. Это мастера, которых именно Лонги впервые ввел в контекст истории итальянского искусства, назвав их «i pittori della realta» — «художники реальности». «На самом деле это очень разные художники. Но их объединяет интерес к действительности, что для итальянской живописи было не вполне обычным. Сформулировав это понятие, Лонги сфокусировал внимание историков искусства на этом важном аспекте», — говорит Маркова. Караваджизм постепенно сошел на нет к 1630-м годам, на авансцену вышел академизм, болонская школа братьев Карраччи, которая вновь обратила свой взор к наследию Ренессанса, прежде всего

Рафаэля. «Но это вовсе не значит, что караваджизм исчез навсегда, — поясняет куратор. — Караваджо остался в крови итальянского искусства, дал ему многое из того, что стало основой его языка, пластику, светотень». Что и должны продемонстрировать включенные в выставку работы «художников реальности» из собрания Лонги и ГМИИ, практически не знакомые российскому зрителю.

Выставка Караваджо в Милане, январь 2018

Всем привет!
Продолжаю выкладывать наши музейные заметки. Сегодня поделюсь нашим миланским приключением и рассказом о выставке, ради который была организована вся поездка.
——————-

Все началось ещё в Неаполе в октябре 2017.
Мы приехали в музей Каподимонте, чтобы увидеть одну картину Караваджо, но выяснили, что ее там нет!
Что? Как? Где?!
Оказалось, что она на выставке в Милане!
Начинаю искать… так, так, выставка Dentro Caravaggio (Внутри Караваджо).
Выставляют 20 картин со всего мира, даже из небольших городов Америки.

В том числе шедевр из частной коллекции Лонги — Мальчик, укушенный ящерицей.

Моей мечтой стало попасть на эту выставку!
И удалось только … за неделю до закрытия.

Приехав в Милан и проходя мимо Палаццо Реале, мы с Сашей увидели большую очередь.
Нас напугали, что в субботу будет ещё больше, поэтому, поменяв все планы пошли на следующий день к открытию музея.
А придя, обнаружили человек 200! Люди уже стояли с 7 утра…
Я наивно думала управиться за пару часов, ведь на 14.00 у нас был билет на Тайную вечерю.
Мы простояли 4,5…

Каким-то чудесным образом из всей очереди рядом с нами оказалась русская девушка Аня!
Она отпустила нас за горячим чаем и кофе, в туалет, мы болтали и играли в слова все вместе!

За 4,5 часа Саша ни разу не пожаловалась, что устала, замёрзла, что ей скучно или надоело!
Это геройская девочка все понимала и стояла вместе со всеми!
А когда пришлось принимать решение об отмене Тайной вечери, сказала: «Мне бы очень хотелось ее увидеть, но на выставку мы не пойти не можем».

Уже почти у входа, когда очередь скандировала “Aperto!” (открывайте!), соседи по очереди уговорили охрану пустить нас.
Заходим внутрь и узнаем, что на выставке так много людей, что полиция блокировала вход минут на 40 и пускают только группы!
Я долго объясняла, что ребёнок стоял 4 часа в очереди и больше уже невозможно… и…
…через 10 минут нам все же продали билет.

Когда я спросила у Саши «ты наверное уже проголодалась?», она ответила: «конечно, мамочка, но я же не могу увести тебя с выставки?!».
Как получилась такая девочка? — внимательная, заботливая и очень добрая, особенно это стало заметно за последний год.
Только сейчас я понимаю, что она так себя вела, потому что знала, как важна для меня эта выставка!
Конечно, ей тоже хотелось увидеть — пока стояли — я рассказала несколько захватывающих историй из жизни моего любимого художника.

— — — — —

Итак, спасибо тем, кто прочитал до этого места, теперь про выставку.
Организация и презентация просто потрясающие!
В залах Палаццо Реале выключен весь верхний свет, а картины еле освещены маленькими лампочками.
Это настолько удачно получилось, что не создаёт бликов, а ощущение — как от света свечей.

Стены и перегородки обтянуты темно-красной тканью, переходы между залами закрыты чёрными бархатными портьерами.

И это нереально барочно!!!
Ты бродишь между залами, в каждом из которых выставлены всего 1-2 картины, блуждаешь между ними, возвращаешься, заблуждаешься… и действительно погружаешься «внутрь Караваджо».

Название выставки выбрано не случайно.
За каждой картиной висят экраны, интерактивно демонстрирующие рентгеновские исследования соответствующего полотна.
Сил не было одновременно и воспринимать, и смотреть видео.
Но эти видео экраны стали моим спасением — они очень занимали Сашу, если я где-то зависала.

Фотографировать категорически нельзя. Но я конечно же сделала несколько снимков…

Расскажу о некоторых открытиях.

Впервые я увидела картину «Святое семейство».
Даже не знала раньше о ее существовании. Причём без названия и не поняла бы, кто это.

Как всегда удивила Саша:
— Саш, что здесь изображено?
— Мария, Иосиф и Иисус.
— Эээ… а как все вместе это называется?
— Святое семейство.
— А откуда ты знаешь, что это именно они?
— Ну вот просто знаю…

Тут стоит отметить, что эпизод с тем, как Микеланджело Буоноротти рисовал (точнее продавал) своё «Святое семейство», одна из самых смешных и любимых сашиных историй!
— Саш, а на Святое семейство Микеланджело это похоже?
— Ты что?! Конечно нет! У Микеланджело все такое яркое, позитивное. А тут так мрачно.
А ещё у Микеланджело тондо. А это… прямоугольник какой-то.

Тут я замечаю, что младенец стоит на каменной плите, и на ней же сидит Мария и держит его. А как Иосиф сжал руку ангела?! Символично?

«Мадонна Лорето»
Я видела эту картину 3 года назад, но она открылась мне снова. Особенно в объяснениях Саше, почему служителям церкви картина пришлась не по нраву.

«Мальчик, укушенный ящерицей»
Это полотно ребёнку вполне доступно и тут мы обе задержались.
Я уже рассматривала картину в Москве, и это был один из первых опытов глубинного восприятия.
А тут мы попробовали вместе с Сашей, и с интересом выяснили, что подушечка среднего пальца самая чувствительная из всей руки!
Нашли повторяющиеся элементы, изобразили позу мальчика. Саша потом долго ходила и проверяла «как кусается ящерица».

А потом я увидела эту абсолютно недетскую картину. Сразу скажу, что Саша в это время сидела на скамейке и рисовала в блокноте девочек и цветочки.

«Бичевание Христа».
Та самая картина, ради которой я поехала в Неаполь. Предпоследняя работа Караваджо.

Не буду описывать восприятие, а оно было. Я думаю, что у меня даже что-то получилось.
Потому что слезы полились сами, и невозможно было их остановить.
И вся боль Христа, давящая тьма нашли отражение в моем теле.
Невольно я вспомнила и ужасы 20 века, «ад на земле».

Полотно огромное, и фигуры изображены в натуральную величину — ты чувствуешь себя немым свидетелем кошмара, и не можешь ничего сделать, чтобы его остановить.
Все это происходит на твоих глазах.

Потом мы вышли.
И перед нами во всей красе открылся Дуомо, сверкающий своей белизной на фоне синего небо и стремящийся ввысь. К надежде…

А дальше была пицца, весёлый рассказ про Гадалку Караваджо, шарлатанов и кражу кольца (именно эту открытку Саша выбрала как самую радостную), много много мороженного, магазины со сладостями и игрушками, и вечерний просмотр «Ночь в музее».

— Саша, так у нас все бестолково сегодня!
— Почему? На выставку попали! Вкусняшек купили! Познакомились с новыми друзьями. А сейчас ещё и фильм будем смотреть!

Спасибо, что читаете!

Тревел бук из этой поездки.
Мои посты о Караваджо.

Парадокс Караваджо (выставка репродукций картин Меризи да Караваджо)

С 5 апреля по 15 мая 2018 года в Государственном историческом музее Южного Урала работает выставка «Парадокс Караваджо». Материалы были предоставлены Итальянским институтом культуры (Москва). Выставка организована при содействии Почетного итальянского консульства в Челябинске. На ней представлено несколько десятков репродукций работ великого итальянского художника — Микеланджело Меризи да Караваджо, бо́льшая часть оригиналов которых хранятся в Италии.

Каждую репродукцию сопровождает подробная экспликация, из которой зритель может узнать несколько фактов о картине. Благодаря использованию холста в качестве материала для печати репродукций зрителю проще представить текстуру оригинальных полотен. За счет используемого формата большинства объектов — 104´70 сантиметров — можно увидеть особенности композиционного построения и светотеневой моделировки. Часть экспликаций повествует о биографии и творчестве художника, наполненной множеством взлетов и падений. В самом начале экспозиции представлены фрагменты картин художников, у которых мастер учился композиции и светотени и которые повлияли на его живописный стиль. Выставка состоит из нескольких разделов, экспозиция выстроена хронологически, в соответствии с творческим развитием художника.

Караваджо снискал известность еще при жизни. Факты его творческого пути известны благодаря биографам художника. Сегодня мы можем лишь приблизительно воссоздать биографию Караваджо, поскольку некоторые детали его жизни известны по поздним описаниям.

В начале своего творческого пути он, как и все начинающие художники, проходил обучение. Караваджо учился у Симоне Петерцано в миланской мастерской. После переезда в Рим был подмастерьем, дописывал небольшие фрагменты на работах известных мастеров. Судьбу живописца во многом предопределило знакомство с кардиналом дель Монте, который помог юноше получить первый заказ. Следующие несколько лет стали для Караваджо самыми удачными. К художнику пришли слава и известность. Но не все воспринимали его творчество с одобрением.

Его полотна сильно отличались от работ современников. Вместо идеализации образа он рисовал максимально натуралистично. Любой персонаж имел ярко выраженную индивидуальность, будь то картина на античную или религиозную тематику. Нововведения Караваджо в искусстве: отдельный жанр в живописи — натюрморт, применение новой манеры светотеневой моделировки. Картина «Корзина с фруктами», к сожалению, не представленная на выставке, стала первым натюрмортом в истории римского искусства. Даже на этой картине мастер верен себе: на яблоке зритель отчетливо видит червоточину — реализм в каждой детали.

Отличительной чертой художника стало особое использование светотеневой моделировки. Его живописная манера основана на резких контрастах света и тени, выразительных жестах. Благодаря этому фигуры становятся вырванными из тьмы, подобно актерам на подмостках, что усиливает эффект драматизма. В работах Караваджо подчеркиваются «простонародность» типажей, реализм, материальность изображения, монументализация жанрово-бытовых мотивов. Художник отвергал разделение жанров на «высокие» и «низменные».

Достижения мастера были подытожены биографом Джованни Беллори: «Караваджо вывел живопись на новый уровень, появившись на сцене в тот момент, когда реализм был не в моде, и фигуры на холсте, по негласному правилу, изображались так, чтобы скорее удовлетворить рафинированных эстетов, нежели выразить правду жизни»^¹. В то время доминантой в живописи был маньеризм Его относили к искусству, которому свойственны метафорическая насыщенность, пристрастие к гиперболе и гротеску. Караваджо стал первым, кто отошел от маньеризма в пользу реализма.

Джованни Беллори в своем сочинении пишет о мастерстве Караваджо в использовании светотени: «Он никогда не изображал свои фигуры в солнечном освещении, но всегда размещал их в полутемной атмосфере закрытой комнаты, направляя высоко расположенный источник света вертикально на наиболее значимые участки тел и оставляя другие части в темноте; тем самым Караваджо виртуозно усиливал контраст между светом и тенью»^². Сложно сказать, как именно сформировался этот неповторимый стиль Караваджо, ведь его миланский учитель был заурядным художником. Однако он стремился к точной, чистой линии и реалистическим деталям. Еще один возможный источник — миланская школа, уходящая корнями к творчеству Леонардо да Винчи. Из венецианской школы живописи наиболее вероятным кажется влияние работ Джиларомо Савольдо, использовавшего эффекты света и тени. Вероятно, были и другие источники вдохновения Караваджо и образцы для подражания, или штудии, но это всего лишь предположения.

Бо́льшая часть картин Меризи де Караваджо находится в галерее Уффици во Флоренции (Италия), пинакотеке Амброзиана в Милане, галерее Боргеза в Риме, Лондонской национальной галерее, прочих крупнейших музеях мира и частных коллекциях. В России из десятков живописных полотен мастера находится лишь одно — «Лютнист» («Юноша с лютней»), написанное в 1596 году. Оно хранится и экспонируется в петербургском Эрмитаже. Для многих жителей Челябинска выставка станет уникальной возможностью прикоснуться к высокому искусству, не покидая родного города.

1. Цит. по: Bellori G. P. Le vite de pittori, scultori, et architetti moderni. Roma : Ludovici, 1672. Р. 55–70.

2. Караваджо // Художеств. галерея. 2004. № 5. С. 21–26.

Грандиозная выставка Караваджо… — Надо ехать смотреть

Грандиозная выставка Караваджо открылась в Милане. Сразу двадцать полотен великого итальянца, что составляет примерно четверть всего творческого наследия художника. Это невероятно много. Сложно придумать более весомую причину для поездки в Милан.

Всё уцелевшее до наших дней наследие Караваджо составляет примерно восемьдесят полотен. Когда шесть лет назад на выставку в Москву привезли сразу одиннадцать из них, это выглядело как нечто совершенно за гранью возможного. Тогда казалось, что провести такую выставку способна только Ирина Антонова, и ничего подобного в обозримом будущем нигде в мире больше не повторится. Прошлым летом на выставке в Мадриде, однако, удалось собрать вместе двенадцать картин Караваджо, и это тоже выглядело как небывалая сенсация.

Сейчас в Милане одновременно можно увидеть сразу двадцать полотен Караваджо. Причем привезли такие шедевры как, например, «Жертвоприношение Авраама» из Галереи Уффици или «Бичевание Христа» из неаполитанского Музея Каподимонте. Пять картин из довольно провинциальных европейских музеев, куда доберется только самый неленивый ценитель живописи. Четыре картины прибыли из Соединенных Штатов, причем три из них тоже из американской провинции.

Главной сенсаций выставки, пожалуй, станет «Мадонна пилигримов», известная также под названием «Мадонна Лорето». Современники приходили в негодование, глядя на грязные пятки нищего на первом плане этого алтарного образа. Один из главных шедевров Караваджо обычно висит в темной часовне в римской базилике Сант-Агостино. Посмотреть его там можно только с очень приличного расстояния и при очень плохом освещении. Увидеть знаменитое полотно вблизи и при нормальном свете — небывалая удача. Не меньшей удачей будет посмотреть картины Караваждо из собрания римской галереи Дориа-Памфили, где они обычно висят высоко под потолком в плохо освещенных залах.

Выставка Караваджо работает до 28 января 2018 года в Миланском королевском дворце (www.palazzorealemilano.it). В середине октября там же откроется еще и большая выставка Анри де Тулуз-Лотрека. Однозначно, надо ехать смотреть!

На репродукциях все двадцать полотен Караваджо, которые можно увидеть в ближайшие три месяца на выставке в Милане плюс еще две его картины, которые одновременно можно увидеть в постоянных экспозициях миланских музеев. #CaravaggioMilano

Журнал Международная жизнь — Караваджо в Москве

В ГМИИ имени А.С.Пушкина открылась выставка Караваджо, завершающая перекрёстный год Италии в России. Эта экспозиция не имеет себе равных и несомненно войдёт в историю выставочного дела, так как некоторые из представленных полотен Караваджо никогда не покидали Италию. Нужно сказать, что в Москву привезли самые прославленные картины. В их числе даже произведение «Положение во гроб» 1606 года, исполненное художником для церкви Санта Мария ин Валличелла в Риме. Караваджо никогда не показывали в столице даже несмотря на то, что в Эрмитаже хранится одна из работ Мастера. По словам Посла Италии в России Антонио Дзанарди Ланди: «Это самая крупная выставка Каравджо, проходящая за рубежом. Она знаменует собой подлинный праздник итальянского искусства».

«Неукротимый по характеру»[1], Караваджо осуществил переворот в живописи. Работая на рубеже веков, он отразил в своём творчестве веяния Нового времени. Его произведения уже довольно далеки от «волшебных» канонов Возрождения, но Караваджо нельзя не назвать наследником великой эпохи. Их реалистичность напоминает о характерном для Нового времени активном научном познании. Рассматривая в качестве примера новоевропейского искусства картину художника «Обращение Савла», исполненную в 1600 году, Умберто Эко пишет: «Когда авторитет классических форм и иконографии перестаёт тяготеть над живописью, мужчина может быть сброшен лошадью с седла и приобрести реалистичные, а то и простонародные черты, как апостол Павел у Караваджо»[2]. Необычайный драматизм прозрения Савла, будущего апостола Павла, мастерски передан Караваджо с помощью контраста света и тени. Именно к божественному свету Савл из тьмы простирает свои руки. Это произведение великого Мастера, постоянно находящееся в римской церкви Санта Мария дель Пополо, представлено в Пушкинском Музее в числе 11 привезённых полотен.

Большая часть произведений Караваджо, представленных в Москве, посвящены христианским сюжетам. И это не случайно, так как для Караваджо основным источником творчества служил Новый завет в силу того, что многие работы он создавал на заказ для римских церквей. В последние годы своей жизни Караваджо достигает пика мастерства.

Знаменательно то, что в ГМИИ им. Пушкина представлена одна из ранних работ художника – «Юноша с корзиной фруктов» (1593) из римской галереи Боргезе, а также последнее его произведение – «Мученичество св. Урсулы»(1610) из собрания итальянского Банка Интеза. Если раннее произведение символизирует пир жизни и физическую красоту всего сущего, то «Мученичество Св. Урсулы» с чрезвычайной болезненностью передаёт последнее страдание человека, принявшего мученическую смерть. Здесь снова Караваджо использует приём светотени, который в несколько раз усиливает переживание зрителя.

По мнению известного русского искусствоведа П.П. Гнедича, «тот пышный расцвет искусств, который в эпоху Возрождения доставил Италии первенство среди прочих стран Европы, как бы истощил народный гений… Мельчание искусства, после короткой эпохи да Винчи, Микеланджело и Рафаэля делается резко заметным…Тем не менее можно отметить и в этот период много первоклассных талантов»[3]. Среди них возвышается бунтарь и реформатор Караваджо.

Выставка открыта для посетителей с 26-го ноября 2011 года по 19 февраля 2012 года.

[1] П.П. Гнедич. История искусств. Т.3. С.-Петербург.Изд-во А.Ф.Маркса. с. 69.

[2] Умберто Эко. История красоты.Милан. Слово/Slovo. с. 205.

[3]П.П. Гнедич. Там же.

Фоторепортаж

Читайте другие материалы журнала «Международная жизнь» на нашем канале Яндекс.Дзен.

Дмитрий Озерков: «Это эксперимент по созданию музейного пространства с нуля»

Текст: Анна Матвеева29.10.2015 20305

7 октября 2015 года Государственный Эрмитаж представил проект собственного музейного центра в Москве — «Эрмитаж — Москва», который станет частью культурного кластера «ЗИЛАРТ», строящегося сейчас на территории бывшего автозавода ЗИЛ. Пятиэтажное здание по проекту Хани Рашида планируется открыть в 2018 году, и выставляться в нем будет современное искусство. Дмитрий Озерков, заведующий Отделом современного искусства Государственного Эрмитажа, руководитель проекта «Эрмитаж 20/21», рассказал Анне Матвеевой, почему «Эрмитаж — Москва» будет посвящен именно современному искусству, что туда привезут, как и на чьи деньги все будет устроено.

Макет филиала Государственного Эрмитажа на территории бывшего завода ЗИЛ. 2015. Фрагмент. © Asymptote — Hani Rashid & Lise Anne Couture

Анна Матвеева: Что будет выставлять «московский» Эрмитаж?

Дмитрий Озерков: Акцент будет сделан на современное искусство, специально ради него все и строится. В Петербурге несколько лет назад у нас наконец появилось здание Главного штаба, приспособленное для вещей больших, тяжелых, громоздких, неудобоваримых; многие современные проекты, например, из программы «Манифесты» было бы невозможно показать в другом месте. И в Москве у нас будет пространство того же типа, только еще более современное, с учетом новых технологий и некоторых ошибок, допущенных в Главном штабе. Ошибок неизбежных, поскольку Штаб — старое здание. Здесь же все будет делаться с нуля и конкретно под наши запросы.

Проблема с Москвой такая: несмотря на то, что это великий город с широким спектром музеев, мы до сих пор не видим в нем музея, который мог бы сравниться с Главным штабом по размеру, по климату, по месторасположению и по инфраструктуре. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Музеи Кремля — это, как ни крути, маленькие залы, не приспособленные и изначально не предназначенные для показа крупных работ. Мы все время думаем о том, что нам нужен партнер. Логично было бы, если бы им стал Пушкинский музей. Когда Пушкинский музей начал делать Музей личных коллекций, можно было надеяться, что появится новая площадка такого рода, но в результате проект воплотился в качестве набора маленьких коробочек, где можно показывать только графику и небольшие картины. В итоге мы пришли к тому, что мы строим с нуля новое здание.

А.М.: В Москве и так много тех, кто показывает современное искусство. Чем эрмитажный опыт может обогатить московский?

Д.О.: Многие имена, которые звучат в Москве, когда-то открыл Петербург, в том числе и Эрмитаж. Понятно, что в Москве все деньги, Москва умеет прекрасно делать пиар и вообще события — в отличие от Петербурга, который часто не тратит на это сил. Например, открывается первая выставка Караваджо в Пушкинском музее — о ней пишут: «Караваджо впервые в России», и вся Москва туда идет, и вся Россия едет в Москву посмотреть на это «впервые в России», а тот факт, что в Эрмитаже Караваджо в коллекции и в постоянной экспозиции, как-то забывается. Сейчас в Москве проходят две важных выставки, показываются два больших имени: Луиз Буржуа и Аниш Капур, а ведь «Эрмитаж» выставлял их первым, и если с Капуром сложнее — его работа была и на Московской биеннале, то Буржуа в России начиналась у нас.

В общем, мы собираемся привозить в Москву большие громкие имена, с которыми работаем; не ждать, пока их привезет кто-то из московских институций, а делать это первыми и на своей площадке. Так же, как делаем в Петербурге. Сейчас в планах на ближайшие полтора года Тони Крэгг, Ансельм Кифер, Ян Фабр — последних двух имен, насколько я знаю, в Москве не было.

А.М.: У идеи этого проекта есть экономическая сторона?

Д.О.: Когда мы делаем крупные выставочные проекты, мы, как правило, хотим везти их куда-то еще. Например, мы недавно сделали выставку Захи Хадид — проект миллионного уровня. Нам невыгодно показать ее только в Эрмитаже, мы хотим везти ее дальше. Это выгодно в том числе и экономически — мы имеем возможность разделить расходы с другой стороной.

А.М.: Как это работает?

Д.О.: Есть два музея — допустим, в Москве и в Петербурге или в Нью-Йорке и в Вашингтоне. Если выставка из одного музея едет во второй, у нее будут расходы: на транспорт, страховку, курьеров и каталог. Такого рода траты могут быть разделены между двумя институциями. Это всегда экономически важно, когда речь идет о сверхбольших проектах, требующих крупных спонсорских денег, понятно, что они делаются не на выручку от продажи билетов. Так что это даст нам экономическую возможность делать еще более крутые выставки, разумно деля расходы.

Дмитрий Озерков. Источник: фейсбук Дмитрия Озеркова

А.М.: Строительство осуществляет «Группа ЛСР», какова ее роль в этом проекте — это они предложили Эрмитажу сделать музей внутри квартала, который они строят, или Эрмитаж обратился к ним с предложением?

Д.О.: Они к нам. Поводом для проекта послужило желание «Группы ЛСР» сделать музейное пространство в своем новом квартале. «Группа ЛСР» выиграла тендер на застройку всей территории ЗИЛа. Из существующих зданий они оставляют конструктивистскую часть, остальное сносят, строят микрорайон, жилой комплекс. Еще там будет бульвар, где расположатся и кинотеатры, и торговые центры, и музей. С этим предложением «Группа ЛСР» обратилась к Эрмитажу. Они же будут осуществлять финансирование проекта.

А.М.: Финансирование строительства здания?

Д.О.: Не только финансирование строительства, но и обеспечение жизнедеятельности музея. А суть программы — кого везти, когда и почему — на нас. Мы делаем концепцию.

А.М.: На что музей будет похож в архитектурном плане?

Д.О.: Это отдельно стоящее здание — пока на его месте пустырь. Сам музей — «коробка» высотой 50 м — пять этажей и терраса, плюс два этажа вниз. Общая площадь порядка 13 тыс. кв. м — это немало. Внутри здания три основных колонны, содержащие в себе коммуникации и лифты, на них нанизаны выставочные залы разных размеров и пропорций, предназначенные для разных видов искусства: от графики и небольших картин до больших картин и инсталляций; между ними — пространства-провалы для отдельных больших произведений, например, скульптур, которые можно как поставить, так и подвесить в воздухе. Сейчас мы активно работаем с Хани Рашидом и его мастерской Asymptote на тему того, как это должно выглядеть, а следующий этап будет осуществлять уже «Группа ЛСР», которой предстоит привести проект в соответствие с российскими строительными стандартами, согласовывать все эти запасные выходы и пожарные рукава; тут наша задача — сделать так, чтобы согласования не убили архитектуру.

Макет филиала Государственного Эрмитажа на территории бывшего завода ЗИЛ. 2015. Фото: courtesy Art PR

А.М.: Вы будете выставлять только и исключительно современное искусство?

Д.О.: Фокус будет сделан на современном искусстве, но мы повезем в Москву не только его. Покажем и некоторые вещи из запасников: например, спецхран, который до того не выставлялся нигде. «Неведомые шедевры» — вещи со спорным статусом, такие как «Площадь Согласия» Дега, импрессионисты, Сезанн. Они находятся на балансе Эрмитажа, но не принадлежат ему, они формально могут быть затребованы обратно.

А.М.: А кому они принадлежат?

Д.О.: Формально они принадлежат наследникам еврейских семей, у которых их отняли нацисты, у которых, в свою очередь, отняла их Красная армия и вывезла к нам. Возможно, когда-нибудь кто-то займется этим вопросом, сейчас он открыт, идет процесс, проводятся конференции и круглые столы, посвященные вопросам принадлежности этих вещей. Мы принимаем в этих мероприятиях активное участие, но пока работы у нас, и в 1989 году Михаил Борисович Пиотровский принял решение, что, пока они де-факто хранятся в Эрмитаже, полотна будут выставляться. Эти работы никогда не выезжали, из-за своего непростого статуса они не могут покинуть Россию, но в Москве мы тоже хотим их показывать.

Потом, конечно, будем показывать нашу часть коллекций Щукина и Морозова, которую Москва видела давно и мало. Еще у нас есть идея показывать на постоянной основе современных петербургских художников — причем не только из эрмитажной коллекции. Мы хотим сделать отдельную галерею для этого проекта. Понятие петербургского искусства сейчас очень сильно размыто: есть какие-то художники, на чьи выставки мы все ходим, их переманивают московские галереи — они становятся уже не петербургскими, а российскими художниками, но систематизированного представления нашей художественной среды нет.

Рендеринг здания филиала Государственного Эрмитажа на территории бывшего завода ЗИЛ. 2015. © Asymptote — Hani Rashid & Lise Anne Couture

А.М.: Почему это важно? Принято считать, что современное искусство глобалистично, неважно, кто из художников где родился и в какой стране работает, не говоря уже о том, в каком городе: они все равно говорят на одном художественном языке. Что значит сейчас показывать искусство, делая упор на его локальности?

Д.О.: Как ни странно, мне кажется, что, хотя петербургское искусство весьма интернационально, в нем есть определенные черты, которые выдают его географическую принадлежность. И я думаю, эти черты не случайны, они во многом являются сутью этого искусства, его важным биографическим качеством. В последнее время я много размышляю о том, что время интернационализации искусства подходит к концу, локальность приобретает все большую ценность. На Венецианской биеннале это очень заметно: есть тусовка китайцев, тусовка англичан, тусовки французов и немцев, и все ходят смотреть только свои проекты, ходят на свои вечеринки. Искусство, особенно это заметно в развивающихся странах, все более привязывается к своему контексту, к местным проблемам и формам. И биографические обстоятельства становятся все более интересны: взять того же Аниша Капура — англичанина, по происхождению еврея, родившегося в Индии. Именно биографический фон — важный элемент его гениальности, его особенности. Мне кажется, петербургское искусство тоже обладает некой особенностью, которая важна для его восприятия. Прошлогодняя выставка в Музее Москвы («Другая столица. Современное искусство из Санкт-Петербурга сегодня», кураторы Евгения Кикодзе и Олеся Туркина. — Артгид) показала, что изучать ее важно, в том числе и для самих петербуржцев: там были некоторые проекты, о которых я раньше представления не имел.

А.М.: Понятно, что Эрмитаж может дать Москве. А что даст московский проект Эрмитажу? Новые возможности, новые связи, новые деньги — или это чистая благотворительность?

Д.О.: Нет, конечно, не благотворительность. Будут и новые деньги, здесь нашим партнером является «Группа ЛСР», и другие московские деньги мы будем привлекать. Но в первую очередь такие проекты дают нам возможность посмотреть на себя. Когда ты делаешь выставку и везешь ее куда-то — например, в Казань или в Выборг, где уже действуют филиалы Эрмитажа, — ты видишь, что там она преображается, возникает совсем другая перспектива. К тому же это эксперимент по созданию музейного пространства с нуля. Мне кажется, это будет очень интересная история, связанная в том числе и с возможностью по-новому взглянуть на уже известное. Это вообще главная задача проекта «Эрмитаж 20/21»: казалось бы, зачем современное искусство в Эрмитаже, когда все знают, что Эрмитаж — это коллекция старых мастеров? Но мы стали заниматься и современным искусством, и сквозь его призму стараемся позволить зрителям взглянуть на старое искусство современными глазами. Это можно делать разными способами: можно повесить новое искусство рядом со старым в одном зале, можно сделать выставку, а можно — вот, целое специальное пространство.

Вид экспозиции выставки «Рубенс, Ван Дейк, Йорданс. Фламандское искусство из Эрмитажа» в центре «Эрмитаж — Амстердам», Амстердам. 2011. Фото: Эверт Эльзинга

А.М.: Это ведь не первый опыт Эрмитажа по открытию реальных филиалов с выставочными залами вне Петербурга? Московский проект вписывается в этот опыт?

Д.О.: Разумеется. У нас существует программа «Большой Эрмитаж», и «Эрмитаж — Москва» — как раз про это. Уже давно работает «Эрмитаж на Амстеле» в Амстердаме — огромный филиал, где мы показываем выставки, посвященные русской культуре в ее связи с Европой. «Эрмитаж — Казань» работает уже десять лет прямо на территории казанского Кремля и имеет очень большой успех. Есть центр в Выборге, меньший по размерам, и сейчас мы строим центр в Барселоне, который вскоре откроется.

А.М.: Несмотря на озвученные планы, на презентации в Москве вы заявили, что они не окончательные, что вы хотите провести чуть ли не опрос среди москвичей, что лучше выставлять в новом центре, когда он откроется. Так ли это?

Д.О.: В Москве очень много чего есть, но кое-чего и нет. Я хочу обратиться к московскому сообществу с вопросом, чего, как им кажется, не хватает, — возможно, мы сможем это привнести. Мне было бы приятно услышать их ответы. Мы не хотим быть закрытым учреждением, которое навязывало бы Москве свои порядки, — мы очень хотели бы услышать feedback. В конце концов, не каждый день открывается новый музей.

В музеях Ватикана проходит редкая выставка русского искусства

Осенью 2016 года в Московской Третьяковской галерее были представлены 42 шедевра XII – XVIII веков, никогда ранее не покидавшие музеев Ватикана. Выставка «Roma Aeterna: шедевры пинакотеки Ватикана — Беллини, Рафаэль, Караваджо» стала одной из самых популярных выставок, когда-либо проводившихся в российской столице. Билеты были распроданы в первые часы продаж, хотя шоу было продлено на две недели, чтобы удовлетворить спрос, а скальперы продавали билеты в 25 раз больше номинальной цены.

Теперь русские шедевры отправились в Рим. Два престижных музея начали свою вторую совместную выставку, продолжая сотрудничество в области искусства и культуры, о котором шла речь во время встречи президента России Владимира Путина с Папой Франциском в 2013 году.

Россия отправила в музеи Ватикана зрелищное шоу под названием «Паломничество русских». Искусство: От Дионисия до Малевича ». Он выставлен в Браччо ди Карло Маньо в галерее колоннады Бернини в базилике Святого Петра.Частично обмен выставками стал возможен благодаря Российскому благотворительному фонду «Искусство, наука и спорт», давнему покровителю Третьяковской галереи.

Новаторская выставка

Выставка — это не просто хронологическое представление духовных произведений искусства русских художников. Это попытка найти русский духовный путь, его центральную идею и образы в диалоге двух традиций истории и искусства: раннего русского искусства и искусства XIX и XX веков.

Как сказала на презентации в Москве перед открытием куратор секции раннего русского искусства Третьяковской галереи Татьяна Юденкова: «Когда вы ставите произведения второй половины XIX века рядом с древнерусским искусством, вы видите, что что-то связывает их. Между допетровским и постпетровским искусством не было разрыва, а было продолжение в разных формах ».

Аркадий Ипполитов, сокуратор выставки, сказал, что 54 шедевра, присланные из постоянной коллекции Третьяковки и других региональных российских музеев, сопоставлены таким образом, что раскрывают связи — тематические, стилистические, концептуальные — между художниками и эпохами в российском искусстве. .

Русское искусство в Ватикане

Структура выставки, сосредоточенная на истории духа, а не формы, определяется необычной архитектурой Джан Лоренцо Бернини. Планировка не пытается противостоять восходящему потоку пространства, а следует ему, направляя посетителей в овальные ниши, заполненные искусством, в их собственном «паломничестве» по русскому искусству. Открывает экспозицию икона XV века из яруса Деисиса иконостаса «Христос на престоле», помещенная рядом с «Распятием» Дионисия 1500 года и картиной «Явление Христа народу» Александра Иванова. сделано 350 лет спустя.

Представленные таким образом, рядом друг с другом, а не в отдельных залах и на разных этажах музея, произведения раскрывают гармонию между ранними иконами и картинами XIX века, даже если они изображают гнев против Бога и радость поиска Бога: «Безутешное горе» Ивана Крамского напротив иконы «Не плачь обо мне, матушка»; Картина Крамского «Христос в пустыне» изображена рядом со скульптурой XVIII века из Перми «Христос в келье» («Сидящий Спаситель»). Когда картина XIX века Николая Ярошенко «Повсюду жизнь» выставлена у «Богородицы Киккосской» иконописца XVII века Симона Ушакова, мы можем увидеть формы и цвета иконы в светской живописи.

На выставке представлены шедевры Третьяковки: «Подмастерье несут воду» и «Утопленница» Василия Перова; «Красная площадь» Василия Кандинского; и две картины Кузьмы Петрова-Водкина: «Купание красного коня» и «1918 год в Петрограде».

Единственный представленный портрет Федора Достоевского работы Александра Перова соответствует образу «Христос в пустыне» Ивана Крамского.

Экспозиция завершается сопоставлением иконы XVI века «Страшный суд» рядом с «Черным квадратом» Казимира Малевича и «Несение креста» Михаила Нестерова и иконы «В Тебе радуется» XVI века. предполагая, возможно, образы внутренней тьмы, контрастирующие с животворным принципом «соборности» (духовной общности).

На открытии в Риме директор музеев Ватикана Барбара Ятта сказала: «Это действительно паломничество, но также и необыкновенная коллекция произведений искусства из российских государственных галерей. Кураторы, директора Третьяковского и других музеев хотели отправить русские произведения такого же уровня [как мы отправляли] на этот обмен и большую инициативу. И им это удалось. Это важная выставка об искусстве, духовности и истории. Он начинается с икон, но это не выставка икон.Это о русской духовности и душе ».

Однако выставка проводится не только для одной страны. Как сказал в Москве посол в России Паскуале Кито Терраччано: «Шоу в Ватикане увидят не только итальянцы — оно продемонстрирует русскую духовность в центре Рима для миллионов туристов со всего мира».

Выставка продлится до 16 февраля 2019 года. Кураторы Третьяковской галереи обсуждают другие проекты, связанные с выставкой, и возможность проведения выставки в Москве.

Паломничество русского искусства. От Дионисия до Малевича

Шедевры из Третьяковской галереи и других музеев России

Осенью 2016 года в Третьяковской галерее прошла выставка «Roma Aeterna. Шедевры Ватиканской Пинакотеки — Беллини, Рафаэль, Караваджо ». Впервые из постоянной коллекции музеев Ватикана вышло 42 выдающихся шедевра XII-XVIII веков.Эта выставка стала знаменательным событием в мире искусства.

В свою очередь, Третьяковская галерея и благотворительный фонд Алишера Усманова «Искусство, наука и спорт» открывают 19 ноября 2018 года выставку в музеях Ватикана. Выставка будет проходить в Браччо ди Карло Маньо в галерее колоннады Бернини в базилике Святого Петра. Основу экспозиции составляют экспонаты из Третьяковской галереи, однако есть ряд работ из других российских музеев.

Выставка — ответ на щедрость музеев Ватикана. Кураторы поставили перед собой цель создать выставку, столь же замечательную по подбору работ и значимую для общества, как московская. Это культурное послание из России западному христианскому миру. По словам куратора, выставка исследует многообразие российского восприятия искусства и указывает на преемственность духовных традиций, внутреннюю и глубокую связь иконописи с русским реализмом XIX века.При подготовке выставки возникла оригинальная и новаторская концепция, и была представлена подборка работ исключительной ценности и значения.

Во многом это переломный момент для Третьяковской галереи. Было решено отказаться от хронологического порядка размещения экспонатов. В истории и искусстве идет диалог двух традиций: раннего русского искусства и искусства XIX-XX веков. Идея выставки — раскрыть взаимосвязь этих периодов искусства.Говорят, что правление Петра Великого — переломный момент, разделивший историю России допетровского и послепетровского времени. Эта выставка призвана объединить эти эпохи. Неожиданные, но очевидные аналогии и сравнения доказывают, что русское искусство веками является целостным целым.

Есть связи, которые действительно существовали: одни идеи воплощались художниками сознательно, другие возникали спонтанно с помощью культурных кодов. В подтверждение этой концепции представлены непревзойденные шедевры.В основном это картины странников, обратившихся к евангельским сюжетам и религиозным темам. Это известные работы из постоянной коллекции, которые уже широко экспонировались. Однако структура и концепция новаторские. Впервые столько выдающихся произведений одновременно покинуло Третьяковскую галерею.

По картине А. Иванова «Явление Христа народу» прослеживается переосмысление ценностей в русском искусстве. Во второй половине 19 века, во времена позитивизма, вражды к Богу и времени богоборчества, отдаление от Церкви глобальных преобразований помогло взглянуть на Евангелие под другим углом.Такие темы помогли найти ответы на актуальные вопросы того времени — какое место в мире занимал человек, как он был связан с Богом и в чем был смысл его жизни.

В нем гармонично сочетаются ранние иконы и картины XIX века, символизирующие время вражды к Богу и время богоборчества. «Явление Христа народу» А. Иванова представлено рядом с иконами XV века «Богоявление (Крещение)» и «Преображение Господне».«Безутешная скорбь» И. Крамского напротив пиета-иконы «Не плачь обо мне, Матерь», «Христос в пустыне» — рядом с пермской скульптурой XVIII века «Христос в келье (Сидящий Спаситель)». «. «Повсюду жизнь» Н. Ярошенко близка «Богородице Киккотисса» С. Ушакова по форме и цвету иконы; «Страшный суд» XVI века рядом с «Черным квадратом» К. Малевича. Завершающей экспозицией является «Несение креста» М. Нестерова и икона XVI века «В Тебе радуется», олицетворяющие дух русской соборности в Церкви и Государстве.

Среди других знаковых картин, которые покинули Третьяковскую галерею для выставки в Ватикане, — «Неожиданный гость», «Крестный ход в Курской губернии» и «Перед исповедью» И. Репина, «Тройка. Подмастерье несут воду »и« Утопленница »В. Перова,« Quod Est Veritas? Христос и Пилат »и« Голгофа »Н. Ге,« Демон (сидящий) »М. Врубеля,« Троица »Н. Гончаровой,« Москва. Красная площадь »В. Кандинского,« Купание красного коня »и« 1918 год в Петрограде »К.Петров-Водкин.

Выставлен только один портрет. Это значимый для русской культуры «Портрет Федора Достоевского» В. Перова. Он явно соответствует образу «Христа в пустыне» И. Крамского. На выставке также представлены изображения, характерные для российской истории. Есть священники, отшельники, божьи дураки, путешественники, бросившие вызов духовному укладу русской культуры. Связь между искусством разных эпох способствует дальнейшим рассуждениям о русском искусстве.

Эта выставка — один из самых значимых глобальных проектов Третьяковской галереи, беспрецедентный по своему содержанию.

Такие выставки, как «Roma Aeterna. Шедевры пинакотеки Ватикана — Беллини, Рафаэль, Караваджо »и« Паломничество русского искусства. От Дионисия до Малевича. Шедевры из Третьяковской галереи и российских музеев »и издание каталогов было бы невозможно без поддержки благотворительного фонда Алишера Усманова« Искусство, наука и спорт ».Сотрудничество с Третьяковской галереей имеет долгую историю: в 2006 году фонд поддерживал мероприятия, посвященные 150-летию, в 2006-2007 годах успешно шла совместная работа над выставкой Джеймса Уистлера, в 2007 году работали над ретроспективой Джеймса Уистлера. В 2016 году выставка «Roma Aeterna. Шедевры Ватиканской пинакотеки. Беллини, Караваджо, Рафаэль »была организована совместно с Фондом. В 2017 году фонд поддержал масштабный проект по внедрению новых технологических систем в Третьяковской галерее.

Алишер Усманов:

«Для благотворительного фонда« Искусство, наука, спорт »большая честь сотрудничать с такими проектами, которые несут социальную ответственность за преодоление разрыва между разными культурами. Между искусством и историей России и Италии издавна существуют прочные связи. В 18 веке лучшие ученики Императорской Академии художеств проходили стажировку в Италии. Самые выдающиеся итальянские архитекторы представляют собой непревзойденные дворцы, обогащающие русскую архитектуру и сочетающие в себе русские и европейские черты.Русская и итальянская живопись, очевидно связанные между собой, одинаково высоко оцениваются в обеих странах. Думаю, все сказанное — залог успеха таких совместных проектов ».

Государственная Третьяковская галерея

Государственная Третьяковская галерея, всемирно известный музей с огромной известностью, также является крупным научным, культурным, образовательным и исследовательским комплексом в России. С 1856 года, когда купец и меценат Павел Третьяков впервые начал приобретать свою частную коллекцию, Галерея за столетие войны, транспортировки, ремонта и расширения превратилась в крупнейший архив русского искусства в современном мире.Коллекция Галереи, насчитывающая более 190 000 картин, скульптур, реликвий и графических работ, размещенных среди нескольких прославленных зданий по всей Москве, не только остается важнейшим историческим источником русского искусства, но и свидетельствует о переменчивых тенденциях в самой российской жизни.

Шедевры из Третьяковской галереи и других музеев России » data-share-fb-title = «Паломничество русского искусства.От Дионисия до Малевича » data-share-fb-image = «https://www.tretyakovgallery.ru/upload/iblock/545/54523f53b86851cf53baaf8280858b84.jpg»>
Шедевры из Третьяковской галереи и других музеев России » data-share-vk-title = «Паломничество русского искусства. От Дионисия до Малевича» data-share-vk-image = «https://www.tretyakovgallery.ru/upload/iblock/545/54523f53b86851cf53baaf8280858b84.jpg»>

Караваджо: новая сила в европейском искусстве

Артикул:

К 100-ЛЕТИЮ МУЗЕЯ ИЗОБРАЖЕНИЯ ПУШКИНА

Номер журнала:

# 2 2012 (35)

Произведение великого итальянского художника Караваджо, жившего на рубеже XVI и XVII веков, было впервые показано в России с выставкой из 11 картин в Московском Государственном музее изобразительных искусств имени А.С. Пушкина, которая открылась в конце 20-го века. 2011; в него вошли некоторые из его самых знаменитых работ, составляющих его наследие.

В конце XVI века Высокий Ренессанс в Италии уступил место маньеризму, во многих отношениях усовершенствованному, но также исчерпанному по сравнению с тем, что было раньше (он действительно дал начало великому искусству Эль Греко, но не в Италии, а в Испании) и так называемой Болонской школы живописи, традиционалистской и, следовательно, смотрящей в прошлое, а не в будущее. Однако именно тогда появился художник огромного таланта и смелости, с новым творческим видением — художник, который смог проложить новый путь для всего европейского искусства.

Микеланджело Меризи да Караваджо был назван в честь архангела Михаила, поскольку он родился в день праздника Святого Михаила (согласно текущим исследованиям, в конце 1570 или в 1571 году), и получил прозвище «Караваджо» по месту, где он родился . Процитируем несколько театральное заявление Пьетро Беллори, историка искусства, жившего в 17 веке и много писавшего о Караваджо, художнике «благодаря тому, что он родился здесь, он удвоил славу Караваджо, благородной провинции в Ломбардии» ¹ .Сын архитектора (или главного каменщика), молодой Микеле в 1584 году начал изучать живопись в миланской мастерской маньериста Симоне Петерцано, которую посещал четыре года. В конце 1580-х — начале 1590-х годов он отправился в Рим, который в то время отвоевывал свое место в качестве центра духовной и культурной жизни Италии. Католицизм праздновал победу над Реформацией. Папа Сикст V, стремясь вернуть Риму статус столицы мира, поддержал это преобразование Вечного города, который был наводнен талантливыми мастерами искусств, в основном архитекторами и художниками.Одним из этих художников был Чезари д’Арпино, который приехал из Неаполя и чью мастерскую Караваджо посещал какое-то время, совершенствуя свои навыки рисования цветов и фруктов. Он жил в крайней нищете и попал в больницу для бедных, но не переставал много работать и вскоре стал популярен среди ценителей искусства Рима. Кардинал Дель Монте, просвещенный филантроп и коллекционер произведений искусства, стал его главным покровителем.

Ценители искусства, как в Италии, так и за рубежом, вскоре начнут ценить мастерство молодого художника, его мощные образы, красоту его ярких цветов, интенсивные скульптурные формы, его мастерское использование светотени и, как выразился Беллори, его умение передать «суть вещей».Хотя критики не преминули увидеть новаторскую эстетику молодого мастера из Ломбардии, в целом они не были в восторге от этого. Беллори также неодобрительно заметил, что «когда он [Караваджо] начал рисовать, он следовал своему таланту, а не образцам прекрасных мраморных творений древних или великолепным картинам Рафаэля; он почти презирал их и рассматривал только природу как объект своей работы. искусство »2. Винченцо Кардучо, флорентийский художник, работавший при испанском дворе, проявил еще более бескомпромиссный подход: в своих риторических выпадах он назвал Караваджо« гениальным чудовищем »и даже« антихристом ».«

«Вакх», одна из самых известных ранних картин Караваджо, раскрывает связь молодого художника с традициями, а также его новаторство. Мы видим внушительного древнего бога вина и урожая, увенчанного венком из виноградных лоз и одетого в сияющую белую тогу, который также является живым, мускулистым итальянским юношей, его телосложение далеки от древних канонов красоты, и его лицо. почти женственный. С небольшой глубиной композиции его фигура заметно выделяется на темном фоне, что ранее было неслыханно; Фрукты на тарелке, графин и кубок с вином представляют мир предметов во всем разнообразии текстур и тактильной реальности.Картина призвана приблизить этот мир к зрителю, став зеркалом, отражающим жизнь. Художники могли использовать слова Шекспировского «Гамлета» для описания цели искусства: «держать как твое зеркало для природы». Не случайно художник, как и в ряде других картин того периода, использовал «зеркальную технику», где «правое» оказывается «левым» — Вакх держит кубок не в его правая, но в левой руке.

Еще одна из более ранних картин Караваджо, представленных на выставке в Пушкинском музее, — «Мальчик с корзиной фруктов», в которой мечтательный и томный юноша держит корзину с красиво обработанными фруктами, символизирующими плодородную силу молодости.

Другие полотна, которые можно рассматривать как начало жанровой живописи раннего Нового времени, разыгрывают слегка «театральные» сцены повседневной жизни. «Лютнист» (1594 г.) (долгое время картина называлась «Девушка с лютней») — одна из таких, хранящаяся в Эрмитаже. По мнению искусствоведов, прототипом лютниста на этом полотне был один из мальчиков, которые наряжались молодыми девушками для театральных и музыкальных представлений во дворце кардинала Дель Монте. Несмотря на некоторую «сухость» техники, картина завораживает зрителя светящейся человеческой формой, столь полной жизни, на фоне окружающей тьмы и почти обманчивой реальности изображаемых предметов.Однако картина, как и все вышеперечисленные произведения, является не копией натуры, а продуманной композицией с определенным символическим смыслом. Юноша играет на лютне и, вероятно, поет песню о любви, мадригал; цветы и плоды относятся к другим чувствам, дополняя слух, а оборванная струна скрипки вместе со сморщенными нотами говорят о преходящей природе земных наслаждений.

Сюжет полотна, изображающий разнообразные свежие фрукты и зелень рядом с сухими ветками и увядшими листьями, — это неизбежный закат любой цветущей жизни.В этом натюрморте, вполне возможно, первом в истории европейского искусства, корзина с фруктами (очень похожая на ту, что молодой человек держит на картине на выставке) выглядит так, будто она балансирует на нижнем краю. холст, как бы выходящий из его полей — техника, которую Караваджо использовал в других своих работах. Однако цель художника — не создать обманчивую иллюзию реальности, а показать ее истинное существование.

Эта экзистенциальная реальность, внутреннее значение и монументальность всего, что нарисовал мастер из Ломбардии, в конце концов, коренится в его глубокой религиозной вере, его вере в божественное происхождение повседневных вещей — как если бы благословляющая рука Христа протянулась над ним. их, как и в двух написанных им вариантах его «Ужина в Эммаусе».В более ранней из этих двух композиций яркий свет падает на персонажей, их жесты либо благородны и сдержанны, либо размашисты и широки. Во втором, включенном в выставку в Пушкинском музее, движение минимальное, а акцент делается на психологическом состоянии персонажей и духовной стороне рассказа из Евангелия.

Неудивительно, что с самого начала творческого пути художник писал религиозные темы вместе со светскими; Одним из примеров является его масштабное полотно «Отдых на пути в Египет» (1590-е гг.).Мария, усталая, спит, склонив голову над младенцем Иисусом на руках; ангел играет на скрипке, а Иосиф держит ему ноты — мы можем видеть морду осла между их головами. Безмятежный ангел, едва прикрытый тканью, очень похож на настоящего человека. Тем не менее, мы являемся свидетелями поистине чудесного события — мы видим крылья за спиной ангела, но, что более важно, пристальный, пристальный взгляд Иосифа, направленный на ангела, и лицо животного, полное внимания. Эта картина была первой, которая раскрыла сущность нового подхода Караваджо к религиозному искусству, удалив мифологию, лежащую в основе религиозного предмета, и сместив акцент со сверхъестественного события на то, как глубоко духовный человек (а также другие создания Бога) переживают его. .

В самом конце XVI века Караваджо получил заказ от наследников поместья кардинала Маттео Контарелли на создание серии картин для часовни церкви Сан-Луиджи-деи-Франчези («Святой Людовик Французов») в Рим. С этого момента и всю оставшуюся жизнь художник (продолжая писать более мелкие работы для частных клиентов) посвятил свою огромную энергию рисованию для церкви; это будет время, когда его дар как одного из великих мастеров монументального религиозного искусства раскроется во всей полноте.

Семейная часовня Контарелли была посвящена его небесному покровителю Матфею Евангелисту. По замыслу самого кардинала, картины на боковых стенах должны были изображать призвание апостола и его мученичество, а картина над алтарем — святого Матфея и ангела.

Самым известным из полотен Караваджо, написанных для часовни — и, возможно, его шедевром — было крупномасштабное изображение сцены, записанной в документе того времени, «Спаситель наш Иисус Христос призывает св.Матфей из Таможни и избрание его одним из своих апостолов »(1600–1601). Караваджо интерпретировал предложенный предмет как реалистично, так и символически. В то время как в средние века искусство изображало эмпирическую реальность как мистическую, а художники Возрождения возвышали ее с героическим, мифическим и поэтическим подтекстом картины мастера XVII века изображали жизнь «как она есть», что не умаляло пронизывающего ими религиозного чувства.

На «таможню» указывают всего несколько деталей — чернильница на столе, кошелек для монет, несколько разбросанных монет.Художник полностью сосредоточен на людях в комнате — входящем Иисусе с апостолом Петром и сборщиках налогов, «мытарах» Нового Завета. В старых, а иногда и в современных критических работах об искусстве Караваджо они иногда называются изгоями общества. На самом деле художник показывает их как вполне респектабельных и в основном хорошо одетых горожан, чья реакция на вид Иисуса занимает центральное место в их роли в картине. Старик и юноша, крайние слева от него, полностью поглощены подсчетом собранных денег.Двое молодых людей ближе к входу в восторге от увиденного. В центре группы за столом — будущий апостол и евангелист, который, в отличие от своих товарищей, не свидетель, а участник событий. Именно на Матфея Иисус указывает своим повелительным жестом; он отвечает вопросом, но небесное сияние уже освещает его лицо.

Очевидно, Караваджо был знаком с фреской, которую его тезка написал в Сикстинской капелле в Риме, где Бог изображен с протянутой к Адаму рукой.Однако другое великое произведение искусства было больше связано с его живописью — знаменитая фреска Мазаччо «Дань Дань» в капелле Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине во Флоренции, созданная более чем за 100 лет до Микеланджело. (Биографы Караваджо считают, что он, возможно, видел фреску во время своей первой поездки в Рим.) На фреске изображен Иисус, инструктирующий Петра поймать рыбу и вынуть монету («статер») изо рта, чтобы заплатить ею дань; апостол имитирует командный жест своего учителя.В отличие от достойных и вневременных персонажей Мазаччо, Караваджо изображает простых сборщиков налогов, Матфея и Петра, и даже Христа как людей из плоти и крови, своих современников. (Так, друг художника, известный римский архитектор Онорио Лонги, был образцом для святого Матфея.) В то же время Христос обладает высшей духовной силой, которая помогает ему призывать избранных и вести их к реальности, которая больше, чем повседневная жизнь — это источник поистине неукротимой энергии, которую мы видим в его лице и жестах.

На этой картине ломбардского художника есть еще один персонаж — свет, который, как и все остальное, одновременно реалистичен и символичен. Он течет широким лучом из неизвестного источника над головами людей, входящих в комнату, тускло отражаясь в боковом окне; он имеет как физическую, так и духовную природу. Он вдыхает жизнь в фигуры на картине, заставляет их волшебным образом светиться в темноте и подчеркивает яркие цвета их одежды; самое главное, это осветляет их лица и обнажает все нюансы их чувств.«Призвание святого Матфея» особенно ясно раскрывает природу светотени Караваджо — резкий контраст света и тьмы, который служит не только для создания трехмерного, но и психологического пространства, поскольку воплощает борьбу добра и зла.

Еще одна масштабная картина в капелле Контарелли посвящена трагическому концу земной жизни святого Матфея (1602 г.), ее композиция полна пронзительного динамизма. Старый апостол упал на спину на ступеньках алтаря, а над ним склоняется палач с мечом.Свидетели в страхе бегут, не в силах отвести взгляд. Похоже, больше всего потрясает алтарный мальчик — его крик, кажется, исходит из глубины его души. Человек в самом дальнем углу картины выглядит сочувствующим и внимательным — это автопортрет художника, воображение которого является источником всего, что мы видим на картине.

Мастерство художника поражает: многочисленные фигуры в этой композиции полны энергии и выразительности и в итоге образуют гармоничный союз; это еще более удивительно, потому что Караваджио не рисовал никаких этюдов, а вносил изменения в холст, когда работал над ним.

Третья картина Караваджо, написанная для капеллы Контарелли, была совсем другой, но не менее примечательной. На нем изображен святой Матфей, который пишет свое Евангелие под диктовку стоящего рядом ангела. Апостол выглядит простолюдином с головой Сократа; понятно, как ему тяжело писать. Однако все это не имеет значения, потому что ангел буквально направляет его руку. Небесный вестник отличается женственной красотой и терпеливым трудолюбием. Мы наблюдаем не момент «учения», а таинственное событие, о чем свидетельствует выражение лица Апостола, смесь благоговения, шока, недоверия и радости.

Духовенство церкви Сан-Луиджи не сочло картину «ни благочестивой, ни подходящей», и художнику пришлось срочно написать новую версию композиции, более правильную, более традиционную и естественную, сдержанную и формальную. Судьба первой версии, одного из шедевров Караваджо, сложилась трагически: она погибла в пожаре 1940-х годов во время бомбардировки Берлина.

В 1602–1604 годах Караваджо написал два больших полотна для капеллы Черази в церкви Санта-Мария-дель-Пополо.Его работы должны были быть включены в ансамбль фресок одного из учеников Аннибале Карраччи (наиболее известного представителя болонской школы и главного антагониста Караваджо в римском искусстве того времени).

В этих картинах художник снова обращается к ключевым сюжетам творчества своей жизни — к евангельским сюжетам.

Среди них была «Обращение Савла», одна из самых крупных картин, представленных на московской выставке. Будущий апостол Павел слышит голос Христа и ослепляет лучом света, идущим с неба; он изображен упавшим с лошади, со старым слугой, держащим поводья.Бывший гонитель христиан должен полностью переродиться, и поэтому его бросают на землю, а верхнюю часть картины занимает фигура лошади. Похоже, что сама лошадь, осторожно поднимая ногу над упавшим человеком, пытается вместе со слугой подслушать таинственное происшествие. Характерная черта многих картин Караваджо — удивительный опыт героя раскрывается в широком жесте его рук, который одновременно указывает на глубину пространства.Также обычно глаза апостола закрыты, его лицо непроницаемо и отстранено — его встреча с Богом происходит глубоко в его душе, скрытая от глаз непосвященных.

В московскую выставку вошло еще одно монументальное полотно Караваджо — алтарь, который он написал для церкви Санта-Мария-ин-Валличелла. Сочетание двух иконографических изображений — «Оплакивание Христа» и «Погребение Христа» — запрестольный образ подобен огромному расписному реквиему.Фигуры располагаются на каменной плите, которая нависает над тьмой могилы и «притягивается» к зрителю. Иоанн и Никодим опускают безжизненное тело Христа на землю, а три Марии позади них оплакивают его смерть. Художник показывает нам все степени человеческих чувств, от пафоса до грубых страданий. Особенно впечатляет то, как художник изображает Никодима (говорили, что некий носильщик был образцом для этого образа). Держа тело Христа, он неудобно наклонился лицом к зрителю.Человеческие страдания, которые мы видим на этом грубом лице, которое кажется обнаженным, можно сравнить только с некоторыми изображениями Рембрандта. Движение вниз к могиле большинства фигур в композиции уравновешивается восходящим движением фигуры Марии Клеофы, и вся композиция вызывает темп хорала Баха. Не случайно современный автор книги о Рембрандте пишет, что «Караваджо ревет органной трубой контрреформационных церквей» ³.

Картина, отвергнутая духовенством по тем же причинам, что и «Святой Матфей и ангел», быстро стала известной как в Италии, так и за ее пределами. В XVII веке копию написал Рубенс, затем Фрагонар, Жерико и Сезанн.

Через несколько лет художник напишет свою возвышенную и трагическую «Смерть Богородицы» для церкви Санта-Мария-делла-Скала в Трастевере.

Вообще искусство Караваджо было полно трагических оттенков, но иногда он создавал картины, переполнявшие радость, среди них «Иоанн Креститель (Юноша с бараном)» (1602 г.) и «Победоносная любовь» (около 1603 г.).

«Иоанн Креститель», экспонируемый в Пушкинском музее, изображает обнаженного молодого человека с улыбающимся лицом, его тело освещено золотым солнцем, его рука обнимает шею барана; лицо барана доверчивое и человеческое — оно олицетворяет будущую жертву Христа. В «Триумфальной любви» мы видим древнего бога любви, который предстает в образе очаровательного итальянского мальчика, попирающего символы цивилизации: скипетр, лавровую ветвь, книгу, музыкальные инструменты, компас и алидаду.Его счастливое, дразнящее лицо, освещенное непреодолимо сладкой улыбкой, говорит нам, что все — всего лишь игра, и что не нужно глубоко беспокоиться о судьбе добродетели, искусства и науки.

Однако деструктивные наклонности художника были не просто безобидными играми, когда они проявлялись в его повседневной жизни вне его мастерской. Джорджио Бонсанти, историк современного искусства, пишет в своей книге о Караваджо: «Годы, когда он становился все более и более утвердившимся как художник, также были отмечены длительными перерывами в его работе из-за его вспыльчивого характера и сварливой личности.Таковы были крайние проявления его натуры, которые не были негативными по своей сути, но были довольно своеобразными проявлениями его нонконформизма. Не имея самообладания, он доходил до крайностей в своем желании самоутвердиться; едва заработав немного денег, он прогуливался по городу в великолепной одежде и с пажем, несущим меч, готовый заподозрить оскорбления и враждебность там, где их, скорее всего, не было. Начиная с 1600 года ссоры и кровавые драки с участием Кар-аваджо происходили с впечатляющей регулярностью, и их последствия усугублялись; в 1606 году один из его боев закончился убийством.»⁴

После игры с мячом, во время которой Кар-аваджо получил травму и нанес смертельную травму своему противнику, он бежал из Рима. Это ознаменовало начало его бродячих лет: Флоренция, Модена, Генуя, Неаполь, Мальта, Сицилия и обратно в Неаполь … Летом 1610 года он наконец получил разрешение вернуться в Рим. Он отправился туда морским путем и был заключен в тюрьму по ложному обвинению; когда его наконец освободили, он обнаружил, что фелукка с его вещами исчезла.Согласно одному документу, «разъяренный, он отчаянно бегал по побережью под палящим солнцем в надежде увидеть небольшую лодку со своими вещами. В конце концов он нашел убежище и лег спать с лихорадкой. Здесь [в Порто Эрколе — Н.А.], без какой-либо помощи, он скончался через несколько дней. Он умер так же нелепо, как и жил ». ⁵

Самым важным из поздних произведений Караваджо является его огромная картина «Усекновение главы Иоанна Крестителя», пять метров в ширину и три метра в высоту.Она была написана в 1608 году, когда художник жил на Мальте, где сначала был удостоен чести быть принятым в Мальтийский Орден, но через полгода заключен в тюрьму после ссоры с «благороднейшим рыцарем»; в конце концов он сбежал на Сицилию.

Фон картины искусно выполнен, что необычно для Караваджо — он изображает дворец Ирода в сочетании с тюрьмой и символизирует «земную власть». Подчиняясь этому авторитету, люди, которые принимают участие в казни, делают это, как кажется, на самом деле.Однако они поглощены грустью и полностью понимают смысл происходящего. Кричащие персонажи ранних работ Караваджо теперь молчат. Присутствие заключенных в этой сцене завершает ее — они становятся свидетелями зрелища перед ними, когда они смотрят через решетку тюрьмы.

Интересно, что Иоанн Караваджо немного похож на художника — возможно, Караваджо чувствовал себя «пророком» нового искусства — и это с кровью, текущей из тела Джона (точнее, его изображением) что художник подписал свое имя на своей картине.

Через некоторое время, находясь на Сицилии, он написал еще одно замечательное полотно — «Поклонение пастухов» (1609 г.), также представленное на московской выставке. Он наполнен большой нежностью и глубокой печалью; есть не только знание судьбы Христа, Крестного Пути, но и предчувствие его безвременного конца.

Однако искусство этого мастера, который жил и умер «нелепо», как утверждали его современники, восторжествовал бы над течением времени. Безмерная внутренняя сила его образов и непревзойденная техника живописи обеспечили Караваджио место рядом с величайшими мастерами в истории искусства.Простые подражатели копировали бы его отдельные техники, а более оригинальные мастера впитали бы его глубокие нововведения, а главное — культ природы и гуманизма. Мастера барокко и классицизма обратятся к его искусству, сочетающему в себе драматизм и скульптурное совершенство формы. Почти все великие художники 17 века — от Рубенса, Веласкеса, Сурбарана до Жоржа де Ла Тура, Бернини и Вермеера ван Делфта — почувствовали его влияние. Однако именно Рембрандт имел бы самую глубокую связь с Караваджо.Каким бы отличным оно ни было от его итальянского предшественника, искусство великого голландского мастера вдохнуло новую жизнь в доступность Караваджо, его психологический настрой, магические контрасты света и тьмы и его глубокую религиозную веру. И то, и другое можно охарактеризовать, используя слова Пьера Декарга, одним и тем же стремлением напомнить, что вера опаляет. ⁶

Микеланджело Меризи да Караваджо. Воспоминания современников. Документы. Г. Москва. 1975. П.27
Микеланджело Меризи да Караваджо. Воспоминания современников. Документы. Г. Москва. 1975. С. 28
Пьер Декарг. Рембрандт. Москва 2000. С. 134
Джорджио Бонсанти. Караваджо. Г. Москва. 1995. С. 44
Микеланджело Меризи да Караваджо. Воспоминания современников. Документы. Г. Москва. 1975. С. 26.
Пьер Декарг. Рембрандт. Г. Москва. 2000. С. 135

Теги:

В Париже, празднование римских дней Караваджо

Однажды вечером в мае 1606 года улица в центре Рима стала ареной кровавого столкновения.Знаменитый художник Микеланджело Меризи, более известный как Караваджо, подрался с молодым человеком, закончившись смертельным ножевым ранением.

Нанесение ножевых ранений, за которое Караваджо был признан виновным в убийстве, было больше, чем просто очередное убийство в тогда еще довольно жестоком городе. Смерть имела далеко идущие последствия в истории искусства. Караваджо бежал из Рима, оставив позади, пожалуй, самый богатый и продуктивный период своей карьеры, и умер в Тоскане четыре года спустя, скрываясь от правосудия.

Римский период Караваджо, начавшийся в 1592 году, отмечается на выставке в музее Жакемара-Андре в Париже (до 28 января 2019 года). Десять его картин демонстрируются вместе с почти двумя десятками работ его коллег и конкурентов, включая Кавальере д’Арпино, Аннибале Карраччи и Орацио Джентилески. Среди представленных Караваджо — кредиты из музеев по всему миру, в том числе из Эрмитажа в Санкт-Петербурге, Россия (которому Жакемар-Андре сообщает, что в следующем году взамен одолжит Паоло Уччелло).

Как ни странно, по словам кураторов, это первая сольная выставка Караваджо в Париже.

«Караваджо стал классикой, одним из громких имен в западном искусстве, но выставки Караваджо очень трудно проводить за пределами Рима», — сказал Пьер Кюри, куратор музея Жакемара-Андре и один из организаторов выставки. показывать. Он сказал, что выставка стала возможной из-за ее узкой направленности и относительно небольшого размера музея.

Главный куратор выставки, Франческа Каппеллетти, сказала, что ее цель — продемонстрировать «интеллектуальное наследие Караваджо не только как художника, но и как изобретателя.«Он нашел новые способы изображения старинных предметов, будь то мифологические или библейские, а также изображения музыки и натюрморта, которые в то время не обязательно были общими темами в живописи», — пояснила она.

И хотя Караваджо знаменито, а иногда и противоречиво рисовал с натуры — используя человеческие модели для своих изображений святых и даже Девы Марии, — он также внимательно изучал искусство прошлого, будь то древняя Греция или Италия эпохи Возрождения. Это то, что подчеркивает выставка.

«Для меня Рим — лучшая часть Караваджо. Именно здесь Микеланджело Меризи, молодой художник из Ломбардии, действительно стал Караваджо», — сказала г-жа Каппеллетти. «Он не мог сделать этого ни в каком другом городе. У него была возможность показать всю свою храбрость, потому что он получил там свои первые важные заказы ».

Его также окружали талантливые художники: «Невозможно понять Караваджо без его современников», — сказала она. Это были соперники с феноменальной репутацией, которые получали многие из крупных заказов, так что «это была среда, в которой можно было стать великим художником.”

На выставке представлены несколько основных Караваджо, в том числе шедевр, который завершает ее:« Ужин в Эммаусе »1606 года, которую он написал сразу после ножевого ранения, когда он бежал из Рима и останавливался в поместье за пределами города. Город принадлежит известной семье меценатов Колонна.

Его «Лютнист» (1595-96, Эрмитаж) — еще одно узнаваемое произведение искусства. Первоначально принадлежавший одному из покровителей Караваджо Винченцо Джустиниани, он был недавно отреставрирован.По словам г-жи Каппеллетти, это первый раз, когда его увидят за пределами России после реставрации, добавив: «Это вызывает большое любопытство и ожидания».

Из Римской галереи Боргезе прилетел «Св. Пишущий Иероним »(1605–166 гг.), Тихая медитация на смерть. Святой изображен один в комнате с разложенными перед ним большими книгами; На одной из книг покоится череп, очертания которого повторяют очертания собственной головы святого.

Наконец, Jacquemart-André представляет две картины Марии Магдалины: одну из коллекции в Риме, а другую итальянский историк искусства Мина Грегори объявил в 2014 году оригинальной «Марией Магдалиной в экстазе» 1606 года.Он был написан, когда Караваджо только что бежал из Рима в поместье Колонна, одновременно с постановкой «Ужина в Эммаусе».

Картина находится в не очень хорошем состоянии, и реставрация должна начаться сразу после выставки, сказала г-жа Каппеллетти.

Это настоящий Караваджо? По ее словам, сопоставление двух картин дает возможность историкам искусства, в том числе и ей самой, выяснить это.

«Есть большой вопрос насчет того, что Караваджо переписывает свои работы дважды: ученые в этом не уверены», — сказала г-жа Ф.- сказал Каппеллетти. «В конце выставки у нас будет рабочий день, чтобы сравнить мнения».

Работы и выставки скульптора Джанни Караваджо • Кауфман репетто

скачать pdf

Избранные персональные выставки

2019
Più intimo a me di me stesso , Exchiesetta, Полиньяно-а-Маре

2018
Iniziare un Tempo , Museo Novecento, Florence
To Begin a Time , kaufmann repetto, New York

2017
Sais , kaufmann repetto, milan
Sostanza Incerta , The Open Box, Милан

2016
About Things Bigger Than Us , Andriesse & Eyck Gallery, Амстердам
About Things Bigger Than Us , Galerie De Expeditie, Амстердам

2015
Non poserò mai più i miei anni così sul tempo , Tucci Russo Studio, Torino

2014
Finalmente Solo / Enfin Seul , Museo MAGA, Gallarate
Finalmente Solo / Enfin Seul , Musée d’art modern et contemporain de Saint-Etienne Métropole, Сент-Этьен

2013
INVITO ’14 , выставка ACACIA Prize, Spazio Vhernier, Милан
Cinque предложение per un mondo nuovo , kaufmann repetto, Милан
Sotto la superficie, la verità dellacrete mzza dove vai via dalla lure mondo nuovo, Spazio BASE, Флоренция

2012
проектная комната, Кауфманн Репетто, Милан

2011
Tucci Russo Studio per l’Arte Contemporanea , Торре Пелличе, Турин
Тесситоре ди Альбе (Ткач рассветов) , Кауфманн Репетто, Милан

2010
Sies + Höke, Дюссельдорф

2009
Художественные высказывания , francesca kaufmann, Милан

2008
Collezione Maramotti, Reggio Emilia
francesca kaufmann, Milan
Già 39 anni su questo pianeta , Galleria d’Arte Moderna, Pesaro

2007
Attendere un mondo nouvo , Tucci Russo Studio per l’arte contemporanea, Торре Пелличе, Турин
Уже 38 лет на этой планете , Галерея Поля Андриесса, Амстердам
Spreco di energia assoluta auf, Франция

2006
Приз Кастелло ди Риволи , Кастелло ди Риволи, Турин

2004
e altri grovigli temporali , francesca kaufmann и Nike Studio, Милан
Cause , Tucci Russo Studio per l’Arte Contemporanea, Торре Пелличе, Турин

2003
Tempo Drogato , francesca kaufmann, Милан

2002
Настоящее / будущее , Артиссима, Турин

2001
Как выглядит ваша душа , Tomio Koyama Gallery, Tokyo

2000
New view , francesca kaufmann, Милан

1997
Giocami e giocami di nuovo , Casa degli Artisti, Милан

1995
Zeitspanne , Maichingen
Arcoditempo , Projectroom Il Corridoio, Милан

Избранные групповые выставки

2018
Noi e il MASI.Donazione Giancarlo e Danna Olgiati , MASI, Lugano
Nonostante questo buio , Spazio Siena, Сиена

2017
Deposito d’Arte Italiana Presente , Artissima, Turin
The Open Box at Nesxt 2017 , Park-Carlina, Turin
Mythologies , Palazzo Palmieri, Monopoli
Gianni Caravaggio | Станислав Колибал , Галерея Иржи Свестки, Прага
Ла Лама ди Прокопио , Новое пространство Кассо, Кассо
EREMI — Percorsi tra arte, natura e spiritità , Abbazia di Santo Spirito al Morrone, Sulmona
dell’idea , Palazzo Ducale di Massa, Massa
Moroso Concept for Contemporary Art , Museo Etnografico del Friuli, Udine
Solo Figli , Padiglione de l’Esprit Nouveau, Болонья

2016
Collezione Acacia , Museo del Novecento, Milan
Avviso di garanzia, Fuori Uso , ex tribunale di Pescara, pescara

2015
Uncertain Substance , Spazio A, Pistoia
La sottile linea del tempo.Opere dalla Collezione Agi Verona , Fondazione Museo Miniscalchi-Erizzo, Verona
Au rendez-vous des amis , Fondazione Palazzo Albizzini, Città di Castello
Il Pane e le Rose , Fondazione Arnaldoide , Fondazione Arnaldoide , Fondazione Arnaldoide Museo l’Arca, Терамо

2014
Ritratto dell’artista da giovane , Castello di Rivoli, turin
La Gioia , La Maison Particulière, Bruxelles
Resonance (s) , Maison Particulière, Bruxelles ARTRI 9024 IN GIOCO , Музей Ювентуса, Турин
Wald-Caravaggio-Loher , Rolando Anselmi, rome; Galerie GMBH, Берлин

2013
Ritratto dell’artista da giovane , Castello di Rivoli, Turin
Некоммерческая и коммерческая организация , SpazioA, Pistoia
Airò Caravaggio Gennari Lohr , Tucci Russo, Torre 24 my
arte contemporanea, Рим

2012
Topografisches Pixel , Kunstfest Hohenkarpfen, Hofgut Hohenkarpfen, Hausen ob Verena
Gli Artisti Italiani della Collezione ACACIA , Palazzo Reale, Milan
(R) Existenzione 9, Centre Fondazive, 9

2011
Arte essenziale , Collezione Maramotti, Reggio Emilia; Frankfurter Kunstverein, Франкфурт
Кабинет , Милан

2010
Затишье перед бурей , ПОРТ ИЗМИР 2 (Измирское триеннале), Измир
итальянская культура дель XXI secolo , Fondazione Pomodoro, Милан
Linguaggi e sperimentazioni.Giovani artisti в современной коллекции , MART Rovereto, rovereto

2009
La importancia del pez cebra , Pilar Parra & Romero, Madrid
Qui è altrove , Fondazione Malvina Menegaz, Palazzo De Sanctis, Castelbasso

2008
Sporgersi prego , Galerie Lange und Pult, Zürich
Energie sottili della materia , Академия живописи, Пекин

2007
In cima alle stelle. L’Universo tra arte, archeologia e scienza , Forte di Bard, Bard

2006
Форма без формы, оттенок без цвета, парализованная сила, жест без движения , francesca kaufmann, Milan
L’immagine del vuoto.Una linea di ricerca nell’arte in Italia dal 1958 al 2006 , Museo Cantonale, Lugano
Scirocco. Emanuele Becheri, Gianni Caravaggio, Giovanni Ozzola, Diego Perrone, Davide Rivalta , Künstlerhaus Palais Thurn und Taxis, Bregenz
Underlining , Tucci Russo, Studio per l’arte contemporanea, Torre Pellice 9024 diraII 9024 Carrara
Premio del Golfo 2006 , GAMeC La Spezia
La Giovine Italia , Pinacoteca Nazionale, Bologna
Молодые итальянские художники на рубеже тысячелетий , Galleria Continua, Пекин

2005
С.N.O.W , Galleria Tucci Russo, Torre Pellice
Московская биеннале , Beyond The Ego . Итальянский проект, Музей современной истории России
Световая скульптура / Scultura leggera , 503 mulino, Vicenza
Поколения искусства — 10 лет в FAR , Fondazione Ratti, Como
Ask the dust , Museo Civico, Faenza

2004
Art et Cartographie , Изельп, Брюссель
Con cura , Museo Civico, Faenza

2003
Schnipseljagt , galerie muellerdechiara, Берлин отсутствие / присутствие, Берлин; Le Botanique, Брюссель
Italianamente , Uks, Oslo,
Ratio , Galleria Civica, Monfalcone

2002
Nuovo Spazio Italiano , MART, Palazzo delle Albere, rovereto
Collezionismi , Palazzo delle Papesse, Siena,
Поцелуй меня, я итальянец , Perimeter Editon Gallery, Лондон
Полный контакт , GAM of Syracuse, syracuse
Per una mobilità fenomenologica della scultura , Galleria Pio Monti, Roma

2001
Leggerezza , Aktuelle Posizionen italienischer Kunst, Lenbachhaus
Laura Marcchetti, Gianni Caravaggio , Milan
Nuove Aquisizioni , GAM, Turin Cosuse , коллекция Syracione Permanent Invas Stupenda, Scultura Italiana , Centro d’arte e cultura, Sermoneta
Boom , Manifattura Tabacchi, Florence
Play> , Openspace, Milan
Paper , Galerie Borgmann / Nathusius, Cologne
P.S.1 Studio Program , Palazzo delle Esposizioni, Rome
Trading Spirit , TENT, Роттердам

2000
Weihnachten 2000 , Galerie der Stadt Sindelfingen, Sindelfingen
Tracce di un Seminario , Viafarini, Milan
Pi Vasto Del Misurato 2000 , Link, Sassari

1999
Immagine Rinnovata , Antico Monastero delle Agostiniane, Monte Carasso
Più vasto del misurato , Microbo Erotico Projectroom, Милан,
Mostra del corso superiore di arte visiva, профессор Хаим Штайнбахо,

1998
Nuovo Paesaggio Italiano , Spazio Consolo, Милан

1997
Periscopio 1997 , Centro Civico di Noverasco, Милан

1996
Per Piacere , (с Сатоши Хиросе), Projectroom Il Corridoio, Милан
Forma , Новая скульптура в Италии, Nuova Icona, Венеция
Gallery Flux, Льеж, Винчестерская художественная галерея, Винчестер
Галерея Галлахера, Дублин

1994
Ио Караваджо и Коломбо , Galleria A’Mo’D’Art, Милан

1993
Караваджо, Коломбо, Морандини, Вестфаль, Casa degli Artisti, Милан

Призы и гранты

2013 Premio Acacia, Associazione Amici Arte Contemporanea Italia, Милан, Италия

2013 Premio Internazionale Giovane Scultura Fondazione Francesco Messina, Casalbeltrame, Италия 2006 Персональная выставка, Art Brussels

2005 Премия Кастелло ди Риволи, Турин Premio Alinovi, Болонья

Премия Dieselwall 2004

Премия специального фонда 2002 года PS1, Нью-Йорк, итальянская студийная программа

Римский период Караваджо | Музей Жакемара-Андре: уникальная коллекция в Париже, Париж

Осенью 2018 года откройте для себя выставку, посвященную Караваджо (1571–1610), ведущему деятелю итальянской живописи XVII века.Девять шедевров художника будут собраны исключительно для этого уникального события в Париже.

Выставочное мероприятие

Эти необычные полотна из крупнейших итальянских музеев, таких как Galleria Nazionale в Палаццо Барберини, Galleria Borghese и Musei Capitolini в Риме, Pinacoteca di Brera в Милане, Musei di Strada Nuova в Генуе и Museo Civico Ala Ponzone в Кремоне, не говоря уже о престижном займе Лютниста (1595-1596) из Эрмитажа Св.-Петербург, представленный во Франции или впервые. Девять Караваджо воссоздают римский период Караваджо с 1592 года до его бегства в ссылку в 1606 году. Они будут дополнены работами ведущих современных художников, таких как Кавальер д’Арпино, Аннибале Карраччи, Орацио Джентилески, Джованни Бальоне и Хосе де Рибера. чтобы подчеркнуть новаторский гений Караваджо и артистическую бурю, царившую в то время в Вечном городе.

Выдающийся художник в сердце римской художественной сцены

Микеланджело Меризи, родившийся в 1571 году, по прозвищу Караваджо, произвел революцию в итальянской живописи 17-го века благодаря реализму своих полотен и новаторскому использованию светотени. величайший художник-натуралист своего времени.

Выставка будет посвящена римскому периоду Караваджо и художественному кругу, в котором он двигался: как показали самые последние исследования, художник поддерживал тесные отношения с современными интеллектуальными кругами Рима. Таким образом, выставка будет посвящена связям Караваджо с коллекционерами и художниками, а также поэтами и учеными его времени — связям, которые никогда не освещались на выставке.

Первоначально выставка будет посвящена жизни Рима в начале семнадцатого века, рассматривая художественную деятельность в основных мастерских, в которых Караваджо начал свою карьеру.Именно в этот период Караваджо познакомился с разными фигурами, которые должны были сыграть ключевую роль в его карьере: Маркезе Джустиниани (1564–1637) и кардиналом Франческо Мария дель Монте (1549–1627). Они стали главными покровителями Караваджо, и он получил от них множество престижных заказов. После знакомства с друзьями и сторонниками Караваджо выставка будет посвящена его врагам и соперникам, которые в то время также были частью художественной сцены Рима. Караваджо — художник не хотел, чтобы другие художники подражали его стилю, но это действительно происходило, — иногда конфликтовал со своими собратьями во время дискуссий, судебных процессов и даже драк.

Его карьера в Риме закончилась в 1606 году, когда Караваджо убил Рануччо Томассони во время жаркой дискуссии. Приговоренный к смерти после этой роковой драки, Караваджо бежал в изгнание, но его самые преданные покровители продолжали интересоваться его творчеством.

Крупная выставка Караваджо открывается в Palazzo Reale

С 29 сентября 2017 года по 28 января 2018 года в Палаццо Реале в Милане будет проходить крупная ретроспективная выставка , посвященная Караваджо (урожденный Микеланджело Меризи).

Под названием Dentro Caravaggio ( Inside Caravaggio ) и курируемой Росселлой Водрет, выставка представляет двадцать работ итальянского художника, родившегося в городе Караваджо (отсюда его прозвище) на севере Италии, 29 сентября. , 1571.
Караваджо считается крупнейшим итальянским художником периода маньеризма — раннего барокко (конец 16 — начало 17 века).

Королевский дворец в Милане; фото: Федерико Морони

На выставке представлены всемирно известных шедевров , в том числе Мальчик, укушенный ящерицей (1597, Фонд Лонги, Флоренция), St.Иоанн Креститель в пустыне (ок. 1604, Художественный музей Нельсона-Аткинса, Канзас-Сити, Миссури), Отдых на пути в Египет (ок. 1586, Галерея Дориа Памфили, Рим), Удачи (1595, Капитолийские музеи, Рим), Святой Франциск Ассизский в экстазе (1598-1599, Художественный музей Уодсворта Атенеум, Хартфорд, Коннектикут) и Портрет мальтийского рыцаря (1607-1608, дворец Питти, Флоренция) и многие другие.

На выставке представлены не только картины, но и диагностический анализ представленных произведений, а также мультимедийные и интерактивные экспонаты.

Расположен на piano nobile Palazzo Reale, Dentro Caravaggio открыт ежедневно с 9:30 до 20:00 (вторник, среда и воскресенье), с 9:30 до 22:30 (четверг, пятница и суббота). и с 14:30 до 22:30 в понедельник.
Palazzo Reale расположен на площади Дуомо, в самом центре Милана, недалеко от городского собора и Галереи (станция метро Duomo, линии 1 и 3).

Dentro Caravaggio
29 сентября 2017 г. / 28 января 2018 г.
Palazzo Reale, Милан
Открыто ежедневно
http: // www.caravaggiomilano.it/

Изображение на обложке: Караваджо (Микеланджело Меризи), Удача, 1595, холст, масло, Капитолийские музеи, Рим; фото: Майк Стил

Святой Иоанн Креститель в пустыне, ок. 1604 г., холст, масло; Художественный музей Нельсона-Аткинса, Канзас-Сити, штат Миссури — Фото: Джеймисон Миллер, © Художественный музей Нельсона-Аткинса

Святой Франциск Ассизский в экстазе, 1598-1599, холст, масло, Художественный музей Уодсворт Атенеум, Хартфорд, Коннектикут; фото: Аллен Филлипс Уодсворт Атенеум

Портрет мальтийского рыцаря, 1607–1608, холст, масло, дворец Питти, Флоренция; фото: Галерея Уффици